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Gorillaz – “Humanz”

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Fue una noticia esperada por muchos, sobre todo por quienes ya lamentaban a Gorillaz como algo del pasado. Luego de un silencioso receso, el proyecto virtual conformado por Damon Albarn y la ayuda de Jamie Hewlett en el diseño de personajes, regresa con un nuevo trabajo de estudio titulado “Humanz”, el que se suma al amplio catálogo con que ya contaba la banda. Con un gran número de colaboradores, Albarn desarrolla un álbum donde la premisa principal es la contingencia de estos tiempos y el incierto futuro que nos espera, albergándose bajo distintos estilos y sonidos para conseguir una obra llena de variantes. La música de Gorillaz cambia constantemente, por lo que sería normal sentir que este disco podía ser algo no tan parecido a lo hecho anteriormente. Aun así, Albarn y su detallada selección de colaboradores logra transformar y modernizar distintos elementos musicales para adaptarlos al sello Gorillaz que, además de su novedad, mantiene una actitud de rebeldía con un sonido callejero que pareciera provenir directamente desde los extremos más contestarios de la industria.

Desde el comienzo se puede evidenciar el sello un poco más pop y callejero que posee Gorillaz; “Ascension”, con la ayuda de Vince Staples, cumple con una partida en la misma senda que lo visto en “Plastic Beach” (2010), repasando el hip hop en una canción de carácter radial. Es desde ese primer momento en que podemos notar la esencia que el disco pretende implementar, puesto que la diferencia sonora que entrega “Strobelite” gracias a su consistente funk, da cuenta de un álbum con pinta de mixtape, donde cada canción se siente diferente a la anterior y no busca más que capturar buenas composiciones desde diferentes veredas, alzándose por sobre la idea de un concepto sonoro o derechamente una simetría entre sus composiciones. En ese sentido, se entiende cómo Damon Albarn recurrió a los colaboradores de siempre para concretar este regreso discográfico de la banda virtual, tal como De La Soul, que se hace presente en “Momentz”, transformación perfecta del hip hop, traspasado a un concepto más radial y pop que en su génesis original.

Dentro de los tantos interludios que posee el LP, el segundo llama particularmente la atención. En “Interlude: The Non-Conformist Oath” escuchamos cómo la banda cita al comediante Steve Martin, recitando la frase: “¡Prometo ser diferente! ¡Prometo ser único! ¡Prometo no repetir las cosas que la otra gente dice!”, un verdadero manifiesto de lo que es Gorillaz, sin duda alguna. La voz femenina de Kelela se une a Danny Brown en “Submission”, una composición con tintes de electro pop moderno, refrescante y jovial, dando paso a una sección del álbum que se vuelve un poco más futurista, con canciones como “Charger”, “Andromeda” o la bien ejecutada “Carnival”, que cuenta con la voz en clave soul de Anthony Hamilton como un gran valor agregado. A pesar de todos los cambios de estilo y sonido que la banda ha experimentado con los años, el hip hop sigue siendo una premisa general en su música, tal como lo demuestra “Let Me Out”, donde Pusha T y Mavis Staples generan una cohesión narrativa cercana al oyente, un momento que hace sentir de verdad la música, generando un punto alto dentro de la obra, el que si bien decae por algunos tracks, termina volviendo a flote gracias a Kali Uchis en “She’s My Collar”, uno de los últimos números del disco.

