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If I Can't Have Love, I Want Power If I Can't Have Love, I Want Power

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Halsey – “If I Can’t Have Love, I Want Power”

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Es imposible no cruzar la situación mundial con cada disco que aparece en las plataformas de streaming y ver si las angustias, nudos, indignaciones y debilidades aparecen en el sonido, en las letras, en alguna parte; ver si las emociones de los individuos también llegan a ser las del arte. En general lo han sido, y por ello el último par de años, contra todo pronóstico, ha entregado consistencia de múltiples orígenes, pero pocos artistas se plantean de forma tan honesta ante las vulnerabilidades como Halsey, y si su apertura prepandémica en el implacable “Manic” (2020) ya removía cimientos, era una aventura morbosa, pero innegable ver cómo la letrista más clara en el pop iba a enfrentar este contexto.

Lo primero que se nota es que el pop ya le quedó chico, con su definición artística abriéndose al rock, la electrónica y lo industrial en su cuarto álbum, “If I Can’t Have Love, I Want Power”, donde, pese al gran sonido que se alcanza, son las canciones y lo que estas cuentan lo que más brilla. Sí, es un disco producido y coescrito con la dupla maravilla de soundtracks y Nine Inch Nails, Trent Reznor y Atticus Ross, pero como el propio autor de “Broken” dijo, las canciones ya venían con todos estos elementos impresos desde los primeros demos de Halsey, quien se enfrentó al síndrome del impostor e hizo el disco que siempre quiso hacer.

Paseándose entre pop de cámara (“The Tradition”), pop industrial (“Bells In Santa Fe”), rock alternativo (“Easier Than Lying”) y un trip hop seductor (“Lilith”), Halsey ocupa menos de 15 minutos en instalar un camino que, más que tomarse un sonido, lo utiliza al servicio de los temas que canta, entre el terror y la atracción a los desastres que pasan en la vida, a las malas decisiones, a la falta de seguridad en sí misma. Halsey siempre ha hablado de estos temas, pero hábilmente da un paso atrás en el nivel de transparencia y detalle. Si en álbumes anteriores regalaba detalles que convertían las emociones en situaciones específicas para sí, ahora las canciones son más universales, más generales, sin abandonar el filo de la verdad con la que están escritas. “Girl Is A Gun” o “I Am Not A Woman, I’m A God” no son sólo los tracks más probables como singles del disco, sino que también muestran cómo Halsey no abandona la precisión en su composición sólo por usar sentimientos generales.

“If I Can’t Have Love, I Want Power” fue definido por su creadora como una muestra de las sensaciones que su embarazo y la posición de lo femenino como algo digno de subvertir o de interpelar, pero esto no es tan logrado en las canciones, como sí lo es probablemente en la película que acompaña a este lanzamiento (lamentablemente, no disponible en Chile). Lo que sí se logra es entregar esas sensaciones en constante choque, que tan familiares resultan en un contexto crudo como es el de una pandemia que sigue extendiéndose. Halsey, de todas maneras, también logra otra revolución: volverse artista inclasificable, eligiendo referencias del rock, e incluso colaboraciones desde ese mundo, como Dave Grohl en la intensa “Honey”, Lindsey Buckingham en la preciosa “Darling”, Dave Sitek en la garbagesca “You Asked For This”, y Dino Palladino con un bajo lleno de groove en “Lilith”.

Lo que brilla en un álbum preciso, universal, potente, feminista, aunque también desde la individualidad innegable de los encierros y las reflexiones, es la forma en que Halsey escarba en las emociones. En “If I Can’t Have Love, I Want Power” encontramos parte de las canciones que mejor describen la confusión de estos tiempos, en clave pop, en clave rock, y en la que quiera, porque demuestra en su cuarto capítulo que no hay elemento más importante que la composición y la honestidad de hacer lo necesario para evitar encierros. De esos, ya tenemos suficientes.


If I Can't Have Love, I Want PowerArtista: Halsey

Disco: If I Can’t Have Love, I Want Power

Duración: 42:52

Año: 2021

Sello: Capitol


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The Mars Volta – “The Mars Volta”

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The Mars Volta

Difícilmente exista banda que lo haya inventado o interpretado todo, pero es complejo poder renovarse cuando prácticamente se ha abarcado todo lo permitido dentro de las posibilidades. Ese dilema es algo que, tarde o temprano, termina aquejando a las mentes maestras del progresivo, y si Steven Wilson ha sido capaz de cambiar su orientación sonora en su material solista al diferenciarse de Porcupine Tree, Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala han hecho lo mismo para no mancillar la etiqueta de rock progresivo de The Mars Volta al adentrarse en otros sonidos con proyectos como At The Dive-In, De Facto, Antemasque, Kimono Kult, Bosnian Rainbows y un sinfín de agrupaciones. Ahora, ambos músicos deciden renovar el sonido de un nombre tan querido como este, al romper cualquier parámetro preestablecido de su fórmula y hacer algo que se diferencie considerablemente de lo ofrecido hasta ahora.

