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The Battle At Garden’s Gate The Battle At Garden’s Gate

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Greta Van Fleet – “The Battle At Garden’s Gate”

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Todo lo que rodeó la elaboración, grabación y lanzamiento del segundo disco de Greta Van Fleet, es digno de atesorarse en una cápsula del tiempo. Desde una inédita pandemia global, que marcó el pulso creativo de la placa, hasta una cuidada apuesta publicitaria en redes sociales, son prueba de que “The Batlle At Garden’s Gate” es un disco nacido en la experiencia límite de la segunda década siglo XXI, de eso no hay dudas. Greta Van Fleet ha optado en este trabajo por mostrar que la música se crea nutriéndose y bebiendo de múltiples fuentes de inspiración. En más de una hora de música y con 12 canciones de diversa factura, la banda se propone mostrar trazos de madurez y complicidad como conjunto y, en consecuencia, “The Battle At Garden’s Gate” consolida tendencias compositivas y sonoras ya mostradas en sus anteriores discos, pero que alcanzan y se abren hacia nuevos límites, con las letras fluyendo y transitando naturalmente entre temáticas actuales relacionadas a la modernidad y los sentimientos humanos, con un marcado sentido poético.

La templanza y el caos sonoro inaugural de “Heat Above” utiliza fórmulas conocidas y explotadas por los de Michigan. Quizás todavía la canción inicial esté anclada a reminiscencias del rock clásico de los 70, sin embargo, el modo de ejecutar y hacer entrar en escena a las guitarras acústicas y eléctricas, al órgano y a la batería, sean una demostración de que aquí hay algo más que encontrar. “My Way, Soon” fue parte de los singles promocionales, destacando un riff profundo y envolvente, tras una voz rasposa que esconde un coro que grita hacia la libertad de hacer las cosas “a mi manera”.

En “Broken Bells” se muestran pincelazos de intensidades sonoras que suben y bajan, y que van y vienen. En este sentido, es una composición que transita por diversos momentos intentando llevar la ejecución instrumental a cierto clímax, logrando el propósito y, de paso, comprobando el dominio que cada miembro tiene sobre su parte en la interacción sonora. “Built By Nations” y “Age Of Machine” pueden considerarse como las composiciones más zeppelianas de la placa, sin embargo, cada una, desde sus propios atributos, abren y exploran nuevos caminos de creación y expresión musical. Riff con identidad, psicodelia anclada a virtuosismo y dos tremendos himnos en el coro que exponen con crudeza la naturaleza humana: la vida dentro de los “Estado – Nación” y la relación de dependencia con las transformaciones de la tecnología. Sencillamente, dos momentos épicos dentro de “The Battle At Garden’s Gate”.

En “Tears Of Rain” nos aproximamos a una cuidada balada con tintes pop, una composición melódica y con una instrumentación coherente con su mensaje, que se interroga a sí misma sobre quién podrá traer de vuelta la lluvia a esta tierra desolada y vacía. Con “Stardust Chords” se abre camino nuevamente a recorridos sonoros cargados de épica guitarrera de la mejor cepa de los 70, con algunas pequeñas referencias al virtuosismo de The Who. En “Light My Love” se retorna a la calma desde el sonido y la estética folk que propone la canción, pero no desde la amplitud y particularidad vocal de Joshua Kiszka. “Caravel” aspira a crear una identidad sonora a través de la ejecución repetitiva de un riff y una base rítmica que sea fácilmente recordable; ciertamente la influencia de Rush se deja sentir en toda su inmensidad.

“The Barbarians” se trata de una pesada composición al estilo “Guitar Hero”, salpicada de reminiscencias a las fuentes del hard rock, pero con agregados de identidad sonora propios de una banda del siglo XXI. “Trip The Light Fantastic” logra unir retazos del pasado de la banda, en la que conviven libremente coros, momentos melódicos y estallidos de intensidad y ritmo. Con cerca de nueva minutos de duración, “The Weight Of Dreams” es el epílogo de este viaje, canción que exterioriza una extravagante energía y que termina por confirmar, tanto el virtuosismo instrumental de Greta Van Fleet, como la referencia a las raíces del rock reinterpretadas en clave moderna.

Con “The Battle At Garden’s Gate”, Greta Van Fleet se abre a la exploración de nuevos rumbos en el campo del rock; es un disco que tiene innumerables cualidades, adecuados momentos y cuidadas elaboraciones compositivas y sonoras, que hacen viajar por sonoridades clásicas, pero también por composiciones que buscan despegarse de las poco saludables etiquetas adheridas que se le han puesto la banda. Creación, mensajes y esperanza están en el ADN del disco.


