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Florence + The Machine – “How Big, How Blue, How Beautiful”

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Florence + The Machine está pasando por una de sus mejores etapas en lo que lleva de carrera, y se nota, no sólo porque ha logrado posicionarse como cabeza de cartel en gran parte de los más importantes festivales, ni porque haya logrado posicionarse en la cima de todos los rankings de la mano de su último lanzamiento, o porque pueda darse el lujo de reemplazar a bandas del peso de Foo Fighters en un festival de la talla de Glastonbury, sino que el gran momento que atraviesa la banda liderada por la carismática Florence Welch se da también a nivel interno, entre quienes componen la agrupación: poco a poco van sintiéndose más cómodos en el camino que han decidido recorrer. Florence declara estar superando la ansiedad que le significaba presentarse ante grandes multitudes –hecho por el que, confiesa, llegó a abusar del alcohol en más de alguna ocasión- y la banda completa comienza a sentirse cada vez más afiatada y más cómoda trabajando en conjunto, y esto se siente fuerte y claro en “How Big, How Blue, How Beautiful”, en sus composiciones, en cada instrumento, en cada detalle agregado que entra a formar parte de una sinergia, donde todo apunta hacia un mismo horizonte en común.

FLORENCE AND THE MACHINE 01A propósito de la fractura de pie que sufrió la vocalista en la más reciente edición de Coachella, unas semanas antes del lanzamiento oficial del disco, a través de su cuenta de Instagram la artista afirmó que “este álbum se trató mucho acerca de hacer algo a partir de lo que estaba roto”. Y es justamente lo que Florence Welch y compañía nos hace sentir desde el primer track, “Ship To Wreck”, una potente bienvenida, donde la fuerza de la voz de Florence nos invita a alejar los pies del suelo y dejarnos llevar por lo que será el principio de este viaje. En ella, se refiere a algunas de las conductas autodestructivas en que solía incurrir, pero también nos muestra cómo puede transformar esto en energía para emprender el vuelo y con este impulso llegar al siguiente track.

“What Kind Of Man” ya había sido estrenada como sencillo a principios de año, y desde ese entonces nos hacía prever la atmósfera que reinaría en este disco: intenso, con claros mensajes que necesitaban ser gritados a los cuatro vientos de la mano de la prodigiosa voz de Florence, acompañados de melodías pop con actitud avasalladora, mismo sello que caracterizó a la banda desde su debut con “Lungs” (2009). A continuación, “How Big, How Blue, How Beautiful”, la canción que da nombre al disco, si bien no alcanza clímax tan altos como los dos primeros tracks, se constituye como una canción sólida, un poco más calma, pero en la misma tónica recia y potente.

Las revoluciones comienzan a bajar poco a poco hasta llegar a “Various Storms & Saints”, “Long & Lost” y “Caught”, tres baladas situadas estratégicamente como tracks intermedios en el disco, cargadas de reflexiones con el matiz introspectivo necesario para sustentar el golpe energético de las otras pistas. Todo adornado por un acompañamiento musical mucho más discreto, que sitúa la voz de Florence como si del instrumento principal se tratase, posición que la británica ha sabido llevar en este caso entonando las notas más dulces y guardando la potencia para momentos sabiamente seleccionados. Posteriormente, los ánimos comienzan a retomarse de la mano de “Third Eye”, un FLORENCE AND THE MACHINE 02llamado al amor propio, a sacar ánimos cuando estos escasean, un impulso a la fuerza interna que todos tenemos y que, por circunstancias de la vida, solemos apagar con nuestras propias dudas e inseguridades. El cierre del disco queda a cargo de la poderosa “Mother”, la cual mantiene una tensa calma durante sus estrofas, para alcanzar la catarsis durante el coro y hacia el final de la canción. Un cierre de proporciones, que retoma lo que se buscó fuera la tónica total de la entrega.

En general, “How Big, How Blue, How Beautiful” se trata de un disco mucho más enérgico respecto del anterior, “Ceremonials” (2011), uno donde se hablaba de escapar y de pugnas internas sin resolver. Ahora el giro argumental apunta hacia enfrentar los conflictos y continuar con la vida. Florence + The Machine ha decidido hacer frente a sus monstruos internos y nos ha entregado como resultado este disco, una fotografía del aprendizaje constante por el que atraviesa, y que agradecemos pueda captar de manera tan sincera y cargada de potencia.


How BeautifulArtista: Florence + The Machine

Disco: How Big, How Blue, How Beautiful

Duración: 46:00

Año: 2015

Sello: Island


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Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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