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Foster The People – “Sacred Hearts Club”

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Es innegable que la música está íntimamente relacionada con el baile, la danza o, como suele denominarse técnicamente, la expresión corporal. Ahora bien, la reunión de ambas variables puede darse en un reluciente y elegante teatro, o en una oscura y húmeda discoteca. Ciertamente, el ADN musical posee una cadena biológica que liga el sonido con el movimiento; en otras palabras, la música sigue siendo un ritual cargado de sentido práctico y corpóreo. Imbuidos en este escenario, cada cierto tiempo aparecen en los confines de la música bandas encargadas de transformar el arte de la creación artística en un acto performativo y bailable. Ese es el camino que los inquietos jóvenes de Foster The People han venido pavimentando a punta de duros y pegadizos beats.

Herederos de una larga tradición musical ligada a la jocosa y lúdica costa oeste norteamericana, los oriundos de Los Angeles han demostrado sus cualidades para extraer la esencia de los sonidos que su tradición y su espacio les ha regalado. Desfilan por sus pistas un creativo hibrido de pop, electrónica, rap y r&b, sin embargo, con “Sacred Hearts Club” ha llegado el momento de que se sacudan del legado que dejó el exitoso “Supermodel” (2014) y demuestren, finalmente, cuán amplia es su capacidad de reinvención e inventiva. Sin miedo a equivocarse o a perder el rumbo, introducen doce variadas composiciones que develan la amplísima paleta de sonidos que la banda ha venido delineando desde sus inicios. Sin lugar a dudas, en este trabajo no cabe ni la austeridad ni el recato.

“Pay The Man” se cuela como una composición donde los beats golpean fuerte y directo, desnudando las inclinaciones de la banda hacia las mezclas y la hibridación acústica, y la electrónica se muestra acompañada de una ejecución lírica cercana al hip hop. Si de crear canciones de fácil llegada se trata, “Doing It For The Money” y “Sit Next To Me” ejemplifican dicha tendencia al presentar dos composiciones hermanadas con el electropop típicamente californiano, expeliendo claras influencias que van desde The Beach Boys hasta Tame Impala. “SHC” es una arriesgada, pero bien lograda apuesta psicodélica, que presenta intensidades sonoras variadas y cambiantes. De fondo resuena el bajo siempre potente que intersecta con una acertada ejecución vocal de parte de Mark Foster. Un leve, pero rotundo decaimiento deviene con “I Love My Friends”, dada su estructura ligada a un repetitivo estribillo. Es destacable, sin embargo, la forma en que la guitarra aparece punzante y definida de comienzo a fin. Un breve intermedio instrumental lo proporciona “Orange Dream”, que sirve para demostrar todo el virtuosismo en la percusión de Mark Pontius.

“Static Space Lovers” tiene una introducción liviana y melódica, que bien conecta con la dulce voz de la colaboradora Jena Malone (sí, la actriz), siendo con toda claridad la canción más inocente que muestra la placa. “Lotus Eater” es una excepción en este disco y en la historia de Foster The People, puesto que está sacada del manual del indie rock con una presencia y un uso realmente admirable de la guitarra y de la percusión. Por esta misma razón, es tan excepcional a todo lo escuchado antes, que rápida y abruptamente se desvanece en un intermedio electrónico para dar paso a “Time To Get Closer”, una canción que asombra por su dispersión y atrevimiento. “Loyal Like Sid & Nancy” y “Harden The Paint” están hermanadas por su estructura dominada por el sintetizador y un repetitivo coro, que poco ayuda a contrapesar el bestial inicio de la placa. Finalmente, “III” es una extraña conjunción de sonidos, intenciones y desvaríos que siembran gran incertidumbre, pues el rompecabezas ha vuelto a su punto muerto.

Con “Sacred Hearts Club” Foster The People tuvo la irrepetible posibilidad de consagrar su corta pero exitosa carrera. Y si bien la amplitud de estilos integrados en este trabajo revela la eficacia y la madurez alcanzada por la banda, no satisface desde el punto de vista de la solidez y de la contundencia final del registro. Es claro que de la placa se extraerán y adjuntarán algunos temas a sus delirantes shows en vivo, sin embargo, la banda pierde credibilidad al fracasar en el momento en que deberían haberse encumbrado a lo más alto de su carrera. Aunque no es prescindible, se debe tomar sus recaudos si se quiere seguir conociendo el –ahora incierto– futuro de Foster The People.

