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How To Destroy Angels – Welcome Oblivion

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“How To Destroy Angels” es el más reciente proyecto del carismático líder de Nine Inch Nails, Trent Reznor, el que completa su esposa, Mariqueen Maandig, el productor Atticus Ross, y el director de arte Rob Sheridan. La banda ya se había dado a conocer mediante la edición de dos EP: “How To Destroy Angels” (2010) y “An Omen_” (2012), además de participar en la banda sonora de la película “The Girl With The Dragon Tattoo” (2011), con un cover del tema “Is Your Love Strong Enough?”, original de Bryan Ferry. Ahora llegó el momento de dar un paso aun más grande con el lanzamiento de su primer larga duración, titulado “Welcome Oblivion”, el cual será distribuido bajo la etiqueta Columbia Records. Esta placa estará disponible en dos presentaciones, en formato CD con 13 canciones, y en vinilo con dos temas adicionales: “The Province Of Fear” y “Unintended Consequences”.

HOW TO DESTROY ANGELS 02“The Wake-Up” es la canción encargada de abrir el álbum, y también la más corta de toda la placa. Una melodía que de inmediato evidencia la influencia del rock industrial de NIN, con algunos tintes electrónicos y la voz de Maandig que fluye delicadamente en un segundo plano. En “Keep It Together” la voz asume una mayor preponderancia, compartiendo protagonismo con el sonido del sintetizador, y el aporte de Reznor que inyecta un cierto matiz oscuro a la melodía. El disco continúa con “And The Sky Began To Scream”, cuya primera mitad transcurre sobre una base rítmica plagada de efectos sonoros generados por el swarmatron, para luego incorporar una textura mucho más melancólica. “Welcome Oblivion” mantiene la misma receta rítmica, pero sumando una dosis mayor de dinámica a la pieza, y que por momentos hace recordar uno de los tracks de la banda sonora de la película “The Social Network” (2010), creada por Reznor y Ross. Con “Ice Age” se produce el primer cambio fuerte en la estructura del álbum, con un sonido mucho más cristalino y lúdico, el cual permite apreciar en toda su magnitud la sensible voz de Mariqueen. Una hermosa gema dentro de un universo de bases sintetizadas. Casi como una declaración de falta de creatividad, “On The Wing” no ofrece nada nuevo al desarrollo del álbum, utilizando una fórmula ya conocida y que a esta altura del disco comienza a tornarse peligrosamente monótona. En “Too Late, All Gone” la potente mezcla Reznor/Maandig permite abstraerse de la base electrónica durante largos pasajes, haciendo mucho más digerible el corte.

En “How Long?” vuelve a sobresalir la voz de Maandig, en donde a pesar de su delicada textura, despliega una faceta mucho más intensa y enérgica. Una melodía a medio tiempo que tiene su principal virtud en no delegar el protagonismo en el sonido prefabricado de su base. “Strings And Attractors” trae de vuelta toda la gama de efectos que ofrece el sintetizador, fundamentando una estructura musical muy cercana al estilo experimental, con suaves pasajes vocales y mucha participación sonora. Las revoluciones decaen de la mano de “We Fade Away”, cuya melodía genera un ambiente oscuro y fúnebre, fluyendo entre constantes cambios de ritmo y una eufonía con matices opacos. “Recursive Self-Improvement” es, sin lugar a dudas, uno de los temas más electrónicos de la placa, una canción mayoritariamente instrumental que abusa de un sonido recurrente y carente de sorpresas.  En el último tramo del álbum aparece “The Loop Closes” que, al igual que su predecesora, mantiene la tendencia al abuso del sintetizador, pero que hacia el final varía su base rítmica, incrementando la energía y velocidad, con el apoyo de la potente voz de Reznor. “Hallowed Ground” marca el cierre de este experimento, manteniendo los tonos nostálgicos y apagados como sello característico del disco.

