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Garbage – Not Your Kind Of People

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Los regresos de grupos trascendentes están llenos de expectativas. El romanticismo de nuestra relación con esos recuerdos, llega a idealizar profundamente a propuestas que más que por su calidad, destacaban por lo que eran capaces de desencadenar en nosotros. Por eso, tantos regresos han pasado sin pena ni gloria, y los discos “nuevos” llegan a ser mediocres esfuerzos de grandes bandas. Y la expectativa mata la añoranza. ¿Pero qué pasa cuando pareciera que el tiempo se detuvo y nada cambió tanto como creíamos? Fácil: la esencia perdura por sobre las dudas y el quinto álbum de Garbage, “Not Your Kind Of People”, es más de lo mismo, pero bien hecho, con actitud y sencillez.

No es el mejor álbum de la banda, ni tampoco se ve que pueda tener el potencial comercial que tuvieron éxitos como “I Think I’m Paranoid” o “Only Happy When It Rains”. Tampoco van a cambiar o revitalizar el rumbo de la música, como fue en el tiempo de aparición a mediados de los 90s, justo cuando el mundo buscaba cómo “subir el ánimo” que no legó el grunge.

“Not Your Kind Of People” exuda ese espíritu desprejuiciado y dual que bien encarna la escocesa Shirley Manson, siempre entre la rudeza y la fragilidad, además de mostrar algunas directrices del modelo 2012 de la banda de Wisconsin.

Uno se podría dejar engañar por el mediocre inicio con el pop con visos de punk y electrónica “punchi-punchi” de “Automatic Systematic Habit”, canción que logra ser pegajosa, pero que no logra ir más allá, siendo superficial y carente de coherencia con el resto del registro. Un buen single sin oportunidades de trascender más allá de un gancho.

Pareciera que el disco partiera en serio con “Big Bright World”, definible como un track que delimita la esencia de la banda, corriendo las fronteras del pop a los rincones más oscuros posibles, y ahí jugar con la agilidad de la propuesta musical, junto a una letra romántica y atractiva, tendencia que se da también en “Blood For Poppies” o en “Felt”.

Más maduras suenan “Control” o “Sugar”, que desde sonidos sutiles logran crear atmósferas llenas de sangre, dolor y ternura, al revés de la superficialidad del track inicial, “I Hate Love” o de “Man On A Wire”, esta última, por lo menos tiene buena melodía y potencia genuina.

Sonidos más reflexivos se muestran con el track final, “Beloved Freak”, declaración de principios de los desechados, de los incomprendidos a los que la banda habló desde sus comienzos, casi como la continuación de una historia que lleva casi 20 años. Si incluso se atreven a incluir un cameo de la clásica canción góspel, “This Little Light Of Mine” de gran forma.

Pero los dos mejores tracks del álbum son los más extremos. “Battle In Me” es el estilo Garbage en su más pura expresión, utilizando sonidos electrónicos, intensos y coherentes, junto con guitarras afiladas y en su punto justo, con una Shirley Manson en uso de sus cualidades. Una joya de single, en clave Garbage, donde la capacidad de Butch Vig como productor denota arrojo y calidad.

El otro desliz es el track que le da nombre al disco, una composición compleja, sin obviedades, lejos de lo que la banda hace usualmente y que a muchos críticos les ha parecido una pérdida de tiempo, y a otros les parece una canción de cuna. Ni lo uno ni lo otro, simplemente hay un groove diferente, cercano a la balada y al dream-pop, lo que puede ser una buena noticia para algunos, y pésima para otros que ven en Garbage nada más que los precursores del pop-rock alternativo o del post-grunge.

La propia Shirley Manson suena diferente, más clara, directa y sin recurrir a forzosos recursos vocales para lograr transmitir emociones. Un acierto de Vig.

“Not Your Kind Of People” no es ni más ni menos que el quinto álbum de Garbage, con todo lo que ello conlleva. Es un retorno después de un hiato prolongado, lo que se nota en la empatía incompleta de “Blood For Poppies” o la olvidable “I Hate Love”, y esto no lo hace ser mejor o peor.

En el track que le da el nombre al LP, Manson canta “somos personas extraordinarias”, y en un mundo donde la reinvención desastrosa llega a niveles extremos, la mantención de las raíces de la propia identidad ya es algo extraordinario, y si bien no es de lo más granado, este lanzamiento logra configurarse como un imperdible del primer semestre de este año.