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Lagwagon – “Railer”

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Railer

Cada vez que un histórico del punk rock decide anotarse un nuevo álbum de estudio, se genera un ambiente de tensa incertidumbre que va desde el “genial por un disco nuevo” al “ojalá no decepcionen”. Es que a estas alturas resulta casi inevitable esperar los discos de esta camada con una cuota no menor de inquietud, ya que la cantidad de bandas que han vuelto con trabajos abiertamente desechables es cada día más grande. Ya sea por falta de fuerza, completa pérdida de identidad musical (intentando abrazar un sonido más “moderno”) o por insistir hasta el hastío en cantar acerca de temas que no hacen el más mínimo sentido para un tipo de cincuenta años, el número de desaciertos en estos retornos ha terminado siendo pan de cada día. Por suerte, y para alivio de todos los que disfrutamos del punk rock, Lagwagon una vez más nos deleita con un LP que no tiene nada que envidiarle al resto de su contundente catálogo.

Basta escuchar el primer minuto para ver que el quinteto no ha perdido el toque en lo más mínimo. Preciso y afilado trabajo en las guitarras, batería acelerada y vocales sentidos, hacen de “Stealing Light” el corte preciso para abrir esta nueva aventura. “Surviving California” agrega peso a la apuesta, rememorando el estilo de “Duh” (1992) o “Trashed” (1994), mientras que “Jini” va más allá del sonido de la agrupación y se encarga de resucitar buena parte de las claves estilísticas que hicieron del punk rock el movimiento imparable que fue en los noventa. Sencillo, fácil de seguir y directo, un pequeño homenaje a un sonido que todavía tiene algunas cosas que decir. “Parable” se anota la primera pausa en el larga duración e inmediatamente después, como quién no quiere arriesgarse a perder ni un gramo de intensidad, “Dangerous Animal” se cuelga de la esquina más hardcore del conjunto para llevar la energía nuevamente al tope.

Cerrando la primera mitad, “Bubble” se anota uno de los mejores momentos del disco, no tanto por méritos musicales, sino más bien por la manera en que el corte se las arregla para resumir en tres minutos el concepto que define al larga duración. En lo sonoro, sin tratarse de una canción apabullante, “Bubble” cumple con creces en un estilo similar a “Jini” (coreable y efectivo), sin embargo, es en lo lírico donde el track se hace imprescindible, jugando a disecar y a reírse del concepto de la “burbuja” en que son encasilladas las bandas (en este caso la burbuja del skate punk), definiendo quiénes son y lo que se espera que hagan. La canción habla de ellos y de cómo, después de casi treinta años de carrera, siguen estando acá, incluso cuando para muchos se trate de una caricatura, punto al que de alguna forma hace alusión la portada del disco.

La segunda mitad del álbum sigue sin aflojar. “The Suffering” inicia calmada con intro de piano para luego explotar alcanzando proporciones épicas. “Dark Matter” y “Fan Fiction” mantienen el ánimo arriba, con la primera de ellas cargada de contundente fast punk, mientras que la segunda trabaja una línea similar a “Dangerous Animal”. La pausa en esta cara la pone “Pray For Them”, y para cerrar –en lo que se refiere a temas originales– “Auf Wiederhesen” firma dos minutos treinta del más increíble y melódico skate punk, donde además destaca nuevamente el asombroso trabajo en las guitarras de Rest y Flippin. Y si de punk rock se trata, no podía estar ausente el infaltable cover. En esta ocasión los californianos (que algo saben de estos menesteres) optaron por hacer de “Faithfully”, original de Journey, uno de los nuevos estandartes del género. Cada quién verá qué versión le parece más atractiva, sin embargo, hay que reconocer que la banda logra hacer suyo el corte y esa es justamente una de las cosas que hace la diferencia entre quienes saben hacer una versión y quienes no.

Casi treinta años de carrera, noveno álbum y una integridad musical que ya se quisieran muchas de las bandas del estilo. Lagwagon la tiene muy clara, y en “Railer” lo vuelve a hacer bien, sin pretensiones, de manera sencilla y efectiva. Esto se trata de punk rock honesto, sin jugar a la nostalgia, sino que celebrando cada uno de los atributos musicales que la banda ha sabido explotar desde siempre, no perdiendo el tiempo tratando de atrapar corrientes de moda. Sin embargo, al final del día, lo que realmente hace de este trabajo un capítulo imperdible en la discografía del quinteto, es lo increíble que trabaja Lagwagon como conjunto. Es muy difícil destacar un aporte por sobre el resto, ya que todos hacen su trabajo de forma impecable. No se trata de los sentidos vocales de Cape, el punzante trabajo de Flippin o Rest en las guitarras, o la contundencia de Raposo o Raun en la base rítmica, es claramente el todo. En esta ecuación no hay incertezas, Lagwagon sigue siendo una apuesta segura.


Artista: Lagwagon

Disco: Railer

Duración: 35:50

Año: 2019

Sello: Fat Wreck Chords


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