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Medicine At Midnight Medicine At Midnight

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Foo Fighters – “Medicine At Midnight”

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Dave Grohl sabe de trucos. Comerciales, por cierto. Todas las movidas orquestadas que ha presentado arriba de los escenarios han funcionado para llenar las páginas de noticias o virales, sin embargo, cuando se trata de música sus trucos son igual o más predecibles. La estampa de rock que explota la banda actualmente parece añeja, carente de sorpresa, anecdótica. Es así cómo se presentan con su décimo álbum, “Medicine At Midnight”.

Después de “Concrete And Gold” de 2017, y tras retrasos por la pandemia, Foo Fighters entregó las claves de lo que sería un nuevo camino: una aproximación a sonidos (aún) más de “estadio” y unos guiños al funk. Aquellos recursos aparecen con soltura en varios temas del disco, como los cencerros y el ritmo de “Cloudspotter”, y clásicos como “Shame Shame” o “Holding Poison”, pero no representan más aporte o riesgo. La banda se limita a sencillas guitarras, como intentando imitar a Prince, o bien, convertirse en hits de laboratorio para que, cuando vuelva la normalidad, se puedan explotar en grandes estadios o arenas.

Según la banda, “Medicine at Midnight” es un gran giro y una apuesta. Esto se nota en sus ritmos, que coquetean con el disco y la pista de baile, coros femeninos a lo largo de las canciones y una intención de evolucionar su sonido. Por supuesto que no es novedad que los liderados por Grohl viraron a esa dirección hace un tiempo, sin embargo, podría ser la primera vez que uno de sus álbumes carece de originalidad y sorpresa. Por ejemplo, recursos como baladas con guitarra acústica y una explosión final que pareciera que ya hemos escuchado en más de una ocasión (“Waiting On A War”), o el sello de la banda con cortes como la mencionada “Shame Shame” o “Making A Fire”, título que, con su festival de riffs, abre el álbum con muchísima energía.

Los puntos altos están, y vale la pena prestar atención a “Chasing Birds”, fórmula de balada que funciona gracias al timbre especial de Grohl en este tipo de canciones, “No Son Of Mine”, canción que sí es una apuesta interesante, donde es evidente la influencia de proyectos como “Them Crooked Vultures”, o de nuevo los riffs en “Love Dies Young”. Pero es la energía lo que hace de Foo Fighters una banda especial. Más allá de lo musicalmente débil en cuanto a propuesta que pueda parecer el álbum, explota las virtudes de sus miembros, cuya experiencia y trayectoria es innegable. Pero ¿lo de Foo Fighters es realmente una experiencia de banda o un monólogo/performance del personaje que cultiva Dave Grohl? Es una reflexión teniendo en cuenta el diseño sonoro del disco, pensado evidentemente para un contexto en vivo.

Foo Fighters dio un giro, explicitó sus referencias e influencias en entrevistas, pero aquello no se plasmó –o al menos no con la suficiente intención– en este nuevo trabajo. “Medicine At Midnight” pasa inadvertido para el nivel del grupo y también para la industria y crítica: es breve (no alcanza los 40 minutos), es vacío y no es más que sólo algo divertido y enérgico. El resto, sólo un intento de mantenerse vigentes.


Artista: Foo Fighters

Disco: Medicine At Midnight

Duración: 36:32

Año: 2021

Sello: RCA / Roswell Records


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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