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Emily Alone Emily Alone

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Florist – “Emily Alone”

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Tras el lanzamiento de su segundo disco, “If Blue Could Be Happinnes” (2017), Emily Sprague, mente detrás de Florist, se mudó a Los Angeles. Rodeada del sorpresivo fallecimiento de su madre y de una ruptura amorosa, la compositora encontró en la soledad y en la reclusión un refugio. Separada de sus compañeros de banda y alejada de la ciudad en la que forjó sus primeros proyectos musicales, Sprague compuso y escribió canciones, lanzando música ambient bajo su nombre y trazando las que serian las pistas de su tercer disco como Florist. “Emily Alone” es el vulnerable resultado del trabajo realizado estos dos años, ofreciendo doce íntimos cortes que varían entre la introspección, la melancolía y la soledad.

Tal como su nombre nos adelanta, “Emily Alone” nos presenta un material realizado en su totalidad por Sprague, pero la soledad que el disco expresa no se limita tan solo a la creación individual del producto musical, sino que a los momentos más íntimos de las personas, donde la introspección en los momentos de soledad parece ser la única respuesta a los problemas que nos rodean. El primer track, “As Alone”, presenta una conversación reflexiva consigo misma, cuestionando su papel en este mundo y qué es lo que la hace ser ella misma. Con una desnuda instrumentación, acompañada apenas de simples pero efectivos acordes de guitarra, la voz de Sprague presenta desde el inicio la vulnerabilidad que se reflejará en el resto del disco. “Emily, que sepas que no estás tan sola como te sientes en la oscuridad”, se conforta así misma y a su audiencia, repitiendo el mensaje una y otra vez hasta que este sea claro.

Si bien el fuerte del disco está en la lírica y en las vocales, existen momentos más melódicos. “Moon Begins” presenta una especial química entre la delicada voz de Strague y los acordes que la acompañan, sumando un sutil pero vibrante teclado. La compositora además incluye las técnicas ambient de sus proyectos solistas, agregando sonidos de agua que fortalecen la fluidez del tema, al igual que la balada a piano “M”, utilizando el sonido de pisadas y el canto de pájaros en su instrumentación, como un paseo por el bosque. Estas técnicas le agregan dinamismo al material y llevan a imaginar con mayor claridad aquellos lugares y situaciones que Sprague vivió durante la creación del disco, acercando a su público a los momentos íntimos que relata.

Para la simplicidad musical que presenta un disco como este, existen momentos donde la tradición del género es cuestionada. Cortes como “Celebration” y “Still” son casi poemas hablados con música en segundo plano, que funcionan como interludios, pero también son piezas claves y algunos de los momentos de mayor reflexión. La estructura de las canciones no se rige a la manera tradicional de componer músical folk o indie, verso-coro-verso, sino que la música pareciera ir creándose a partir de las palabras que Sprague lanza, combinándose en acertadas composiciones que no se limitan a reglas preestablecidas.

Existen momentos de especial crudeza, como en “I Also Have Eyes”, uno de los cortes donde las vocales de Sprague parecen más lastimeras que en el resto. “¿Cómo llegué a este lugar? Mi vida es una combinación de cosas en las que casi no tengo control”, canta con una voz más entrecortada que en el resto de las canciones que buscan claridad. El tema es también uno de los pocos momentos donde un pitido electrónico aparece, perturbando la tranquilidad acústica del resto de las canciones. El disco deambula entre la tristeza que le provocan estas reflexiones y los momentos de optimismo. “¿Por qué me siento tan feliz cuando miro al océano y después devastada cuando miro al océano?”, canta en “Ocean Arms”, representando la continua batalla entre los pensamientos en soledad. “Time Is A Dark Feeling” presenta uno de los relatos más sombríos, acompañado de una minimalista guitarra y un soplido de viento en el ambiente que agrega nuevas sensaciones en el material. La canción cuestiona la construcción del tiempo en sí misma y el efecto que este produce en las relaciones con otros y consigo.

El álbum termina en una nota positiva, como también lo hacen sus reflexiones finales, representando sus pérdidas con la presencia de aves, vientos y lluvia. “Today I’ll Have You Around” es una melódica balada a guitarra acompañada del intermitente sonido de la lluvia, casi como si se presenciara en el momento mismo en que se compuso. “Hoy te tendré cerca”, se repite a sí misma una y otra vez, no sólo para confortarse, sino con la seguridad de que el paso del tiempo y el espacio solitario en el que creó sus composiciones no implican su soledad. “Emily Alone” es un simple, pero íntimo trabajo, enfocado a escucharse en solitario, en compañía solo del ambiente que lo rodea. Con melódicos acordes y una honesta voz, Emily Sprague se recuerda a sí misma y a su audiencia que no están tan solos como creen.