Según lo que muchos colaboradores comentaron en entrevistas, una de las peticiones de Albarn a la hora de grabar o componer las canciones de “Humanz” era el imaginar un futuro donde el peor de los escenarios haya ocurrido. Si bien el disco no lo especifica claramente, existen notorias evidencias de que ese catastrófico escenario fue producido por la victoria de Donald Trump en las elecciones de Estados Unidos. Bajo ese contexto, “Hallelujah Money” demuestra muy bien esa desolación, generando una angustia y pesar difícil de expresar con palabras, algo logrado en parte por la vocalización de Benjamin Clementine, cuyo registro afianza muy bien las raíces del gospel y la música negra. Sin duda, una de las canciones más comentadas es “We Got The Power”, que además de contar con la ayuda de Jehnny Beth de Savages en la voz, es la primera vez que Damon Albarn y Noel Gallagher -eternos rivales en los 90- trabajan juntos en un estudio, generando un broche de oro para lo que es el regreso en gloria y majestad de Gorillaz. Con coros pegajosos, una estructura simple y radial, y la participación estelar de Beth, este track funciona correctamente como clímax para “Humanz” como obra integra, omitiendo la inclusión de bonus tracks en las distintas versiones con que cuenta el álbum.

En algo hay que estar claros: no es el mejor trabajo de este proyecto, pero sí un disco con canciones que funcionan muy bien en el catálogo de la banda. Pese a dejar de lado un concepto principal (al menos de manera explícita), “Humanz” gráfica correctamente lo que siempre se puede esperar de Gorillaz: un álbum lleno de matices, colores, estilos y variedades. La gracia es cambiar disco a disco, al menos eso es lo que Albarn busca y que ha encontrado de muy buena manera, y cuando no se le teme a la experimentación y al cambio, se consiguen resultados como este, donde prevalece más la diversidad por sobre el pie forzado que implica establecerse dentro de un estilo determinado. Es por eso que Gorillaz fue concebido de esta manera, a pesar de llevar toda una parafernalia de por medio gracias a sus integrantes virtuales. La música no logra quedar de lado por su calidad, sino más bien consigue establecer un carácter de colectivo artístico pocas veces visto, donde lo más selecto de las distintas escenas musicales consigue encontrar un punto de unión para desarrollarse en plena libertad.

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Hayley Williams – “FLOWERS for VASES / descansos”

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FLOWERS for VASES / descansos

Todos guardamos o conservamos cosas que nos recuerdan a alguna situación o período particular de nuestras vidas. Puede ser algo escrito en un papel, una fotografía, una flor seca, un envoltorio de chocolate, o cualquier cosa que probablemente (y realmente) no tenga ni un tercio del valor sentimental que tuvo en su momento. Sin embargo, cualquier simbolismo propio de esos momentos cobra un sentido totalmente diferente en los “Descansos”, algo así como el equivalente norteamericano a las animitas, pequeños santuarios en las carreteras en donde un sinfín de elementos están posados a modo de memorial en una cruz que permite recordar a los que ya no están. Ahora, tras nueve meses de haber publicado su primer álbum como solista, Hayley Williams crea sus propios “descansos” de momentos pasados a través de 14 canciones que componen “FLOWERS for VASES / descansos”, su segundo larga duración y que ella misma ha descrito como una precuela o “desvío” a su “Petals For Armor” (2020)

Desde la primera canción, “First Thing To Go”, se puede comprender claramente que el sentido artístico de este disco pasa por una expiación y auto revisión más personal que las vivencias narradas en su antecesor, mostrando a Williams en una faceta diferente; igual de personal, pero mucho más cálida y menos catártica. En ese sentido, su evolución como compositora le permite ir adoptando una narrativa más compleja y oscura, donde su papel como contadora de historias se vuelve más serio que en el colorido caos de sus letras en “PFA”, o incluso en su trabajo como la voz de Paramore. “My Limb”, por ejemplo, demuestra también un especial cuidado en el sonido, donde se nota la yuxtaposición de los elementos que ella misma grabó por su cuenta, debido a que cada nota que suena es interpretada por su cuenta sin recurrir a invitados adicionales, transformándolo en una obra que ella misma ha descrito en entrevistas como “su primer álbum completamente en solitario”.