HOW TO DESTROY ANGELS 01“Welcome Oblivion” es por sobretodo un experimento, y como tal, puede o no resultar exitoso, quizás como una primera incursión en las grandes ligas se le podría dar el beneficio de la duda, pero en mi opinión sólo se queda en buenas intenciones. Si bien es cierto, la presencia de Trent Reznor aseguraba de antemano una tendencia al rock industrial, es el estilo electrónico el que predomina en gran parte del álbum, teniendo como protagonista excluyente el monótono sonido del sintetizador. El principal defecto de esta placa es su falta de matices y dinamismo, lo cual tiene su justificación en que, a pesar de contar con el líder y vocalista de NIN entre sus filas, es su señora quien lleva las riendas del proyecto, aportando con su exquisita capacidad vocal, su sintetizador swarmatron, pero principalmente con muy pocas nociones de cómo hacer música de calidad.

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El Álbum Esencial: “La Voz de los ’80” de Los Prisioneros

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La Voz de los 80

Jorge González dijo una vez que el primer disco de una banda toma mucho tiempo porque el proceso parte desde que naces hasta que cumples edad para grabarlo, mientras que para el segundo sólo cuentas con un par de meses debido a la presión del sello. “Corazones” (1990), en rigor el primer trabajo de Jorge como solista, goza de un sonido pulcro y de una genialidad compositiva totalmente atemporal, “La Cultura de la Basura” (1987) cuenta con atisbos de experimentación y materializa el virulento sarcasmo social de la agrupación, y “Pateando Piedras” (1986) representa el cénit creativo del grupo produciendo un trabajo de alta calidad, que los posicionó como un suceso de masas. Pero es “La Voz de los ’80” el que encapsula esa energía primal, rudimentaria y cruda, que rompió con todo lo establecido como signo de una catarsis a nivel nacional en un país sumido en una gris dictadura.

Son diez cortes nacidos en la adolescencia de tres jóvenes de San Miguel que aplanaban las calles de la capital chilena entre interminables conversaciones sobre la música y su entorno. Nacieron como una banda de colegio, tocando en festivales escolares muchas veces con instrumentos prestados, sin embargo, su equipamiento más valioso eran sus canciones, creaciones que son la consecuencia de una mezcla ecléctica entre lo mejor de la música juvenil de la época, léase The Cars, Depeche Mode, New Order o The Clash, con la tradición auditiva de cualquier casa de clase media, como Raphael, Camilo Sesto o Salvatore Adamo. La sensibilidad pop con la aspereza del rock al servicio de letras inteligentes, llenas de sarcasmo, que se derraman en un disco que en la actualidad parece un compilado de grandes éxitos.

La capacidad que tuvo Claudio Narea, Jorge González y Miguel Tapia para retratar a su generación, el momento político y la cultura pop, es el gran valor que hace a este disco permanecer en el tiempo. La juventud que aparece en “Brigada de Negro”, esa que nada en alcohol y tabaco, es casi tan difusa como la sombría línea de bajo de González que serpentea por toda la canción, mientras Narea marca el ritmo con sus acordes y Tapia promueve una batería marchante, que narra la hipocresía juvenil de una felicidad hedonista que difícilmente era la realidad de la clase media asolada por la política neoliberal de los Chicago Boys. Parte de esa atmósfera aparece en “La Voz de los ’80”, canción que remece con la energía rabiosa de un trío que se quería comer al mundo desde el primer momento. A pesar de que cada obra esté anclada a su época, lo importante es cuando esta trata temas tan universales que se van repitiendo generación tras generación.

El primer larga duración de Los Prisioneros es un disco que siempre será joven, porque refiere a los temas que vive cada chiquillo o chiquilla desde que esta etapa de la vida humana emergió como una forma cultural en sí misma, después del destape mundial en los años 50. Tanto el relato del despertar sexual que se palpa en “Eve-Evelyn”, como la posterior desolación amorosa de carácter invernal de “Paramar”, son impulsivas y encaran la frustración amorosa con un relato original, el mismo que sale disparado de los parlantes de manera un poco más furiosa en “Mentalidad Televisiva”. Y ¿si la chica que perdió su imaginación para instalar un video tape ahora la perdiera para instalar la última actualización de YouTube, Snapchat o Instagram? Son los temas que, entre la ingenuidad y suspicacia, instalan esas verdades que siempre vamos a vivir, estemos en la época que estemos.

