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Florence + The Machine – “How Big, How Blue, How Beautiful”

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Florence + The Machine está pasando por una de sus mejores etapas en lo que lleva de carrera, y se nota, no sólo porque ha logrado posicionarse como cabeza de cartel en gran parte de los más importantes festivales, ni porque haya logrado posicionarse en la cima de todos los rankings de la mano de su último lanzamiento, o porque pueda darse el lujo de reemplazar a bandas del peso de Foo Fighters en un festival de la talla de Glastonbury, sino que el gran momento que atraviesa la banda liderada por la carismática Florence Welch se da también a nivel interno, entre quienes componen la agrupación: poco a poco van sintiéndose más cómodos en el camino que han decidido recorrer. Florence declara estar superando la ansiedad que le significaba presentarse ante grandes multitudes –hecho por el que, confiesa, llegó a abusar del alcohol en más de alguna ocasión- y la banda completa comienza a sentirse cada vez más afiatada y más cómoda trabajando en conjunto, y esto se siente fuerte y claro en “How Big, How Blue, How Beautiful”, en sus composiciones, en cada instrumento, en cada detalle agregado que entra a formar parte de una sinergia, donde todo apunta hacia un mismo horizonte en común.

FLORENCE AND THE MACHINE 01A propósito de la fractura de pie que sufrió la vocalista en la más reciente edición de Coachella, unas semanas antes del lanzamiento oficial del disco, a través de su cuenta de Instagram la artista afirmó que “este álbum se trató mucho acerca de hacer algo a partir de lo que estaba roto”. Y es justamente lo que Florence Welch y compañía nos hace sentir desde el primer track, “Ship To Wreck”, una potente bienvenida, donde la fuerza de la voz de Florence nos invita a alejar los pies del suelo y dejarnos llevar por lo que será el principio de este viaje. En ella, se refiere a algunas de las conductas autodestructivas en que solía incurrir, pero también nos muestra cómo puede transformar esto en energía para emprender el vuelo y con este impulso llegar al siguiente track.

“What Kind Of Man” ya había sido estrenada como sencillo a principios de año, y desde ese entonces nos hacía prever la atmósfera que reinaría en este disco: intenso, con claros mensajes que necesitaban ser gritados a los cuatro vientos de la mano de la prodigiosa voz de Florence, acompañados de melodías pop con actitud avasalladora, mismo sello que caracterizó a la banda desde su debut con “Lungs” (2009). A continuación, “How Big, How Blue, How Beautiful”, la canción que da nombre al disco, si bien no alcanza clímax tan altos como los dos primeros tracks, se constituye como una canción sólida, un poco más calma, pero en la misma tónica recia y potente.

Las revoluciones comienzan a bajar poco a poco hasta llegar a “Various Storms & Saints”, “Long & Lost” y “Caught”, tres baladas situadas estratégicamente como tracks intermedios en el disco, cargadas de reflexiones con el matiz introspectivo necesario para sustentar el golpe energético de las otras pistas. Todo adornado por un acompañamiento musical mucho más discreto, que sitúa la voz de Florence como si del instrumento principal se tratase, posición que la británica ha sabido llevar en este caso entonando las notas más dulces y guardando la potencia para momentos sabiamente seleccionados. Posteriormente, los ánimos comienzan a retomarse de la mano de “Third Eye”, un FLORENCE AND THE MACHINE 02llamado al amor propio, a sacar ánimos cuando estos escasean, un impulso a la fuerza interna que todos tenemos y que, por circunstancias de la vida, solemos apagar con nuestras propias dudas e inseguridades. El cierre del disco queda a cargo de la poderosa “Mother”, la cual mantiene una tensa calma durante sus estrofas, para alcanzar la catarsis durante el coro y hacia el final de la canción. Un cierre de proporciones, que retoma lo que se buscó fuera la tónica total de la entrega.

En general, “How Big, How Blue, How Beautiful” se trata de un disco mucho más enérgico respecto del anterior, “Ceremonials” (2011), uno donde se hablaba de escapar y de pugnas internas sin resolver. Ahora el giro argumental apunta hacia enfrentar los conflictos y continuar con la vida. Florence + The Machine ha decidido hacer frente a sus monstruos internos y nos ha entregado como resultado este disco, una fotografía del aprendizaje constante por el que atraviesa, y que agradecemos pueda captar de manera tan sincera y cargada de potencia.


