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Hot Chip – In Our Heads

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“Hoy, el pop es el estilo más conservador”, decía con ánimo revolucionario Joe Goddard de Hot Chip en una entrevista al semanario New Musical Express. Y esto probablemente sea más que cierto. Mientras el rock se ha hecho más bailable u osado para cruzarse con otros estilos, el hip hop ha dejado de lado los samplers sencillos para experimentar más allá. En cambio, el pop sigue echando mano a una misma batería de sonidos. Por eso la frase de Goddard no es dicha al azar. Todo lo contrario, ellos saben la relevancia que su música tiene en esta escena, y que su quinto disco –el primero en el sello Domino- era uno de los más esperados en este año.

Los 11 tracks que conforman “In Our Heads”, reafirman que el quinteto londinense es uno de los grandes grupos del “pop-rock bailable” del presente, y que son capaces de evolucionar entrega tras entrega. Menos enamoradizos que en el gran “One Life Stand” (2010), el sentimentalismo sigue siendo capital en los matices que son denotados en cada capa sonora. Pero ahora ya las sensaciones no son de uno, sino que de varios.

El “we” –o sea, “nosotros”- ocupa gran parte de las letras, constatando la forma de trabajar de este grupo, que se basan en dos polos de voz que se complementan todo el tiempo entre el robótico lamento de Alexis Taylor y la profundidad reflexiva de Joe Goddard. O sea, los sentimientos son compartidos, abiertos, no es cosa de uno sino que de todos.

El uso de este elemento podría haber hecho que el tren se descarrilara en cualquier momento, pero el buen juicio en la producción –realizada por los mismísimos Hot Chip, y Mark Ralph en colaboraciones- logra que lleguemos a instantes deliciosos. Un ejemplo de esto es el primer tema que se dio a conocer de “In Our Heads”, que debe ser la mejor canción del año también, “Flutes” y sus siete minutos de constante crecimiento, minimalismo, momentum, una letra durísima que referencia a la desorientación y que debe ser la canción más parecida a lo hecho hace dos años en “One Life Stand”. Un monumento sonoro pegajoso y siempre en alza. Pero “Flutes” es sólo una canción de 11. Y las otras 10 también son piezas de museo, partiendo por el otro single, “Night & Day”, que es la mejor invitación a la pista de baile del registro.

No obstante, el pop, el r&b y el funk se toman el desarrollo de las composiciones de Hot Chip. En la balada “Now There Is Nothing” los 70s llegan de golpe, con reminiscencias a los Bee Gees en una canción hermosa.

El inicio de “Ends Of The Earth” recuerda a los teclados espaciales de Muse, para derivar en una suite ochentera llena de sintetizadores y teclados fiesteros.

Lo que menos se siente al escuchar de principio a fin este registro, es esa sensación de que una canción sobra, o que todo el rato suena lo mismo, o que algo fue forzado. Todo funciona como debe, como una evolución en todo sentido sin olvidar desde donde viene el quinteto. No por nada varios han comparado este disco con “The Warning” (2006) en su capacidad de no forzar las cosas, creando maquinarias musicales sinérgicas impecables.

Otra cosa agradable de “In Our Heads” es que el disco se siente como un relato coherente y estructurado. El track inicial, “Motion Sickness” y el final con “Always Been Your Love”, funcionan como intro y outro, pero también como singles separados. La segunda canción (“How Do You Do”) y la penúltima (“Let Me Be Him”) también operan en su lugar creando expectativas. El centro del disco es con la dupla estelar de singles. Todo pareciera tan planeado, pero al escucharlo la fluidez es el concepto clave.

