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Hugh Laurie – Didn’t It Rain

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Muchas veces son las ganas las que determinan el potencial de una propuesta, más allá de las aptitudes propias o de lo que es conocido como “talento”. Y las ganas son aún más necesarias para dar un vuelco desde el éxito hacia la incertidumbre de las nuevas aventuras. Hugh Laurie es conocido por todo el mundo como el egocéntrico y mañoso doctor Gregory House de la serie “House M.D.”, pero su faceta musical, esa que inició en 2011 con el lanzamiento del variopinto “Let Them Talk”, no puede ser más contraria a ese doctor egoísta pero genial. En la música, Laurie se preocupa más de tocar sus canciones favoritas que de cómo él se destaca. Hugh es uno más de la Copper Bottom Band, su HUGH LAURIE 01superdotada banda de apoyo, donde en su segundo álbum, “Didn’t It Rain”, Laurie forma más parte de un todo y rara vez toma el centro de la escena para sí.

Esta “generosidad” resulta ser bastante útil, porque deja en claro que este proyecto es más que la idea de un hombre que a sus 51 años pudo dar el paso a la música. No obstante, esto también ayuda a no notar los ripios de Laurie. Su voz tiene un registro estrecho y el disco es una colección de canciones, lo que hace a veces muy notoria la mezcla de estados de ánimo. Así, nos encontramos con canciones de amor para pasarla bien, y otras que parecieran ser una clásica blues funeral band. Pero lo más preocupante es que, pese a las grandes canciones elegidas –casi todas desde la profunda tradición del blues de Nueva Orleans-, todo suena demasiado pulido y, a pesar de la virtuosidad de la banda y la simpleza de Laurie, las interpretaciones carecen del pesar característico del estilo.

“Wild Honey” de Dr. John, la mejor canción del disco, no se escapa de este destino y su potente puesta en escena, con Laurie tratando de poner lo mejor de su registro vocal, tiene retazos sonoros que recuerdan a Fiona Apple, incluso, pero la intensidad no se consigue mucho más allá de un par de gruñidos de la voz de Hugh. De ahí en adelante, la mayoría de las canciones son de un blues azucarado, con “One For My Baby” siendo más monótona de lo que debiera ser, o “Send Me To The ‘Lectric Chair”, más minimalista de lo que debiera ser una canción que refiere a la plegaria de un tipo por acabar con su sufrimiento, y que termina siendo una versión más circense que blusera. También hay aciertos, como la inclusión de la guatemalteca Gaby Moreno en la bien lograda “Kiss Of Fire”, interpretada antes por Nat King Cole y Louis Armstrong, entre otros. En esta canción, Laurie y Moreno complementan sus interpretaciones de buena forma, dentro de lo teatral, que le viene bien a Hugh. Otra colaboración, con Taj Mahal, en “Vicksburg Blues”, se destaca por lograr dar con el tono oscuro HUGH LAURIE 02pero suficientemente ligero, como para ser escuchado con placer. Otra cosa que denota lo dadivoso de Laurie en “Didn’t It Rain” es que, de las 15 canciones que aparecen, él hace las veces de cantante principal en sólo un tercio, lo que hace pensar que quizás era mejor llamar a este disco por el nombre completo de la banda: Hugh Laurie & The Copper Bottom Band. De todas formas, créditos más, o créditos menos, el resultado es pulido, para bien y para mal.

Esta selección de canciones de blues que eligió el propio Laurie, sigue su tradición de ser un recorrido más profundo que cualquier antología por el espíritu de Nueva Orleans y el blues del sur de Estados Unidos, en general, pero el inglés Laurie, en su britanidad, deja limpias a canciones a las que les hace bien ensuciarse un poco, pero, de todas formas, se agradece que un tipo con la posibilidad de visibilizar su pasión por la música como pocos, tome riesgos de repertorio con canciones así de escondidas. Así, si bien el sonido de Laurie y su banda, es demasiado perfecto para ser blues, la tribuna para esas grandes canciones es el gran valor de un álbum que, de todas formas, merece una oportunidad.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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