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Emily Alone Emily Alone

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Florist – “Emily Alone”

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Tras el lanzamiento de su segundo disco, “If Blue Could Be Happinnes” (2017), Emily Sprague, mente detrás de Florist, se mudó a Los Angeles. Rodeada del sorpresivo fallecimiento de su madre y de una ruptura amorosa, la compositora encontró en la soledad y en la reclusión un refugio. Separada de sus compañeros de banda y alejada de la ciudad en la que forjó sus primeros proyectos musicales, Sprague compuso y escribió canciones, lanzando música ambient bajo su nombre y trazando las que serian las pistas de su tercer disco como Florist. “Emily Alone” es el vulnerable resultado del trabajo realizado estos dos años, ofreciendo doce íntimos cortes que varían entre la introspección, la melancolía y la soledad.

Tal como su nombre nos adelanta, “Emily Alone” nos presenta un material realizado en su totalidad por Sprague, pero la soledad que el disco expresa no se limita tan solo a la creación individual del producto musical, sino que a los momentos más íntimos de las personas, donde la introspección en los momentos de soledad parece ser la única respuesta a los problemas que nos rodean. El primer track, “As Alone”, presenta una conversación reflexiva consigo misma, cuestionando su papel en este mundo y qué es lo que la hace ser ella misma. Con una desnuda instrumentación, acompañada apenas de simples pero efectivos acordes de guitarra, la voz de Sprague presenta desde el inicio la vulnerabilidad que se reflejará en el resto del disco. “Emily, que sepas que no estás tan sola como te sientes en la oscuridad”, se conforta así misma y a su audiencia, repitiendo el mensaje una y otra vez hasta que este sea claro.

Si bien el fuerte del disco está en la lírica y en las vocales, existen momentos más melódicos. “Moon Begins” presenta una especial química entre la delicada voz de Strague y los acordes que la acompañan, sumando un sutil pero vibrante teclado. La compositora además incluye las técnicas ambient de sus proyectos solistas, agregando sonidos de agua que fortalecen la fluidez del tema, al igual que la balada a piano “M”, utilizando el sonido de pisadas y el canto de pájaros en su instrumentación, como un paseo por el bosque. Estas técnicas le agregan dinamismo al material y llevan a imaginar con mayor claridad aquellos lugares y situaciones que Sprague vivió durante la creación del disco, acercando a su público a los momentos íntimos que relata.

Para la simplicidad musical que presenta un disco como este, existen momentos donde la tradición del género es cuestionada. Cortes como “Celebration” y “Still” son casi poemas hablados con música en segundo plano, que funcionan como interludios, pero también son piezas claves y algunos de los momentos de mayor reflexión. La estructura de las canciones no se rige a la manera tradicional de componer músical folk o indie, verso-coro-verso, sino que la música pareciera ir creándose a partir de las palabras que Sprague lanza, combinándose en acertadas composiciones que no se limitan a reglas preestablecidas.

Existen momentos de especial crudeza, como en “I Also Have Eyes”, uno de los cortes donde las vocales de Sprague parecen más lastimeras que en el resto. “¿Cómo llegué a este lugar? Mi vida es una combinación de cosas en las que casi no tengo control”, canta con una voz más entrecortada que en el resto de las canciones que buscan claridad. El tema es también uno de los pocos momentos donde un pitido electrónico aparece, perturbando la tranquilidad acústica del resto de las canciones. El disco deambula entre la tristeza que le provocan estas reflexiones y los momentos de optimismo. “¿Por qué me siento tan feliz cuando miro al océano y después devastada cuando miro al océano?”, canta en “Ocean Arms”, representando la continua batalla entre los pensamientos en soledad. “Time Is A Dark Feeling” presenta uno de los relatos más sombríos, acompañado de una minimalista guitarra y un soplido de viento en el ambiente que agrega nuevas sensaciones en el material. La canción cuestiona la construcción del tiempo en sí misma y el efecto que este produce en las relaciones con otros y consigo.

El álbum termina en una nota positiva, como también lo hacen sus reflexiones finales, representando sus pérdidas con la presencia de aves, vientos y lluvia. “Today I’ll Have You Around” es una melódica balada a guitarra acompañada del intermitente sonido de la lluvia, casi como si se presenciara en el momento mismo en que se compuso. “Hoy te tendré cerca”, se repite a sí misma una y otra vez, no sólo para confortarse, sino con la seguridad de que el paso del tiempo y el espacio solitario en el que creó sus composiciones no implican su soledad. “Emily Alone” es un simple, pero íntimo trabajo, enfocado a escucharse en solitario, en compañía solo del ambiente que lo rodea. Con melódicos acordes y una honesta voz, Emily Sprague se recuerda a sí misma y a su audiencia que no están tan solos como creen.


