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Hop Along – Painted Shut

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Más allá del constante debate de si hay o no suficientes mujeres en la música, mayoritariamente en el rock, es siempre posible encontrar algún trabajo femenino que sea notablemente destacable dentro del amplio espectro de música que aparece día a día. “Painted Shut” de Hop Along es un claro ejemplo de ello, ya que su vocalista, Frances Quinlan, imprime una cuota de melancolía y rebeldía punk en su estilo de canto, lo que hace al sucesor de “Get Disowned” (2012) una obra de carácter fresco y ameno.

HOP ALONG 01Es precisamente Quinlan quien inicia el álbum con “The Knock”, track donde demuestra su gran calidad vocal y armonía entre lo rebelde y lo dulce. Acompañada de su hermano, Mark Quinlan, en la batería, y de Tyler Long y Joe Reinhart en bajo y guitarra, respectivamente, la banda se complementa de manera concisa, continuando con “Buddy In The Parade”, canción que demuestra el estilo más “juvenil” que el cuarteto imprime en sus composiciones. A las guitarras de carácter indie rock, una batería con el tempo marcado y la voz de Frances (quien hace de hilo conductor dentro de la estructura musical de la banda), se suma un teclado a la fórmula en “Horseshoe Crabs”. Es en este tema donde se puede apreciar la influencia de los 90 en el sonido de Hop Along, con reminiscencias de ese “ruido/calma/ruido” que se destaca en bandas como Pixies, insignes estandartes del indie noventero.

Posiblemente, Kim Deal sea una de las principales influencias vocales de Frances Quinlan, algo que se puede entrever en “Waitress”, mientras que la balada “Happy To See Me” refleja una voz más gastada, cercana al estilo punk que Joan Jett profesaba a fines de los años 80. “Texas Funeral”, es uno de los tracks más destacables del LP, con notables solos de guitarra y una interpretación sin contrapuntos por parte de los oriundos de Philadelphia.

HOP ALONG 02El carácter melancólico plasmado en una amplia parte del disco, es el factor principal que hace de esta una obra tan sobresaliente. Canciones como “Powerful Man” o “I Saw My Twin” complementan muy bien la rebeldía y la melancolía, premisa general durante los casi 40 minutos de duración del álbum. La balada “Well-Dressed” cierra el disco junto a “Sister Cities”, con la potencia característica de la banda y un punto final que deja una sensación muy agradable una vez terminado el álbum.

Ejemplos como este hacen corroborar lo necesario de las voces femeninas en la música; Hop Along demuestra con creces que tiene todo para seguir adelante y entregar trabajos tan buenos como “Painted Shut”. Las influencias presentes en sus canciones son variadas, y el haber trabajado con el productor de bandas como Dinosaur Jr. o Sonic Youth, demuestra el camino que pretende seguir la agrupación. Nada mal para ser su tercer larga duración, porque se alza sin problemas como uno de los mejores de la temporada.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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