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Foo Fighters – Sonic Highways

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El octavo disco de Foo Fighters fue grabado en ocho estudios, en ocho ciudades, en ocho semanas, para una serie de HBO que muestra ese proceso, en ocho capítulos, con ocho invitados, uno en cada canción, retratando la identidad sonora de Estados Unidos, generando las “carreteras sónicas” a las que referencia el título de la placa. Pero “Sonic Highways” tiene tantos pies forzados, tantas condiciones que cumplir, que la tarea emprendida por Dave Grohl y los suyos parecía titánica. También esta sería una empresa tremenda para Butch Vig, quien volvía a la producción de un disco de los Foo tras el gran “Wasting Light” (2011), que tuvo una calidad innegable, y fue de los mejores álbumes de ese año. Y lo cierto es que ni siquiera Vig es capaz de conseguir que esta empresa llegue a buen término, porque ante cada genialidad que puede aparecer, le sucede un gran “pero” que no permite que el acto de disfrutar de este disco sea pleno.

FOO FIGHTERS 01Tal vez el mejor momento de este disco sea “In The Clear”, canción que fue grabada en New Orleans con The Preservation Hall Jazz Band, donde la calidez de los vientos permite que el aire épico que rodea a la canción, muy en la onda del arena-rock de U2 o Arcade Fire, sea logrado por completo. Pero ni siquiera este track se escapa del gran problema que existe con el álbum en su totalidad: la falta de nexos emocionales posibles entre el hablante en las canciones y los oyentes. No hay forma de involucrarse con las historias ni los sentimientos que se plasman en las composiciones de Foo Fighters. El ejercicio de Dave Grohl de escribir basándose en las transcripciones de las entrevistas hechas para la serie de HBO se queda en eso, en un ejercicio, pero el esfuerzo grande que se pone Grohl a sí mismo no hace más que generar presión en líricas que no logran que el auditor se involucre. No se ve posible que alguien dedique o se autodedique “Something From Nothing” o “Congregation”, así como sí ocurría con “My Hero” o “Walk”, sólo por nombrar temas que sí tenían al componente emocional como algo relevante.

Los problemas no se detienen ahí. El sonido es excesivo. Las fanfarrias de “What Did I Do? / God As My Witness”, grabada en Austin, y con Gary Clark Jr., son sosas, innecesarias, y eso le pasa a muchos elementos del disco, que para tener un sonido potente se olvidan que parte importante de lo deslumbrante que puede tener un registro es el control de las partes, y el manejo narrativo de lo sonoro. O sea, si tienes todo lo que tienes a disposición, sonando al mismo tiempo, y crees que por eso suenas mejor y más fuerte, te equivocas, porque será una de dos cosas: o un caos difícil de leer, o un sonido intrascendente. Esto pasa especialmente con la tercera y cuarta capa de las guitarras, que suenan a veces muy plásticas, y otras muy de relleno. Y es una pena pensando en colaboradores como el propio Clark o el gran Rick Nielsen de Cheap Trick. De todas formas, también hay malas FOO FIGHTERS 02colaboraciones como la cansina “Subterranean”, donde ni siquiera se respira el espíritu de Seattle, y donde Ben Gibbard (The Postal Service, Death Cab For Cutie) no logra generar nada conmovedor, pese a que estructuralmente sea esta la canción donde podría haber existido un matiz relevante. Imposible no pensar en que hay tantas ideas buenas, y que la mezcla de estas no pudo ser bien llevado a cabo, y en lo acongojante que resulta esto.

Es interesante y también descorazonador ver la evolución de Foo Fighters, desde un primer disco donde Dave Grohl dejó su carne, sangre y alma en un disco propio, haciendo todo solo, y que le sirvió como escape de sus emociones, con un gran resultado, hacia esta odisea moderna que lleva de forma obsesiva y excesiva a la ahora banda a un experimento fallido, que con tantos pies forzados intenta llegar a un resultado unitario que no es más que un pegoteo de partes haciendo de melodías interesantes, canciones poco relevantes. Y eso para una banda como Foo Fighters es grave.

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  1. Pingback: Show completo de Foo Fighters en BBC Radio 1’s Big Weekend » HumoNegro.com

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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