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IDLES – “Ultra Mono”

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IDLES se demoró dos semanas en grabar su tercer álbum y más de cuatro meses en mezclarlo. En el tercer disco del conjunto de Bristol el mensaje es tallado en piedra, pero en el campo del sonido es donde hubo un trabajo brillante, que probablemente pase más desapercibido de lo debido por lo central que resulta la dinámica lírica en “Ultra Mono”.

Tras dos discos de alto impacto, como fueron “Brutalism” (2017) y “Joy As An Act Of Resistance.” (2018), IDLES ganó una notoriedad que les entregó una plataforma para expresar puntos políticos con claridad, en pos de la unidad, contra la masculinidad tóxica, la xenofobia, el machismo y los efectos de un sistema económico que corroe la humanidad, pero eso mismo les puso un blanco en la espalda. Cada paso en falso era usado, especialmente contra el vocalista Joe Talbot. Los cuestionamientos justificaron al final el tono desafiante que tiene “Ultra Mono”.

En este disco las consignas son más desafiantes, sin medias tintas. Aunque las frases son directas, hay reflexión y convicción. Entonces, ¿por qué pareciera que en varias canciones hay respuestas a la medida de las pasiones que genera un troll promedio en Twitter? En “The Lover”, “War” o “Anxiety”, en vez de buscar algo decorado, los conceptos son brutales, sin ambigüedades, para atacar a los haters, a los abusadores o a quienes perpetúan el sistema. En “Ne Touche Pas Moi” (“no me toques” en francés) en vez de reflexionar sobre el abuso, Jehnny Beth y Talbot literalmente gritan “Consent” (“Consentimiento”). Ese afán brutal por sobre el matiz probablemente cristalice la fidelidad de quienes ya adoran a IDLES y le dará más excusas a quienes odian a la banda.

Sin embargo, ese ahínco se olvida de que “Ultra Mono” es un disco sólido y que está basado en los otros pilares que conforman a IDLES. Sí, Talbot es magnético, transparente, sus intentos por generar unidad y buscar justicia son encomiables, pero hay mucho más. Mark Bowen y Lee Kiernan exploran coordinadamente las posibilidades de la guitarra, pero en especial los pedales y los efectos, transformando las seis cuerdas en verdaderos sintetizadores, capaces de generar atmósferas, ánimos y poner otros colores, sin desviar la atención del engranaje preciso y compacto que IDLES por fin logró en el estudio.

En entrevista con HumoNegro, Bowen indicó que “quisimos calmar todo y destilar IDLES a su forma más esencial” quitando ruidos innecesarios. Lo logran, y pareciera que, en la mayoría del álbum, Lee y Mark tocaran al unísono y que lo que cambia son los efectos o matices en las mismas notas, muchas veces con acordes atonales que dan una sensación de extrañeza aún mayor. Adam Devonshire y John Beavis siguen en la senda del ritmo implacable, y esto se nota en canciones como “Mr. Motivator” (con una letra muy blanda para IDLES, pero infecciosa a más no poder), la increíble “Model Village” o la impactante “Reigns”, esta última con un saxo espacial de Colin Webster y un coro que hasta recuerda a Queens Of The Stone Age.

Aunque se diga que IDLES es punk, la actitud puede tirar hacia allá, pero la música del quinteto es bastante más versátil y ecléctica, y se basa en una estructura mental y una fuerza interior más que en un género musical. En un perfil del New York Times, Devonshire dijo que la canción que hizo de IDLES lo que es hoy es “The Rat” de The Walkmen, y quizás ahora por fin lograron replicar esa meta inicial, esa urgencia, esa energía, esa paranoia y también esa capacidad de desenmascarar la falsedad alrededor. IDLES es su propio estado mental, tan así, que pueden llegar y grabar un disco de esta calidad en dos semanas y tomarse cuatro meses de mezcla para preocuparse de cada detalle. Si en “Joy As An Act Of Resistance.” buscaban unidad, en “Ultra Mono” la línea que más se repite es “I am I” (“yo soy yo”), porque el paso siguiente es la autoaceptación, y este es un disco que refleja por completo las facetas de una banda que merece su revolución, su autoestima y la estima de un mundo en aparente ebullición.


Artista: IDLES

Disco: Ultra Mono

Duración: 42:54

Año: 2020

Sello: Partisan


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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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