Lo que escuchamos es cómo Williams va uniendo sus influencias, desde Dolly Parton hasta Joni Mitchell, y a partir de “Asystole” notamos cómo se adentra en las veredas del country y el folk, estilos muy arraigados en la cultura de Nashville, ciudad donde Williams reside y se estableció como artista, y que no habían sido explorados del todo hasta este momento. Así, tenemos un disco que toma cada canción como una flor, con su propio color, aroma y forma, las que son colocadas en estos jarrones para la posteridad, representando el transformar esas palabras en una canción que perdurará por siempre. Así vamos notando que en “Over Those Hills” –una de las que más recuerda a Paramore en todo este LP con las estructuras de canciones más pop y menos ruidosas que el trío adoptó en su trabajo homónimo de 2013–, la artista va desarrollando la catarsis de una forma menos exagerada, permitiendo que pueda fundirse sin problemas con una pista como “Wait On”, canción reflexiva donde Williams mantiene la línea continua de este disco, pero sin dejar de lado esa progresión de elementos que va sumando en este proceso de aceptación y crecimiento personal en base al dolor.

Y es así como este trabajo está precisamente lleno de puntos destacables, como “KYRH”, donde el piano se hace más presente, con Williams centrándose en un paisaje instrumental en el que la frase “keep you right here” se repite casi como mantra en su desarrollo, o “HYD”, otra canción en perspectiva, que esta vez reflexiona en esos episodios que, más que destrozar nuestras vidas, permiten un proceso de crecimiento personal. Indudablemente, uno de los puntos más altos de este disco es “Find Me Here”, una canción que ya se pudo oír prematuramente en el EP “Self Serenades” y que increíblemente suena más folk que su versión original, sumando porciones de dobles voces y pequeños detalles que la hacen sonar más cálida e intima que su presentación inicial. Y es que, si bien los referentes están claros, el disco no sólo se remonta a las principales fuentes de inspiración de Williams, ya que también existen reminiscencias modernas a grandes artistas como Julien Baker, Taylor Swift, Phoebe Bridgers, Lucy Dacus, o incluso el trabajo de folk con tintes avant garde que muestra Aldous Harding en sus íntimos y desgarradores álbumes.

“Descansos” es donde más se puede evidenciar la naturaleza de memorial que tiene “FLOWERS for VASES / descansos”, en que esas flores para jarrones y aquellas “animitas” de tiempos pasados pueden convivir en un espacio que se pueda volver a visitar cuando se quiera, mientras que “Just A Lover”, el broche de oro, comienza en la misma tonalidad cálida de sus acompañantes, derivando en un estruendoso coro con algunos de los pocos elementos eléctricos del LP, donde la guitarra y la batería acompañan a una voz, llegando al cierre de esta revisión a aquellos cadáveres del pasado que por fin encuentran su lugar para la posteridad mediante la música, quedando plasmados en la historia de la forma más delicada posible.

El crecimiento personal y creativo de un artista es un proceso que dura prácticamente toda la vida y, a pesar de que Paramore se haya ganado un cuestionado prejuicio en base a sus primeros discos, la naturaleza inspiradora y creativa de Williams ha logrado madurar increíblemente en un proceso de pocos años, mostrando a una compositora e intérprete que comenzó a entregar canciones robustas desde el álbum “Paramore” (2013), “After Laughter” (2017) y su trabajo solista del año pasado, culminando una primera etapa de crecimiento como narradora y compositora en este disco, una obra completamente diferente a su predecesora, pero no por eso menos complementaria. Si “Petals For Armor” fue un trabajo que ya rozaba en lo oscuro con sus letras, su producción más ostentosa no le permitió sobresalir por completo, algo que en “FLOWERS for VASES / descansos” afortunadamente no ocurre, ya que, mediante la idea de que menos es más, la artista logró hacer convivir distintos elementos para plasmarlos en 14 memoriales diferentes, todos bajo el concepto del duelo y la necesidad de aceptar ese pasado como una parte de nuestras vidas que no interfiera en la idea de futuro.


Artista: Hayley Williams

Disco: FLOWERS for VASES / descansos

Duración: 42:30

Año: 2021

Sello: Atlantic


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