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Goldfrapp – “Silver Eye”

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Goldfrapp es de esas agrupaciones que no decepcionan; cada trabajo que entregan siempre va acompañado de un sello que lo hace especial. El dúo conformado por Alison Goldfrapp y Will Gregory deleita con “Silver Eye”, producción que deja entrever su mística con tan solo mirar la portada: una mujer (la misma Alison) con cabello rojo furioso flotando al viento, túnica negra, una rama de árbol cubriendo su rostro y un fondo montañoso que observa caer la noche, es decir, la superposición de la naturaleza y todo lo pagano que la envuelve, al ser humano y sus creencias probables.

La partida de “Silver Eye” es casi una sorpresa, sobre todo luego de observar la portada, ver los clips promocionales e imaginar mil ritos distintos. “Anymore”, escogido como primer single, y “Systemagic”, son los dos tracks que dan el vamos y que tienen la tarea de ejercer una alerta identitaria con respecto al dúo. Recuerdan esa onda disco-synth que Goldfrapp cultivó en discos como “Supernature” (2005) o “Black Cherry” (2003), desconectándose un poco de la dirección sonora que el trabajo sigue desde allí.

A contar de “Tigerman”, la participación como productor de The Haxan Cloak (Bobby Krlic), conocido en la escena industrial, dark ambient y experimental, comienza a hacer sentido. “Silver Eye” se vuelca a la electrónica más dura, logrando un sonido oscuro, con texturas que se alejan de lo bailable. “Become The One” y “Faux Suede Drifter” tienen claros tintes espaciales, logrando hacer de los sintetizadores la voz de lo sideral.

La intensidad minimalista de “Zodiac Black”, uno de los temas más interesantes del disco, se va transformando en un collage sonoro con trazas de dark ambient, a medida que el ritmo experimenta ciertas variaciones. “Beast That Never Was” y “Everything Is Never Enough” retornan un poco a esa faceta más romántica de Goldfrapp, pero sin parecer ajenas al concepto del disco. “Moon On Your Mouth” es casi cinematográfica y bien dreamy, sin duda el paso perfecto para ese torbellino llamado “Ocean”, que tiene como misión cerrar de manera magistral uno de los discos más introspectivos del dúo. El tema es una verdadera joya en dramatismo, e ilustra de increíblemente el poder que se origina en la tormenta y cómo este se manifiesta en los ambientes y en las personas.

Un trabajo que, con solo diez temas, indiscutiblemente sorprende, pues la manera en la que el dúo pudo manejar los giros sonoros drásticos con respecto a álbumes anteriores fue bien ejecutada, haciendo de “Silver Eye” un trabajo que resume un concepto bastante abstracto y que no quedó cojeando al momento de trasladarlo a un plano sónico.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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