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Hot Chip – In Our Heads

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“Hoy, el pop es el estilo más conservador”, decía con ánimo revolucionario Joe Goddard de Hot Chip en una entrevista al semanario New Musical Express. Y esto probablemente sea más que cierto. Mientras el rock se ha hecho más bailable u osado para cruzarse con otros estilos, el hip hop ha dejado de lado los samplers sencillos para experimentar más allá. En cambio, el pop sigue echando mano a una misma batería de sonidos. Por eso la frase de Goddard no es dicha al azar. Todo lo contrario, ellos saben la relevancia que su música tiene en esta escena, y que su quinto disco –el primero en el sello Domino- era uno de los más esperados en este año.

Los 11 tracks que conforman “In Our Heads”, reafirman que el quinteto londinense es uno de los grandes grupos del “pop-rock bailable” del presente, y que son capaces de evolucionar entrega tras entrega. Menos enamoradizos que en el gran “One Life Stand” (2010), el sentimentalismo sigue siendo capital en los matices que son denotados en cada capa sonora. Pero ahora ya las sensaciones no son de uno, sino que de varios.

El “we” –o sea, “nosotros”- ocupa gran parte de las letras, constatando la forma de trabajar de este grupo, que se basan en dos polos de voz que se complementan todo el tiempo entre el robótico lamento de Alexis Taylor y la profundidad reflexiva de Joe Goddard. O sea, los sentimientos son compartidos, abiertos, no es cosa de uno sino que de todos.

El uso de este elemento podría haber hecho que el tren se descarrilara en cualquier momento, pero el buen juicio en la producción –realizada por los mismísimos Hot Chip, y Mark Ralph en colaboraciones- logra que lleguemos a instantes deliciosos. Un ejemplo de esto es el primer tema que se dio a conocer de “In Our Heads”, que debe ser la mejor canción del año también, “Flutes” y sus siete minutos de constante crecimiento, minimalismo, momentum, una letra durísima que referencia a la desorientación y que debe ser la canción más parecida a lo hecho hace dos años en “One Life Stand”. Un monumento sonoro pegajoso y siempre en alza. Pero “Flutes” es sólo una canción de 11. Y las otras 10 también son piezas de museo, partiendo por el otro single, “Night & Day”, que es la mejor invitación a la pista de baile del registro.

No obstante, el pop, el r&b y el funk se toman el desarrollo de las composiciones de Hot Chip. En la balada “Now There Is Nothing” los 70s llegan de golpe, con reminiscencias a los Bee Gees en una canción hermosa.

El inicio de “Ends Of The Earth” recuerda a los teclados espaciales de Muse, para derivar en una suite ochentera llena de sintetizadores y teclados fiesteros.

Lo que menos se siente al escuchar de principio a fin este registro, es esa sensación de que una canción sobra, o que todo el rato suena lo mismo, o que algo fue forzado. Todo funciona como debe, como una evolución en todo sentido sin olvidar desde donde viene el quinteto. No por nada varios han comparado este disco con “The Warning” (2006) en su capacidad de no forzar las cosas, creando maquinarias musicales sinérgicas impecables.

Otra cosa agradable de “In Our Heads” es que el disco se siente como un relato coherente y estructurado. El track inicial, “Motion Sickness” y el final con “Always Been Your Love”, funcionan como intro y outro, pero también como singles separados. La segunda canción (“How Do You Do”) y la penúltima (“Let Me Be Him”) también operan en su lugar creando expectativas. El centro del disco es con la dupla estelar de singles. Todo pareciera tan planeado, pero al escucharlo la fluidez es el concepto clave.

Más que destacar sonoridades, matices o interpretaciones, aquí vale destacar una actitud y un crecimiento en materia compositiva con una simplificación de la propia propuesta. Mientras otros grupos estiman que es más ambicioso crear canciones con diez o veinte pistas diferentes de audio, Hot Chip entiende que con lo que pueden hacer los cinco miembros y algunas armonías vocales, es más que suficiente para generar un álbum memorable. Y esa es la verdadera revolución del pop, notar que con la sencillez se puede llegar a lo sublime. En nuestras cabezas (y oídos) retumba esa nueva verdad.

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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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