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Waxahatchee – “Saint Cloud”

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Saint Cloud

Poniendo a descansar las melodías rockeras de su último álbum, “Out In The Storm” (2017), Katie Crutchfield se arma de los elementos característicos del folk y americana para enfrentarse a su etapa más vulnerable. Con un acercamiento más cálido e íntimo, “Saint Cloud” se presenta como un clásico contemporáneo del género. A través de su carrera, Crutchfield ha sido capaz de moldear el sonido de sus guitarras para representar las emociones detrás de sus canciones. Desde sus composiciones lo-fi (American Weekend”, 2012), pasando a un rock más pulido (“Out In The Storm”), hasta llegar a su disco más country, donde las melodías son tan dulces como confrontacionales.

“Oxbow”, la pieza inicial, es una vulnerable y altisonante apertura, un juego entre géneros musicales que deja al oyente adivinando qué es lo que se avecina. Líricamente, retrata el primer paso del viaje de sobriedad de la cantante, capturando los temas de adicción y codependencia en un esperanzador estribillo. “Can’t Do Much” aclara de mejor manera la gama sonora que presentará el disco, donde la voz y las cuerdas presentan los elementos característicos del americana. Si bien, en el corazón de sus discos el folk siempre ha estado presente, es en sencillos como este donde queda claro que aquí abraza el género completamente.

Sin embargo, el espíritu del americana no se encuentra sólo en las melodías del álbum, ya que este está construido como un mapa de los lugares que inspiraron cada canción presente. Algunos de estos son claros, como “Ruby Falls”, una cascada en la ciudad donde reside su gemela; un oscuro y acústico corte sobre la adicción a los opioides y sus efectos, siendo un ejemplo del combate temático y sonoro presente en el disco, entre lo esperanzador y lo descorazonador. “Arkadelphia” –una carretera en su natal Alabama– es una visita a su adolescencia, donde las cuerdas logran trazar una nostálgica melodía que ayuda a adentrarse en el flashback que relata. Y es que los espacios y la significancia de estos siempre han sido relevantes en el proyecto, desde su mismo nombre, Waxahatchee, un arroyo en su ciudad nativa, y Crutchfield siempre ha llevado sus orígenes en ella.

Los sencillos que se desprenden de “Saint Cloud” son algunas de las piezas mejor logradas de su carrera. “Fire” es un himno de autoaceptación; un diálogo interno donde cada palabra es de aliento para sí misma y para cualquiera batallando una adicción. Sin dejar jamás el espíritu country, es el acercamiento más prominente a una canción rock, con una pegajosa melodía que es alentadora como conmovedora. “Si pudiera amarte incondicionalmente, podría planchar los bordes del cielo más oscuro, para una compositora que temía escribir estando sobria, estas son algunas de sus líricas más importantes. “Lilacs” es un confesionario corte donde la artista lamenta la dependencia de un otro, un clásico atemporal donde las cuerdas y su voz muestran el progreso después de todos estos años, donde ya no tiene miedo de llenar cada espacio en el que se presenta.

Waxahatchee lleva sus influencias en la manga, asegurándose de no sonar como un tributo y logrando sacar una sonrisa al recordar un sonido que ha traspasado las barreras del tiempo. Reminiscente es el falsete presente en “Can’t Do Much” o “Lilacs”, que por un segundo emocionan al pensar en Joni Mitchell o las melodías presentes en “Hell” o “War”, que de seguro serían aprobadas por Bob Dylan. En un género con tantos clásicos como lo es el folk, la cantautora no se queda en el pasado, sino que lo estudia para su presente.

El track final, “St. Cloud”, inspirado en la ciudad donde nació y creció su padre, es una delicada pieza acústica con una desnuda interpretación vocal, dándole cierre al recorrido por las ciudades que conforman su trayectoria. Pero no sólo los lugares, sino que las personas presentes en estos: su hermana, sus padres, sus amistades, su versión adolescente e incluso David Berman, quien recibe un tributo a su nombre. Al finalizar, es claro que en “Saint Cloud” Waxahatchee ha presentado su disco más liberador y quizás el más importante de su carrera. Sin grandes decoraciones, ahonda en lo más profundo de sí misma, visitando los momentos que la hicieron ser quien es mirando hacia un futuro prometedor, con un clásico entre sus brazos.


Artista: Waxahatchee

Disco: Saint Cloud

Duración: 40:06

Año: 2020

Sello: Merge


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