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Ghost Tapes #10 Ghost Tapes #10

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God Is An Astronaut – “Ghost Tapes #10”

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En la Guerra de Vietnam, EE.UU. utilizó una campaña de terror psicológico llamada Operación Alma Errante (Operation Wandering Soul), consistente en reproducir por grandes parlantes sonidos espeluznantes, entre rituales funerarios budistas y voces reverberadas, para causar un efecto de desolación y bancarrota moral hacia los vietnamitas, quienes tenían arraigada la creencia de que las ánimas de las personas que no han sido enterradas en su lugar de nacimiento estarán bajo la condena de errar sin rumbo por la eternidad. Una de las cintas de aquella operación es la “Ghost Tape Number Ten”, la que comparte nombre del décimo álbum del cuarteto irlandés de post rock God Is An Astronaut, “Ghost Tapes #10”, publicado por Napalm Records, resultando menos invasivo espiritualmente, pero que también exhibe tintes de introspección instrumental.

La agrupación lleva dos décadas entregando material cercano al rock experimental, sin uso de vocales o elementos líricos en sus canciones, dejando ver bases que se acercan incluso al krautrock. Básicamente, la banda se compone de los gemelos Niels y Torsten Kinsella, quienes se ocupan del bajo y la guitarra, respectivamente, aparte de encargarse también de la estética visual de sus presentaciones en vivo con clips específicos para cada canción. En la batería está Lloyd Hanney y, completando la banda, Jamie Dean, apoyando desde los teclados, los sintetizadores y la segunda guitarra para dar esa aura espacial y fantasmagórica a sus discos. En sí, una condición sine qua non que permite que God Is An Astronaut se mantenga activo y a la vanguardia del post rock europeo.

Los siete temas que componen “Ghost Tapes #10” tienen el hilo conductor de establecer sonidos y efectos fantasmales, tanto en su base rítmica como también en la ejecución de cada instrumento. En “Adrift”, por citar un ejemplo, la distorsión de las guitarras y los sintetizadores van haciendo que el tema escale hasta encontrar un punto de inflexión en la mitad, donde aparece un piano para dar una sensación de ausencia, propiciada también por los pavorosos samples que aparecerán más tarde en “In Flux”. A su vez, el bajo en temas como “Burial” y “Fade” vibra de manera hipnótica, haciendo que la atención se enfoque en el ritmo que la batería sigue sincopadamente. En “Barren Trees” se sostienen por sobre una base electrónica, donde los sintetizadores van marcando pauta y, para concluir, “Luminous Waves” indica el fin de “Ghost Tapes #10” de manera más calma, con un cello y una guitarra acústica que resplandecen por su carácter melancólico.

Dentro de los aspectos artísticos de la décima placa de los irlandeses, no deja de ser importante la entrega visual para entender un poco hacia dónde va direccionado este trabajo. Con tres videoclips grabados en blanco y negro, la intención de esta obra artística es meditar acerca de lo fútil que es la existencia humana, aun cuando pareciera lo contrario. Así, nos encontramos a la deriva, estériles, ante las inclemencias de las guerras, pandemias, y mucho más. El arte de la portada, hecho por David Rooney, refleja justamente aquella fragilidad, con tres aviones apuntando directamente al suelo mientras se desintegran en el aire. Una visión terrorífica, que nos recuerda que somos como fantasmas vagando sin rumbo ante la inmensidad y caos de un universo descontrolado.

En resumidas cuentas, las siete “cintas” de “Ghost Tapes #10” dejan en manifiesto que, por más que tratemos de dominar la existencia de cada individuo, siempre está esa posibilidad de que se pierda el rumbo y termine errando como un espectro. God Is An Astronaut canaliza el sentimiento de pérdida a través de su post rock endógeno, visualmente minimalista, dentro de un momento histórico donde la confianza en la religión y en los gobiernos parece irreconciliable.


Ghost Tapes #10Artista: God Is An Astronaut

Disco: Ghost Tapes #10

Duración: 37:19

Año: 2021

Sello: Napalm Records


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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