Más que destacar sonoridades, matices o interpretaciones, aquí vale destacar una actitud y un crecimiento en materia compositiva con una simplificación de la propia propuesta. Mientras otros grupos estiman que es más ambicioso crear canciones con diez o veinte pistas diferentes de audio, Hot Chip entiende que con lo que pueden hacer los cinco miembros y algunas armonías vocales, es más que suficiente para generar un álbum memorable. Y esa es la verdadera revolución del pop, notar que con la sencillez se puede llegar a lo sublime. En nuestras cabezas (y oídos) retumba esa nueva verdad.

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Gaerea – “Limbo”

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Limbo

La década de los noventa fue el período donde un movimiento musical e ideológico tuvo un apogeo histórico. Tomando influencias musicales y estéticas de bandas como Venom, Celtic Frost y Mercyful Fate, un colectivo de bandas de Noruega impulsó al extremo a uno de los subgéneros más controversiales dentro del metal. Provocadores y selectivos, establecieron las raíces de lo que conocemos como black metal tradicional, y continuando con una de sus características fundamentales, lo desafiante de este sonido también sirvió para que el enfoque pagano, mitológico y musicalmente minimalista, evolucionara a través de agrupaciones que vieron en su oscuridad nuevas formas de expresión.

Desde Portugal, cinco individuos encarnan las tinieblas en el anonimato absoluto, haciendo que Gaerea sea un ente materializado sólo por sus obras. “Limbo” es el segundo larga duración oficial de esta agrupación, un trabajo que durante sus seis canciones expande la frialdad con matices ambientales, que remueven fibras emocionales por su desgarradora propuesta. La estridente obertura de “To Ain” se ve interrumpida con una crudeza majestuosa. La potencia rítmica de Gaerea despeja todo atisbo de pasividad hasta el aterrizaje a mitad del track, en un delicado pasaje con un cuidado armado en su trabajo de cuerdas, muy apegado al post rock, siendo un respiro previo al remate del tramo final.

Una vorágine conduce a un potente clímax, navegando entre lo solemne y disonante, para arremeter de inmediato con “Null”, la apabullante muestra de la dimensión más feroz del misterioso quinteto. El brillante despliegue de percusión, que va más allá de lo brutal, aplica leves variaciones que brindan los espacios necesarios para que los componentes más emotivos brillen por su descarnada entrega, lo que desemboca en la devastadora “Glare”, donde un filoso riff con sentido de urgencia se ve inmerso en una sofocante atmósfera, conjugando elementos del shoegaze y que son bien asimilados dentro de la desesperación que envuelve toda la canción.

En equilibrio, la mitad de “Limbo” va mostrando más aristas del sonido de Gaerea. En crescendo, “Conspiranoia” se va desenvolviendo en lo intrigante. Cada elemento va añadiendo algo exquisito al armado del explosivo ataque de cuerdas, que tiene a lo inquietante y a lo bestial de la voz durante el introspectivo viaje a través de la mente del intérprete y sus demonios como combustible sonoro.

Preparándonos para un final inminente, “Urge” es un letal homenaje a los precursores del black metal. Siendo el corte más breve del opus, Gaerea no se guarda nada e invoca absoluta destrucción, dando lugar –aún en contrariedad con los pioneros del sonido de origen– a un bajo muy presente, junto a tenebrosos acordes que van dando forma a “Mare”, el extenso cierre del larga duración: una muralla sonora que no escatima en potencia, llevado a un disonante intervalo que cautiva por la solemnidad en su punto más alto, el cual se disuelve en un gélido valle.

En el pasado, lo que hacía a una banda “verdadera” dentro del hermético circuito del black metal radicaba en privarse de una producción de calidad y en la claridad del sonido mostrado, y así impactar con una visceral muestra. Es en este último punto donde Gaerea se alza como un conjunto que hace de la catarsis un componente indispensable para librarse de un esquema que bebe del pasado, y con “Limbo”, en su agonía y frenesí, los portugueses consiguen crear una extrema muestra emotiva, que brilla en la vasta oscuridad.


Artista: Gaerea

Disco: Limbo

Duración: 51:47

Año: 2020

Sello: Season Of Mist


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