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Foo Fighters – “Concrete And Gold”

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Las expectativas siempre son altas en torno a Foo Fighters, y Dave Grohl sabe jugar bien con eso. De hecho, cuando dices que tu nuevo disco sonará como Motörhead tocando el “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”, dejas planteada una duda que logrará que toda la atención de los medios y los fanáticos se enfoque en este nuevo trabajo: ¿será posible mezclar la velocidad y la crudeza de la banda de Lemmy Kilmister con la psicodelia, la melodía y la orquestación propias del combo de Liverpool?

Es una pregunta que nos remite a los tiempos en que “Wasting Light” (2011) prometía ser una vuelta al sonido garaje, o a la época en que “Sonic Highways” (2014) se anunciaba como una radiografía de la música estadounidense por su grabación en distintos estudios emblemáticos del país del norte. Al final del día, ambos esfuerzos no fueron ni lo uno ni lo otro, solo se transformaron en dos registros más en la discografía de Foo Fighters, pero con resultados bastante dispares: el primero debe estar entre lo mejor que el ex Nirvana y compañía han hecho en toda su carrera, mientras que el segundo habría pasado sin pena ni gloria de no ser por los excelentes documentales que acompañaban a cada canción.

Sin embargo, “Concrete And Gold” logra su cometido de mejor manera y, en el fondo, prueba que la decisión de olvidarse de los procedimientos pomposos fue totalmente acertada, ya que la banda desechó la idea preliminar de grabar el disco en vivo ante un auditorio de 20 mil personas. No es que la novena placa de Foo Fighters sea austera; de hecho, sorprende gratamente la inclusión del tecladista Rami Jafee como miembro permanente, convirtiendo a la banda en un sexteto. De esta forma, se limitaron a volver a su zona de confort y simplemente entraron al estudio a grabar el disco, proceso en el que recurrieron al productor Greg Kurstin, relacionado con artistas como Adele o Katy Perry, en una jugada parecida a la de sus colegas y amigos de Queens Of The Stone Age, a fin de revitalizar su sonido y apuntar a las masas.

Este coqueteo con el mundo del pop también se hace patente con la inclusión de artistas externos a la esfera del rock, como Shawn Stockman de Boyz II Men en las armonías de la canción homónima, una apoteósica y lánguida oda al space rock, que hace gala de la psicodelia buscada para la placa. Se nota también la mano de Kurstin en el protagonismo que logró darle a las voces principales y secundarias, como es el caso del tono distorsionado de Dave Grohl en algunos pasajes de “La Dee Da”, con un estallido frenético acompañado del interesante saxo de Dave Koz y las armonías de Alison Mosshart, vocalista de The Kills. Otra voz femenina que refuerza texturas es la de Inara George de The Bird And The Bee, quien aporta gran profundidad a la excelente “Dirty Water”, cuyo comienzo de guitarra acústica desemboca en una cálida tonada con aire harrisoniano. Este espíritu Beatle rodea al disco en cuerpo y alma, ya que “Happy Ever After (Zero Hour)” nos regala un momento conmovedor gracias a su delicadeza y sensibilidad, tomadas directamente del manual de los fabulosos cuatro. Dicha inspiración también se materializa cuando el mismísimo Paul McCartney toma las baquetas en “Sunday Rain”, con Taylor Hawkins en las voces, en uno de los mejores aportes que ha tenido el baterista en la banda.

Cuesta creer que hayan escogido una canción tan débil como “The Line” para ser la tercera representante de su trabajo más reciente, teniendo momentos como “Arrows”, que trae de vuelta la intensidad de los cortes más oscuros de “One By One” (2002), o la poderosa “Make It Right”, ensalzada con la voz de Justin Timberlake en las armonías vocales y un riff endemoniado que el tridente de guitarras de Pat Smear, Chris Shiflett y Dave Grohl dejan caer como un cañón. Si bien las contribuciones de Stockman, Mosshart, George y Timberlake no son extremadamente notorias, todas agregan un sabor distinto a las nuevas composiciones.

La vocación de estadios de “The Sky Is A Neighborhood”, que suena dramática y excesiva, “T-Shirt”, que logra emocionar con su principio tenue y su ambicioso desarrollo, y “Run”, una verdadera demoledora que destruye todo a su paso con esa explosión de energía y ritmo casi bailable en su parte más pesada, demuestra que los más de 20 años de experiencia de Foo Fighters no han pasado en vano. Además, logran hacer algo muy difícil en el mundo del rock: facturar canciones que la gente quiera seguir escuchando en los años venideros y que puedan trascender como himnos de la banda para no pasar desapercibidos.

“Concrete And Gold” no es bajo ningún punto de vista su obra maestra, ese galardón aún lo ostenta “The Colour And The Shape” (1997), pero sí logra que por momentos el disco suene sólido y grandilocuente, como las expectativas que el mismo líder de la banda ayudó a difundir. Lo mejor de que la placa efectivamente no suene a Motörhead tocando The Beatles –aunque por momentos sí logra fundir la agresividad con lo más melódico– es que suena a una versión de Foo Fighters mucho mejor que la de 2014, y eso es precisamente lo que todos quieren escuchar.

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5 Comentarios

5 Comentarios

  1. Jose

    20-Sep-2017 en 1:24 pm

    Los FF hace rato que vienen dando jugo con sus discos, lanzan un buen single y ellos sabes que comercialmente venden entonces mucho esfuerzo no le dan a su disco, siento que no tienen conciencia de lo importante que son para las futuras generaciones, sacar un disco por que si o hacerse los chistosos en sus videos como que ya pasó es una formula que ya no da resultados, lastima porque tienen harto potencial y buenos musicos no le faltan pero se les fue en collera su estilo.