How BeautifulArtista: Florence + The Machine

Disco: How Big, How Blue, How Beautiful

Duración: 46:00

Año: 2015

Sello: Island


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Descendents – “9th & Walnut”

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9th & Walnut

La trayectoria de Descendents habita en una doble marginación: por un lado, están dedicados al hardcore y al punk, un par de estilos que en su momento fueron contraculturas incomprendidas, aunque hoy gocen de prestigio histórico y, por otro lado, dentro de su mismo círculo siempre fueron un bicho raro, nunca se vistieron como punks (muchas veces una condición discutiblemente excluyente en esta y otras corrientes del rock más radical), ni quisieron jugar con esas mismas reglas estilísticas, trasuntando el pop de guitarras de The Beach Boys con los bajos vibrantes del post punk. Así y todo, se apuntaron con el seminal “Milo Goes To College” en 1982 para luego comenzar con una espiral de cambios de formaciones, hiatos definidos e indefinidos, y mayormente el ir y venir de Milo Aukerman, su vocalista y origen de la icónica marca registrada de la banda. Casi cuarenta años después llegan con su octavo disco, “9th & Walnut”.

Citar a “Milo Goes To College” viene muy al caso para hablar de “9th & Walnut” porque fueron canciones creadas en esa locación del sur de California y, en ese entonces, específicamente entre 1978 y 1980, cuando en su formación contaban a Bill Stevenson en la batería, Frank Navetta en la guitarra, Tony Lombardo en el bajo y el recién llegado Auckerman. Lo que hoy se presenta como un nuevo álbum de estudio en este milenio pudo perfectamente haber sido la continuación de aquel debut, pero la vocación de biólogo molecular de Auckerman pudo más y lo alejó del cuarteto como varias veces más durante la historia de la banda. En 2002, antes de la lamentable muerte de Navetta en 2008, se reunieron a plasmar todas estas tomas que quedaron en el aire y el resultado, junto con regrabaciones hechas en plena pandemia durante 2020 de su primer single “It’s A Hectic World / Ride The Wild”, es este puñado de canciones frenéticas.

Resulta anecdótico que Epitaph haya sido la casa discográfica de este álbum y de su anterior trabajo, “Hypercaffium Spazzinate”, porque es una relación de ida y vuelta: sin Descendents, gran parte del catálogo de Epitaph y del punk pop en general no existiría, o habría tomado un rumbo desconocido; Green Day, The Offspring, Rise Against y otros hoy andan por una carretera de alta velocidad que pavimentaron los californianos. Al mismo tiempo, Descendents se sirve de la actualmente amplia red de difusión del sello para entregar a todo el que lo quiera oír un larga duración potente, aunque bastante más contenido y menos espacioso en términos de sonido que su predecesor, desde el inicio con “Sailor’s Choice” hasta el final con “Glad All Over”, cover de The Dave Clark Five, otro guiño al pop de guitarras de los sesenta. Canciones como “Tired Of Being Tired”, “I’m Shaky” o “Mohicans” parecen justamente estar ahí a manera de puerta giratoria entre el mersey beat y el hardcore.

Por supuesto, hay latigazos punk como títulos rozando lo cliché, tales como “You Make Me Sick” o “Yore Disgusting”, o canciones para mosh pits cuarentones como “Like The Way I Know”, e incluso le dan espacio a píldoras disonantes como “Grudge”, donde el bajo de Lombardo no sólo se encarga de dar el puntapié como a muchas de las canciones de “9th & Walnut”, sino también redirigir el punto focal de la canción y dejar que la guitarra de Navetta se sumerja en el caos, y que la batería de Stevenson se mantenga como un motor inacabable, mientras que la voz de Auckerman se luzca como una de las más constantes y reconocibles del panorama punk, una versión ochentera de Pete Shelley de Buzzcoks, pero mucho más enrabiada y tosca cantando al desamor juvenil y a sentirse un desencajado social.

Este álbum probablemente no está pensado para ser el mejor de la banda, pero no defrauda. Sabido es que hay artistas, y muchas veces variantes del rock completas, que son una suerte de copiar/pegar de ellos mismos o de otros compañeros de rubro y que, a la larga, en su conjunto formar un bloque macizo y difícil de picar, y el punk no es la excepción. La gracia de “9th & Walnut” radica en recordarnos, aquí y ahora con ideas de aquel entonces y con la destreza de los años, por qué gozan de la reputación de ser una de las grandes bandas en la historia de este estilo, elaborando un ejercicio de nostalgia que no suena a punk trastabillante ni a una muralla mecanizada carente de mayores objetivos que pegar un guitarrazo en la cara, sino que a algo en medio, algo propio y reconocible, y pocos pueden decir eso.


9th & WalnutArtista: Descendents

Disco: 9th  & Walnut

Duración: 25:14

Año: 2021

Sello: Epitaph


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