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Hanni El Khatib – Head In The Dirt

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Las comparaciones a veces resultan injustas, y por muy bien intencionadas que sean, terminan poniendo a ciertos artistas en posiciones no siempre cómodas, y en el caso de Hanni El Khatib no se hicieron esperar. Su impronta, estilo y propuesta, hizo que muchos lo colocaran en un espacio difuso y ambiguo, delimitado por The White Stripes por un lado, y con Devendra Banhart por el otro. Un continuo que básicamente no ayuda a definir aquello que caracteriza a este artista de descendencia palestina.

HANNI EL KHATIB 01Como sea que haya que definir a Hanni El Khatib, la verdad es que es necesario que su música se encargue de aquello. Y para este segundo álbum, se apoyó en el trabajo de Dan Auerbach (The Black Keys), quien no sólo es el productor de esta obra, sino que también las hace de coautor en 10 de las 11 canciones que componen este disco. Dicha adición a la planilla de Khatib no es para nada despreciable, tomando en consideración que fue el mismo frontman de The Black Keys quien le solicitó trabajar en este disco. Ya el año pasado, Auerbach demostró con el excelente “Hypnotic Night” de Jeff The Brotherhood (donde las hizo de productor) que una banda puede encontrar nuevas definiciones, sin importar cuánto tiempo lleven en el negocio. Y en este caso, los esfuerzos han culminado en un disco que vendría a ser algo así como el primo hermano de “El Camino” (2011) de The Black Keys, donde el garage, el blues y el punk se amalgaman de manera precisa.

“Head In The Dirt” da inicio al disco, con un El Khatib desafiante, que se mueve entre una simple pero efectiva línea de bajo, donde las guitarras se retrotraen para dar paso a coros armónicos que se yuxtaponen a una letra oscura e inquieta. El tempo es pausado y cuidadoso, creando una tremenda oposición con la frenética “Family”, que golpea con un garage-rock que, en menos de dos minutos y medio, dosifica suficiente adrenalina como para dejar satisfecho al oyente por lo que queda de disco. Esta apuesta se hace palpable con la frenada en seco que significa “Skinny Little Girl” y “Penny”, las cuales forman una dupla algo dispareja en cuanto a su calidad, donde la calidez y ternura de la segunda termina opacando a la monotonía de la primera.

HANNI EL KHATIB 02“Nobody Move” quema las naves con un riff adictivo y un ritmo oscilante, donde Auerbach y El Khatib demuestran que la velocidad y la dureza son también patrimonios suyos. “Pay No Mind” mantiene esa misma impronta, pero con una mentalidad mucho mas juvenil (y quizás inmadura), que puede parecer extraña saliendo de este artista, pero que en definitiva logra cautivar gracias a un pegajoso coro y a un break que pareciera ser sacado del manual de Jack White.

Definir a este disco y a su autor simplemente como “rocanrolero garage” no terminaría haciéndole justicia a ninguno de los dos, y la verdad es que es difícil encontrar artistas reconocidos que transiten por la misma vereda que El Khatib. Posee a ratos la locura de The Mooney Suzuki, la crudeza de The Hellacopters, la oscuridad de The White Stripes, o el minimalismo de The Black Keys. Un amasijo que no hace más que reforzar la idea de que El Khatib es un artista complejo, pero a la vez, simple en cuanto a su entendimiento y ejecución. La solución quizás sea el darle una oportunidad a “Head In The Dirt”, ya que a fin de cuentas será nada más ni nada menos que un buen disco de rock & roll, que no posee pretensiones demasiado osadas. Otras consideraciones no harían más que complicar su disfrute.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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