Artista: Florist

Disco: Emily Alone

Duración: 39:36

Año: 2019

Sello: Double Double Whammy


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Lagwagon – “Railer”

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Railer

Cada vez que un histórico del punk rock decide anotarse un nuevo álbum de estudio, se genera un ambiente de tensa incertidumbre que va desde el “genial por un disco nuevo” al “ojalá no decepcionen”. Es que a estas alturas resulta casi inevitable esperar los discos de esta camada con una cuota no menor de inquietud, ya que la cantidad de bandas que han vuelto con trabajos abiertamente desechables es cada día más grande. Ya sea por falta de fuerza, completa pérdida de identidad musical (intentando abrazar un sonido más “moderno”) o por insistir hasta el hastío en cantar acerca de temas que no hacen el más mínimo sentido para un tipo de cincuenta años, el número de desaciertos en estos retornos ha terminado siendo pan de cada día. Por suerte, y para alivio de todos los que disfrutamos del punk rock, Lagwagon una vez más nos deleita con un LP que no tiene nada que envidiarle al resto de su contundente catálogo.

Basta escuchar el primer minuto para ver que el quinteto no ha perdido el toque en lo más mínimo. Preciso y afilado trabajo en las guitarras, batería acelerada y vocales sentidos, hacen de “Stealing Light” el corte preciso para abrir esta nueva aventura. “Surviving California” agrega peso a la apuesta, rememorando el estilo de “Duh” (1992) o “Trashed” (1994), mientras que “Jini” va más allá del sonido de la agrupación y se encarga de resucitar buena parte de las claves estilísticas que hicieron del punk rock el movimiento imparable que fue en los noventa. Sencillo, fácil de seguir y directo, un pequeño homenaje a un sonido que todavía tiene algunas cosas que decir. “Parable” se anota la primera pausa en el larga duración e inmediatamente después, como quién no quiere arriesgarse a perder ni un gramo de intensidad, “Dangerous Animal” se cuelga de la esquina más hardcore del conjunto para llevar la energía nuevamente al tope.

Cerrando la primera mitad, “Bubble” se anota uno de los mejores momentos del disco, no tanto por méritos musicales, sino más bien por la manera en que el corte se las arregla para resumir en tres minutos el concepto que define al larga duración. En lo sonoro, sin tratarse de una canción apabullante, “Bubble” cumple con creces en un estilo similar a “Jini” (coreable y efectivo), sin embargo, es en lo lírico donde el track se hace imprescindible, jugando a disecar y a reírse del concepto de la “burbuja” en que son encasilladas las bandas (en este caso la burbuja del skate punk), definiendo quiénes son y lo que se espera que hagan. La canción habla de ellos y de cómo, después de casi treinta años de carrera, siguen estando acá, incluso cuando para muchos se trate de una caricatura, punto al que de alguna forma hace alusión la portada del disco.

La segunda mitad del álbum sigue sin aflojar. “The Suffering” inicia calmada con intro de piano para luego explotar alcanzando proporciones épicas. “Dark Matter” y “Fan Fiction” mantienen el ánimo arriba, con la primera de ellas cargada de contundente fast punk, mientras que la segunda trabaja una línea similar a “Dangerous Animal”. La pausa en esta cara la pone “Pray For Them”, y para cerrar –en lo que se refiere a temas originales– “Auf Wiederhesen” firma dos minutos treinta del más increíble y melódico skate punk, donde además destaca nuevamente el asombroso trabajo en las guitarras de Rest y Flippin. Y si de punk rock se trata, no podía estar ausente el infaltable cover. En esta ocasión los californianos (que algo saben de estos menesteres) optaron por hacer de “Faithfully”, original de Journey, uno de los nuevos estandartes del género. Cada quién verá qué versión le parece más atractiva, sin embargo, hay que reconocer que la banda logra hacer suyo el corte y esa es justamente una de las cosas que hace la diferencia entre quienes saben hacer una versión y quienes no.

Casi treinta años de carrera, noveno álbum y una integridad musical que ya se quisieran muchas de las bandas del estilo. Lagwagon la tiene muy clara, y en “Railer” lo vuelve a hacer bien, sin pretensiones, de manera sencilla y efectiva. Esto se trata de punk rock honesto, sin jugar a la nostalgia, sino que celebrando cada uno de los atributos musicales que la banda ha sabido explotar desde siempre, no perdiendo el tiempo tratando de atrapar corrientes de moda. Sin embargo, al final del día, lo que realmente hace de este trabajo un capítulo imperdible en la discografía del quinteto, es lo increíble que trabaja Lagwagon como conjunto. Es muy difícil destacar un aporte por sobre el resto, ya que todos hacen su trabajo de forma impecable. No se trata de los sentidos vocales de Cape, el punzante trabajo de Flippin o Rest en las guitarras, o la contundencia de Raposo o Raun en la base rítmica, es claramente el todo. En esta ecuación no hay incertezas, Lagwagon sigue siendo una apuesta segura.


Artista: Lagwagon

Disco: Railer

Duración: 35:50

Año: 2019

Sello: Fat Wreck Chords


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