Unos cuantos adelantos bastaron para alegrar a los fans respecto al regreso de The Mars Volta, pero no así para generar muchas expectativas ante su eventual nuevo disco de estudio. La última placa del conjunto hace ya una década, “Noctourniquet”, cumplió correctamente con los estándares esperables para un disco de la dupla Rodríguez-López y Bixler-Zavala, pero se alejó de ser una de las obras más recordadas de un proyecto cuyo catálogo ha entregado joyas sonoras y creativas. Incluso en un terreno tan extenso como el progresivo, la banda ya había abarcado bastante entre las múltiples opciones posibles, por lo que este regreso discográfico da en el clavo al adentrarse en algo que, hasta ahora, no habían explorado del todo: su propia versión del pop, como asegura la banda a la hora de etiquetar las radiales y estructuralmente accesibles melodías que ofrece este trabajo homónimo.

Es curioso que, siendo su séptimo álbum, recién sea el primero titulado sencillamente con el nombre de la agrupación, pero esa decisión se justifica al desentramar lo que refleja el disco, exponiendo un ejercicio de cómo The Mars Volta es una entidad que deconstruye, analiza y reestructura los cánones de diferentes géneros para ofrecer una versión de ellos con un giro de tuerca propio, ya sea en la intensa “Graveyard Love” o las reminiscencias latinas que ofrecen tracks como “Blacklight Shine” o “Que Dios Te Maldiga Mi Corazón”, cantada en español e inglés con una sutileza propia de la voz de Cedric, capaz de invocar una fuerza interpretativa que deambula entre distintos conceptos y metáforas, muchas veces de una explicación más compleja que la necesaria, como todo brillante trabajo abstracto. Aunque las letras sean mucho menos crípticas que de costumbre, el misterio de las oraciones recitadas casi como mantras repercute perfectamente en la impecable sección instrumental del disco.

De igual forma, esa propia versión del pop que menciona el dúo es algo que no termina de cuajar en algo derechamente mainstream, y esto se debe principalmente a la influencia de artistas como David Bowie o Peter Gabriel que han citado para este trabajo, centrándose en la capacidad que ambos tienen de crear un área gris en donde se mantengan en una posición al filo de la orientación más popular, pero con los elementos viejos de su etapa progresiva siempre ahí. “Shore Story” es, por ejemplo, una composición que perfectamente puede sonar en una radioemisora junto a artistas de música más alternativa, como Beach House, The xx o el icónico proyecto Bosnian Rainbows del propio Omar, mientras que “Cerulea” podría ser el track de descanso dentro de toda la intensidad contenida en un álbum de At The Drive-In. Y si bien no es una inspiración directa, el rock alternativo moderno se puede escuchar en canciones como “Flash Burns From Flashbacks” o “No Case Gain”, donde la elegancia de The Mars Volta evita que caigan en cualquier tipo de cliché o parodia. Finalmente, ejemplos como “Palm Full Of Crux”, “Equus 3” o el cierre con “Collapsible Shoulders” y “The Requisition”, evidencian algo concreto: la banda es capaz de refrescarse sin tomar prestado de manera excesiva.

Como todo buen disco de progresivo, la séptima placa de The Mars Volta es un trabajo de cocción lenta y una digestión incluso más pausada, debido a que los más reacios a salirse de la fórmula de guitarras, batería y cambios de ritmo a toda velocidad les costará enganchar con un trabajo que no transita entre la calma y la tempestad, sino que entre la intensidad y la elegancia de la interpretación, dando como resultado un sonido más aterrizado y robusto, sin exponer muchas fracturas en el camino. La fuerza creativa del dúo está más desatada que nunca y, aunque esos elementos comunes que se encuentran en todos sus proyectos siguen inevitablemente ahí, sí se desmarca por una serie de factores como un disco de The Mars Volta, donde la mejor forma en que la banda comprueba su identidad es en demostrar su inigualable manera de interpretar.


The Mars VoltaArtista: The Mars Volta

Disco: The Mars Volta

Duración: 44:45

Año: 2022

Sello: Clouds Hill


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