Artista: Greta Van Fleet

Disco: The Battle At Garden’s Gate

Duración: 63:33

Año: 2021

Sello: Lava / Republic


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MARINA – “Ancient Dreams In A Modern Land”

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Ancient Dreams In A Modern Land

Dentro de la variada gama del pop alternativo que surgió en la década pasada, la carrera de Marina Diamandis es una de las más curiosas. Incluso entre sus contemporáneas, como Florence Welch o Lana Del Rey, la cantante siempre pareció una outsider de la escena, sin embargo, en “Ancient Dreams In A Modern Land”, su quinto álbum de estudio, parece ser la primera vez en años que lo acepta y deja de intentar encajar. Cualquiera que haya escuchado “Love + Fear” (2019) sabe que su carrera estaba en un punto complejo, no porque el álbum fuera completamente descartable, sino que por presentar una versión diluida de la artista. Pero basta con escuchar los primeros segundos del tema homónimo de esta nueva pieza para sentirse más tranquilo con lo que se viene.

“Ancient Dreams In A Modern Land” comienza con la que es fácil una de sus canciones más satisfactorias a la fecha, un tema pop con guiños a Britney Spears y Blondie, donde cinemáticas guitarras –propias de un himno ochentero– acompañan sus siempre expresivas vocales, sonando como una continuación directa del sonido que se exploró en “Froot” (2015), pero aumentando aun más el nivel. Líricamente, plantea el tema sociopolítico que tendrá el álbum, así como también su introspectiva mirada a quién es como artista Afortunadamente, las siguientes dos canciones son tan triunfales como el inicio.

“Venus Fly Trap” continúa celebrando su autenticidad, negándose a cumplir las expectativas de la feminidad y seguir su propia ferocidad como una planta carnívora. Esto se acompaña de un instrumental que finalmente le hace justicia a su personalidad y lírica, fuertes guitarras distorsionadas y una euforia que parece no detenerse para todo un viaje sonoro. “Man’s World” demuestra la mejor habilidad de MARINA: su uso del camp para discutir temas de la contingencia. En este himno sobre la opresión a mujeres y la comunidad LGBTQ+, juega con unas eufóricas guitarras en el segundo verso, sin guardarse nada en la exuberante producción, y con un contenido lírico que rescata aquello que la convirtió en una voz fundamental del pop: cuestionar a personas de poder con ingeniosas metáforas que demuestran su personalidad, e ironizando con los problemas sociales del presente y pasado. Pero no todos los puntos son igual de altos.

Sutil es lo que MARINA menos es en el álbum. “Purge The Poison”, aunque brillante en instrumental, pierde su esencia y parece tomarse demasiado en serio. Referencias a Britney Spears y Harvey Weinstein que se tratan con tan poco tacto, que sacan una pequeña sonrisa incómoda, en especial cuando es un claro guiño a su álbum “The Family Jewels” (2010), que se destaca por su ingenio. Similar es el caso en “New America”, que recalca una crítica múltiples veces usada, incluso en su propia discografía, y con mayor éxito, con canciones como “Hollywood”. Es un interesante momento en la música, donde estrellas como MARINA cuestionan el capitalismo de la industria, pero su ejecución no logra hacer justicia a temas tan delicados como la violencia policial en Estados Unidos y la opresión racial sistemática.

MARINA se recupera con fuerza en las canciones restantes, que van desde golpes sentimentales como “Highly Emotional People”, a himnos de la autoaceptación como “I Love You But I Love Me More”. La paleta sonora es quizás la mas cohesiva de su carrera, donde todo el viaje se siente natural y ninguna canción suena fuera de lugar, especialmente con un final épico como “Goodbye”, que mezcla todas sus eras en una despedida que la encamina a un prometedor futuro.

Pese a sus fallas, “Ancient Dreams In A Modern Land” es una muestra de que MARINA no ha perdido ni un poco de la autenticidad con la que conquistó en sus inicios. Del lado de su mejor trabajo instrumental, su personalidad brilla más que nunca y entrega un sonido y punto de vista necesario en el pop, con una perspectiva que sólo una persona como ella podría ofrecer.


Ancient Dreams In A Modern LandArtista: MARINA

Disco: Ancient Dreams In A Modern Land

Duración: 36:07

Año: 2021

Sello: Atlantic


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