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Foster The People – “Sacred Hearts Club”

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Es innegable que la música está íntimamente relacionada con el baile, la danza o, como suele denominarse técnicamente, la expresión corporal. Ahora bien, la reunión de ambas variables puede darse en un reluciente y elegante teatro, o en una oscura y húmeda discoteca. Ciertamente, el ADN musical posee una cadena biológica que liga el sonido con el movimiento; en otras palabras, la música sigue siendo un ritual cargado de sentido práctico y corpóreo. Imbuidos en este escenario, cada cierto tiempo aparecen en los confines de la música bandas encargadas de transformar el arte de la creación artística en un acto performativo y bailable. Ese es el camino que los inquietos jóvenes de Foster The People han venido pavimentando a punta de duros y pegadizos beats.

Herederos de una larga tradición musical ligada a la jocosa y lúdica costa oeste norteamericana, los oriundos de Los Angeles han demostrado sus cualidades para extraer la esencia de los sonidos que su tradición y su espacio les ha regalado. Desfilan por sus pistas un creativo hibrido de pop, electrónica, rap y r&b, sin embargo, con “Sacred Hearts Club” ha llegado el momento de que se sacudan del legado que dejó el exitoso “Supermodel” (2014) y demuestren, finalmente, cuán amplia es su capacidad de reinvención e inventiva. Sin miedo a equivocarse o a perder el rumbo, introducen doce variadas composiciones que develan la amplísima paleta de sonidos que la banda ha venido delineando desde sus inicios. Sin lugar a dudas, en este trabajo no cabe ni la austeridad ni el recato.

“Pay The Man” se cuela como una composición donde los beats golpean fuerte y directo, desnudando las inclinaciones de la banda hacia las mezclas y la hibridación acústica, y la electrónica se muestra acompañada de una ejecución lírica cercana al hip hop. Si de crear canciones de fácil llegada se trata, “Doing It For The Money” y “Sit Next To Me” ejemplifican dicha tendencia al presentar dos composiciones hermanadas con el electropop típicamente californiano, expeliendo claras influencias que van desde The Beach Boys hasta Tame Impala. “SHC” es una arriesgada, pero bien lograda apuesta psicodélica, que presenta intensidades sonoras variadas y cambiantes. De fondo resuena el bajo siempre potente que intersecta con una acertada ejecución vocal de parte de Mark Foster. Un leve, pero rotundo decaimiento deviene con “I Love My Friends”, dada su estructura ligada a un repetitivo estribillo. Es destacable, sin embargo, la forma en que la guitarra aparece punzante y definida de comienzo a fin. Un breve intermedio instrumental lo proporciona “Orange Dream”, que sirve para demostrar todo el virtuosismo en la percusión de Mark Pontius.

“Static Space Lovers” tiene una introducción liviana y melódica, que bien conecta con la dulce voz de la colaboradora Jena Malone (sí, la actriz), siendo con toda claridad la canción más inocente que muestra la placa. “Lotus Eater” es una excepción en este disco y en la historia de Foster The People, puesto que está sacada del manual del indie rock con una presencia y un uso realmente admirable de la guitarra y de la percusión. Por esta misma razón, es tan excepcional a todo lo escuchado antes, que rápida y abruptamente se desvanece en un intermedio electrónico para dar paso a “Time To Get Closer”, una canción que asombra por su dispersión y atrevimiento. “Loyal Like Sid & Nancy” y “Harden The Paint” están hermanadas por su estructura dominada por el sintetizador y un repetitivo coro, que poco ayuda a contrapesar el bestial inicio de la placa. Finalmente, “III” es una extraña conjunción de sonidos, intenciones y desvaríos que siembran gran incertidumbre, pues el rompecabezas ha vuelto a su punto muerto.

Con “Sacred Hearts Club” Foster The People tuvo la irrepetible posibilidad de consagrar su corta pero exitosa carrera. Y si bien la amplitud de estilos integrados en este trabajo revela la eficacia y la madurez alcanzada por la banda, no satisface desde el punto de vista de la solidez y de la contundencia final del registro. Es claro que de la placa se extraerán y adjuntarán algunos temas a sus delirantes shows en vivo, sin embargo, la banda pierde credibilidad al fracasar en el momento en que deberían haberse encumbrado a lo más alto de su carrera. Aunque no es prescindible, se debe tomar sus recaudos si se quiere seguir conociendo el –ahora incierto– futuro de Foster The People.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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