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Gojira – “Magma”

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El arte trascedente es aquel que no sólo cumple los estándares técnicos de su labor –con simpleza o complejidad–, sino que también es un vívido retrato de la época en que se realiza, siendo un testimonio de los sucesos temporales en los cuales se creó. Las obras relevantes nos permiten ver tiempos pretéritos, evocar vivencias pasadas o elucubrar sobre las características del pasado y sus principales definiciones. En esto nada ni nadie queda ajeno. Todos los artistas son en alguna medida protagonistas de su tiempo, pero la diferencia entre unos y otros –aquello que comúnmente llamamos “originalidad”–, estriba en la capacidad de reverberar en el futuro la experiencia de aquel pasado.

GOJIRA 01Así las cosas, en el metal, cuando hablamos de los setenta viene a la mente el oscurantismo de Black Sabbath, los ochenta el thrash de Metallica, y en los noventa –última época en que se creó algo original a juicio de este redactor– la rebeldía filosa de Pantera. Estas bandas supieron encapsular su circunstancia y, de aquella nada, crear algo totalmente nuevo, sin perjuicio de las evidentes inspiraciones. Los años dos mil estaban deprimidos, mucha búsqueda en el éter u ortodoxia pasada a naftalina de los ochenta con mejor producción, lo que llevó a decir a grandes como Glenn Simmons que el rock (o, en este caso, el metal) estaba muerto. Algo de eso existía, hasta hoy, en donde Gojira edita el álbum que quizás sea el retrato de toda una generación: “Magma”.

Y es que a lo largo de sus casi 44 minutos de duración, la banda de los hermanos Joe y Mario Duplantier, Christian Andreu y Jean-Michel Labadie, a través de la música forja una pintura de lo que es nuestro tiempo. Volátil como “Shooting Star”, complejo y efectivo como “The Cell”, psicodélico como “Low Lands”, directos como “Strander” o “Silvera”, rutilantes como “Only Pain”. Lo cierto es que somos hijos de una época atrapada entre un pasado de grandes definiciones y traumas, y un futuro que aparecerá dominado por la técnica y la constante deshumanización. “Magma” atrapa ese sentir y lo fija para la posteridad, así como en su oportunidad el thrash condensó la apatía y la violencia de un ciclo que moría y se resistía a hacerlo.

GOJIRA 02Hoy las fronteras entre la verdad y la mentira han desaparecido. Lo seguro es tan equívoco como lo inseguro, y la bondad es tan espuria como el peor de los males. En el plano musical, “Magma” es metal y su antítesis. Centrado en los cánones convencionales de la música pesada con sus grandes distorsiones y tan ajena como una letanía gregoriana. Gojira ha provocado un testimonio de estos años porque se ha liberado de los conceptos que los catalogaban como “metal progresivo”, “heavy metal”, “death metal”, entre otras etiquetas. Eso no importa ya. Así como tampoco importarán aquellos decepcionados de no tener un “L’Enfant Sauvage, parte 2”. El artista se debe a sí mismo y a eso responden los franceses. La prueba de esto es cómo termina el disco con “Liberation”, un tema que en cualquier otro LP de cualquier otra banda, sería un interludio, una antesala a los riffs pesados, o bien, un breve descanso para seguir con el machaque del doble bombo. Pero acá no. Cuando el oyente esperaba un remate de esa naturaleza luego de la experiencia espiritual de “Low Hands”, los bayoneses se desamarran de lo esperado, de la normalidad.

Este disco es un ejercicio de dialéctica musical. No es experimentación en el sentido concreto de la palabra, pues acá no se está aplicando un nuevo método a la música de Gojira, sino que es algo realmente nuevo, que no existía. Por eso, es arte trascendental y como tal; para todos aquellos que la música es algo importante y no la moda, o lo que suena mientras va a trabajar, marcará algo. En tal sentido, y como la gente quiere certezas, “Magma” será incomprendido por muchos, incluso vilipendiado, pero aquello es natural y sin importancia, pues ya cumplió su cometido: ser un testimonio del metal para la posteridad de esta época minimalista, tal y como sus diez temas.

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Orville Peck – “Bronco”

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Bronco

Desde su aparición con “Pony” (2019), la misteriosa imagen de Orville Peck colmó las miradas de medios y fanáticos, y no precisamente por su sonido. Era su misteriosa imagen, la de vaquero incógnito, un llanero solitario tatuado y de flecos, lo que más llamó la atención, volcando ese interés hacia el contenido de su debut a través de Sub Pop. De voz grave y profunda, Orville Peck trazó nuevas líneas para el country y, lejos de la experimentación, hacia el lado más alternativo, se apropió de códigos propios del estilo y se insertó como uno más en el panorama.

Pareciera ser que la carrera de Orville Peck llevara años y una vasta trayectoria, pero su estantería no acumula más de dos lanzamientos. Tras una serie de singles y EP’s, el músico con base en Canadá regresa ahora en un sello grande: “Bronco”. El álbum, mucho más completo y maduro que su antecesor, muestra temáticas propias del country con un claro énfasis en la fragilidad y los sentimientos, además, es riquísima la textura de su voz de crooner y los arreglos de slide en guitarras, banjos y otros. Sin embargo, el primer track, “Daytona Sand”, dice lo contrario con su galopante inicio y arreglos, más propios de bandas de rock con trazos de country. Seguramente el espíritu alternativo de Peck se hizo realidad en lo que sería su primer lanzamiento a través de Columbia.

¿Qué más ofrece Peck a lo largo de “Bronco”? Posiblemente una mejor versión de su trabajo vocal, más rango y, sobre todo, más profundidad. El álbum, en ese sentido, es muy dinámico y completo y también más accesible y oreja, donde abundan canciones de marcada tendencia pop, como “Lafayette”, y también baladas como “The Curse Of The Blackened Eye” o “Iris Rose”, alcanzando todos los niveles que el género puede probar. “Bronco” es un disco extenso, de 15 canciones y una gran variedad de sonidos, y el denominador común es la experiencia de la voz de Peck que se cuela con pasión entre percusiones, arreglos de cuerda (“Let Me Drown”) y letras que reflejan la fragilidad de la soledad, beber y más.

No sirve ni viene al caso teorizar, buscar o desvelar la identidad de Orville Peck ni su pasado musical, su imagen y propuesta sólo gana manteniendo su figura incógnita y, además, apropiándose del imaginario sureño de los cowboys. Todo esto, que además tuvo un renacer de la mano de artistas como Lil Nas X y su hit “Old Town Road” junto a Billy Ray Cyrus, o la propia imagen de Diplo, quien llevó precisamente a Orville Peck a la ceremonia de los Grammy donde los vaqueros se robaron la película y los flashs, reafirma la idea de retomar y torcer los heteronormativos códigos de la imagen dura de los vaqueros, y Peck, en ese sentido, se convirtió en una figura más que atractiva gracias a su estilo. Si hasta hizo un dueto con Shania Twain.

Seguramente, para muchos “Bronco” sea el primer acercamiento hacia Orville Peck y es una decisión acertada: el álbum es más que accesible, complejo dentro de su rango y muy agradable. Más allá de su alter ego y el cuidado trabajo visual sobre su no-identidad, Peck asoma como más que una construcción, más que un simple personaje y podrá posicionarse como un artista de country fresco y ruidoso.


BroncoArtista: Orville Peck

Disco: Bronco

Duración: 53:40

Año: 2022

Sello: Columbia / Sub Pop


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