Esa aterrizada visión que ostentaba el trío siempre los hizo ver como algo distinto en un panorama musical un tanto agreste. En la primera mitad de los 80 la música de guitarras era marginal en nuestro país, el rock estaba relegado a encuentros que, si bien cimentaron gran parte de lo que después se expresaría en el underground criollo en estilos más extremos como el thrash o el punk, se veían aplastados por la culturalidad de un régimen que impuso firmemente su manera de ver la realidad, contexto clave para entender letras como “Latinoamérica Es Un Pueblo Al Sur De Estados Unidos” y “No Necesitamos Banderas”, que recogen elementos foráneos como el reggae y el ska para alinearlos a nuestras características locales. Esto choca de frente con la postura del sonido imperante en el mundo universitario dominado por el Canto Nuevo, forjado desde las raíces propias de nuestra música, y no al revés, como en el caso del rock.

Las letras pomposas y repletas de metáforas, adornadas con la complejidad de los acordes de una guitarra acústica, no podía ser más distinto al mensaje directo de “Sexo” o de “¿Quién Mató A Marilyn?” que, tomando elementos de la cultura pop, prefiguran un mensaje directo, conciso y simple de entender, aunque no por ello menos contundente. Es por eso que “Nunca Quedas Mal Con Nadie”, grabada el 6 de diciembre de 1984 –mismo día en que Jorge cumplía 20 años–, emerge como una crítica tanto a ese movimiento como también a la liviandad de las bandas que compartieron un terruño que Los Prisioneros nunca quisieron habitar. Aparato Raro, Cinema, Valija Diplomática, Emociones Clandestinas, seguidos de un largo etcétera, se subieron al carro del nuevo rock chileno y recibieron un mejor trato de las emisoras locales, cosa que no pasó con los de San Miguel, precisamente por lo filudo de su lírica.

Famoso por sus frases para el bronce, el otrora vocalista de la banda expresó: “Pocas veces nos hicieron una crítica en un diario, y las veces que lo hicieron, era para decirnos que éramos pésimos, lo último, que sonábamos mal, que no servíamos para nada y que éramos una moda no más”. El tiempo no se ha cansado de probar lo equivocado que estaban los tabloides del momento. Desde aquella foto tomada en la Vega Central en la que se ve a tres muchachos sosteniendo sus instrumentos, hasta esa camisa apuñalada como carta abierta a un amor imposible que vino a cerrar la primera etapa del grupo después de la vuelta a la democracia, Los Prisioneros marcaron a fuego la historia de nuestro país.

Su valor no está condicionado por el mero hecho de retratar a una generación que vivió momentos sombríos ­–lo que ya sería un mérito–, sino que recae en cómo tres miembros de esas escuelas numeradas, en las que les enseñaban humildad y resignación, lograron establecer un mensaje que resuena hasta el día de hoy y que se mantiene totalmente vigente. Eso habla tanto de la inteligencia de sus letras, como de una sociedad que siente un romanticismo exacerbado por muchos elementos de la cultura de épocas pasadas, sobre todo en lo que se refiere a los años 80; no por nada se sigue escuchando en la radio casi la misma música que alguna vez llamó la atención de Narea, Tapia y González.

En la actualidad, Chile sigue teniendo problemas limítrofes (“no necesitamos banderas, no reconocemos fronteras”), sigue luchando contra el machismo (“…y les sigues el juego, y les das tu dinero, y te sientes muy hombre y me río en tu cara de tu estupidez”) y seguimos presa del cinismo ahora exacerbado por las redes sociales (“pretendes pelear y sólo eres una mierda buena onda”). Los Prisioneros cambiaron la forma de ver la realidad, pero parece que somos nosotros los que no hemos cambiado tanto.


Artista: Los PrisionerosLa Voz de los 80

Disco: La Voz de los ’80

Duración: 40:22

Año: 1984

Sello: Fusión / EMI Music


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