Artista: Florist

Disco: Emily Alone

Duración: 39:36

Año: 2019

Sello: Double Double Whammy


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Khruangbin – “Mordechai”

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Mordechai

En un presente tan automatizado como el actual, Khruangbin ha logrado con éxito captar la atención de la audiencia con la creación de atmósferas. El trío originario de Texas, conocido por su mezcla de sonidos y su negación a encasillarse en un solo género, ha cultivado un seguimiento de culto, que les ha permitido llevar una exitosa gira a múltiples países, tan diversos como la paleta que presentan. “Mordechai”, su tercer disco y primero en dos años, se estrena en un mundo distinto al que recorrieron con sus primeros trabajos, pero el viaje presente permite por un instante recorrer el globo.

Durante la década pasada, el trabajo de Khruangbin se destacó por lo atrapante de su sonido instrumental, pero en “Mordechai” un nuevo elemento sale a juego. Las voces presentes por primera vez de Laura Lee, Mark Speer y Donald “DJ” Johnson, convierten a este en su material más directo. “First Class”, la carta de inicio del proyecto, suena como un resultado directo de su reciente trabajo con Leon Bridges, “Texas Sun” (2020), un corte retro con elementos del funk, soul y jazz, que se beneficia con la inclusión de sus voces. Temáticamente, es una mirada hacia el inicio, un viaje en “primera clase” a su natal Houston. “One To Remember” es otro ejemplo del legado atmosférico de sus inicios, donde la desvanecida voz acompaña a las cuerdas y percusión en un expansivo tema alucinógeno.

Si bien, el trío ha sido tajante en no querer encasillarse en géneros, no significa que no aludan a estos. “Time (You and I)” es un corte de disco setentero, donde el bajo de Lee cobra protagonismo junto a la percusión de DJ Johnson. A diferencia de la apertura, no sólo se aluden los vocales, sino que están presentes durante todo el tema, cantando en distintos idiomas para enfatizar en su exploración de sonidos del mundo. “Pelota” presenta claras influencias latinas, con elementos de la rumba, flamenco, compás haitiano y música tejana, además de ser cantada exclusivamente en español, en uno de los momentos más dinámicos y dignos de repetir. “So We Won’t Forget” es otro de los destacados del disco, aludiendo al groove ya presentado en “Time”, pero con más cercanía al pop; un himno veraniego que sería perfecto en un año normal. Estos cortes permiten agradecer el salto hacia los vocales, pues, mientras más presenten estén y menos se desvanezcan, mejores son los resultados.

La música del grupo se ha basado en evocar los distintos sonidos del mundo y sus atmósferas, pero acá existe una clara mirada hacia las raíces, a su génesis como músicos y a su ciudad natal, experiencias propias presentes en los instrumentales. “First Class” ya anunciaba un viaje relajado y libre de preocupaciones a Houston, homenaje que queda claro en “Connaissais De Face”, que evoca las memorias del pub que vio nacer al trío. Un tributo a una camarera que trabajaba en el pub y que recientemente falleció, sin enfocarse en su cercanía a los miembros, sino que su significancia para sus inicios. “Father Bird, Mother Bird”, el único track instumental presente, deja las puertas abiertas al sonido con el que comenzaron. Dedicada a una familia de aves que anidaron en la granja donde grabaron, es la manifestación del entorno de creación, el sentarse a explorar el mundo y maravillarse con la simplicidad. Mismo sentimiento se explora en “Dearest Alfred”, un inmersivo corte que mezcla las voces de Laura y Mark, quienes añoran un mundo sin la inmersión de la tecnología en las vidas, inspirándose en las cartas de sus abuelos gemelos Alfred y Earnest: “Tu carta es el mejor regalo”.

En muchas maneras “Mordechai” parece hecho para viajar por el mundo, para recorrer aquellas imágenes que el trío evoca en su paleta sonora, actividad imposible en un presente como el actual. Sin embargo, Khruangbin también ofrece otro tipo de viaje, uno hacia las memorias y la simplicidad del día a día. Inspirado por un amigo que impulsó a Laura a saltar desde una cascada, el disco mismo realiza un ejercicio necesario luego de dos álbumes inmersivos, vocales que le añaden humanidad al trabajo instrumental que venían presentando, sin perder la calidad atmosférica que los destaca, en un experimento que deja expectante ante su siguiente paso.


Artista: Khruangbin

Disco: Mordechai

Duración: 43:53

Año: 2020

Sello: Dead Oceans / Night Time Stories


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