  2. Andres

    21-Sep-2017 en 11:18 am

    Lo escuche un par de veces y no cambio mi percepcion .. es el disco mas bajo de los foo , incluso el anterior es mejor .
    Suena mas a un disco solista de Grohl , que a Foo Fighters .

    • David

      21-Sep-2017 en 12:05 pm

      Escúchalo otro par de veces

      • Andres

        22-Sep-2017 en 1:48 am

        No .. ya lo borre

  3. Llee la jopaipa

    24-Sep-2017 en 9:20 pm

    Sigo creyendo que el homonimo y wasting light. Escuche este disco y sigo creyendo que FF es solo banda de buenos temas. Es muy dificil encontrarles un disco redondo, siempre sale un tema re malo.

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Morrissey – “Low In High School”

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Low In High School

Hubo una época en que no teníamos el poder de juzgar instantáneamente a las personas en la plaza pública virtual por culpa de sus dichos. Es posible que el tsunami de información que azota la sociedad en la que vivimos nos haya hecho olvidar aquellos días en que personajes como Morrissey no eran más que sujetos pintorescos y hasta queribles en el mundo del espectáculo; de hecho, su punzante visión siempre fue motivo de admiración para sus discípulos y caldo de cultivo para ganarse la animosidad de sus detractores. Pareciera ser que los inolvidables clásicos del inglés eran capaces de pasar por alto su a veces destemplada visión del mundo, y eso es precisamente lo que más se extraña en “Low In High School”: la capacidad para entregar hits enormes, aunque aporte un puñado de canciones que conservan el gancho sin convencer del todo como elemento unitario.

De todas maneras, hay que reconocer que la gracia de Moz para crear algunas melodías destacables sigue intacta, como se puede apreciar en el arranque a toda máquina de “My Love, I’d Do Anything For You”, impulsada por la batería marchante de Matthew Ira Walker y la muralla de guitarras a cargo de Jesse Tobias y Boz Boorer, o en la traviesa “I Wish You Lonely”, cuya base electrónica da chispazos de innovación en áreas que no son muy frecuentes para el ex The Smiths. La defensa de su catálogo más clásico recae en las interesantes “When You Open Your Legs” y “Jacky’s Only Happy When She’s Up On The Stage”, que cuenta la historia de una artista que se dedica completamente al teatro después de una ruptura amorosa. Otro aspecto innegable, es que Morrissey se defiende bien en temas más emocionales como “Home Is A Question Mark”, en la que aún puede mostrar sus dotes de crooner, o “Spent The Day In Bed”, en la que su voz de terciopelo cuenta las bondades de holgazanear mientras invita a dejar de ver las noticias, algo contradictorio si se toma en cuenta que una gran porción de las letras están influenciadas por los acontecimientos de la actualidad mundial, siempre bajo su singular óptica.

La apocalíptica “I Bury The Living” –una sátira oscura que cuenta cómo es la guerra desde el punto de vista de un soldado– se extiende por más de siete desafiantes minutos, en los que la excesiva tensión no cuaja, algo que tampoco logra hacer la lánguida “In Your Lap”, cuya preocupación por el abuso de autoridad combinada con referencias a la Primavera Árabe, se funden en un lamento que resulta tedioso.

El ataque a la lucha de Estados Unidos por el petróleo sirve como telón de fondo para “The Girl From Tel-Aviv Who Wouldn’t Kneel”, con un sonido que mezcla lo mediterráneo con tintes latinos, una jugada que ya habíamos visto fracasar en su olvidable disco anterior y que esta vez tampoco luce como una buena idea, mientras “Who Will Protect Us From The Police?” clama por Venezuela en una atmósfera donde los sintetizadores y los instrumentos de viento se cruzan violentamente, mixtura que despierta un poco más de interés, pero no como para destapar espumante. La crítica sigue en “All The Young People Must Fall In Love”, que habla de cómo las cosas se mantienen estáticas a pesar de la alternancia de los gobiernos, con un rasgueo de guitarra un poco más luminoso, un tono totalmente distinto al de “Israel”, en la que la lenta batería y el color lúgubre profundizan el dramatismo de su interpretación sobre el conflicto palestino-israelí, pero siempre con un tono excesivamente eurocentrista.

Morrissey nunca ha sido un artista neutral, y en su entrega número once tampoco pretende serlo. Dispuesto a opinar sobre todos los temas, tanto en la prensa como en sus discos, el músico de 58 años trata de mostrarse contestario en “Low In High School”, pero adolece de un sustento musical que lo acompañe, sobre todo en la segunda mitad de la placa, y una vez más se inmiscuye en caminos sónicos muy pedregosos que no logra hacer brillar su nuevo trabajo. Durante muchos años, las convicciones polémicas le dieron un valor agregado al hombre de sangre irlandesa y corazón inglés, pero hoy ese mensaje se ve dinamitado por lo débil de la entrega, especialmente en un momento en el que podemos usar las redes para llevar a la guillotina a cualquiera, y eso hace que su música sea mucho menos disfrutable. ¿Se puede separar la obra de la vida personal y de las opiniones de un artista, especialmente cuando este tiene una visión tan militante? Es una pregunta que podría responderse de manera más fácil si el resultado fuera óptimo, pero en este caso sólo le alcanza para superar a sus ya flojas placas anteriores. El bocón atacó de nuevo, pero su ofensiva sólo nos dejó un par de canciones destacables entre otras bastante olvidables.


Artista: Morrissey

Disco: Low In High School

Duración: 53:25

Año: 2017

Sello: BMG


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