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Fear Factory – Genexus

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Hablar de Fear Factory, es hablar de una institución pionera en el metal moderno. Quizás, sin saberlo, hordas de bandas surgidas con posterioridad al año 2000 son tributarias de los riffs filosos de Cazares, del doble bombo asesino de Raymond Herrera y del fraseo desgarrador, matizado con la voz melódica aplicada en los coros, de Burton C. Bell, siendo esta quizás la contribución más emulada durante los últimos 15 años, y que muy pocos de quienes la utilizan saben que nació en un álbum de death metal llamado “Soul Of A New Machine”, en un ya lejano año 1992. Mucha agua ha pasado bajo el puente desde entonces y, tras cambios de alineación, separaciones tortuosas y caminos errados, desde el año 2010 con el espléndido “Mechanize”, la máquina del miedo parece haber encontrado su camino para consolidar su legado, aunque en el mismo se encuentre con más de un bache.

FEAR FACTORY 01En efecto, su último disco, “Genexus”, toma el testimonio de su antecesor “The Industrialist” (2012) en lo que a fuerza y estructura se refiere, mejorando el sonido y la orgánica del álbum, pues en el antecesor la batería fue programada y, aún cuando dicho aspecto no es extraño en la historia de la banda, su uso fue desmedido, restándole vitalidad. En esta ocasión cuentan con Mike Heller (Malignancy), el que cumple con su cometido airosamente. No obstante, esto no alcanza para darle el carácter de “fundamental” a este trabajo, principalmente por la fisonomía monocorde que adoptan las cuerdas de Cazares y una menor compenetración en la creación de la batería, algo que no pasaba en los tiempos de “Obsolete” (1998) o el mítico “Demanufacture” (1995). Si debemos categorizar este álbum, podemos incluirlo dentro de la lista de los trabajos correctos de este año. Tiene casi todo lo que un fan de Fear Factory espera: guitarras pesadas y agresivas, melodías pegajosas, baterías coléricas, y una base industrial acertada, entre otros elementos. En ese sentido, cabe preguntarse: ¿que faltó? La respuesta ya fue anticipada: la innovación prácticamente es inexistente. Esto no es sinónimo de que “Genexus” sea un mal opus, muy por el contrario, no es arriesgado decir que está por sobre la media de las producciones de hoy en día. Empero, tal hecho debe medirse con la historia de la banda y los hitos que ha logrado, y es en dicho cotejo en donde cae.

Existen varios temas que cumplen con lo que uno espera del grupo. El comienzo arrollador con “Autonomous Combat System” evoca los mejores pasajes de la mitad de la década de los noventa, pero actualizado con la producción prístina moderna. Lo mismo ocurre con “Dielectric” y “Soul Hacker”, que suenan como vetas descolgadas del disco “Obsolete”, lo cual es muy positivo. Otros temas como “Anodized” o “Regenerate” parecen tomar el concepto más simple de “Digimortal” (2001), pero mejor trabajado, reforzando su pesadez y conjugando mejor las partes melódicas en la construcción de la canción, sin que suenen forzadas como en aquél trabajo. Pero otros temas muestran un rollo distinto: “Promotech” parece un reciclado de la fórmula exprimida en “Mechanize”, en donde la guitarra sólo se limita a seguir el tiempo del doble bombo, algo básico para lo que nos tiene acostumbrado el simple, pero innovador trabajo de Cazares; siendo necesario destacar, con FEAR FACTORY 02todo, que la sección que comienza después de los dos minutos y medio de canción, es una de las más potentes escritas en el último tiempo por la banda.

La deficiencia compositiva reseñada en el apartado anterior se repite en “Genexus”, en la que sólo el profundo coro y el trabajo en los sintetizadores de Rhys Fulber la convierte en algo interesante. Peor es el caso de “Battle For Utopia” cuyo verso está al borde del autoplagio de “Slave Labor” del álbum “Archetype” (2004) y donde las ideas corren por cuenta de la hondonada que imprimen las máquinas del productor. “Expiration Date” aporta levedad y tranquilidad final, extrayendo la savia industrial de Fulber al máximo, pero sin un punto de inflexión que la haga memorable.

Y así, esta versión de Fear Factory se posiciona como un acto sólido dentro de la escena metalera, pues su música y su mensaje suena actual en un mundo cada vez más dominado por la tecnología, cuestión que han venido pregonando desde sus inicios. En tal sentido, “Genexus” es un disco entretenido de escuchar e interesante de comprender; sin embargo, falla en un aspecto que era central en los años mozos de la banda: la capacidad de innovar. Por eso, queda como un buen trabajo de los californianos, pero nada más.

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1 Comentario

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  1. nomadessert

    03-Sep-2015 en 1:18 pm

    Disco bastante potente que busca mucho captar lo hecho en demanufacture según mi punto de vista. Sonido muy bien logrado, disco potente, intenso que reivindica lo poco realizado en las últimas entregas.

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Hinds – “The Prettiest Curse”

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The Prettiest Curse

Llevar las influencias musicales en la manga puede resultar en molestas comparaciones. En el caso de Hinds, la sombra de bandas como The Strokes se ha vuelto en una constante, pero en su último disco, “The Prettiest Curse”, el cuarteto español amplía sus sonidos y mira hacia una audiencia más amplia, con un material distintivo que celebra el trabajo y carisma de la agrupación. Con producción de Jenn Decilveo (Beth Ditto, Bat For Lashes), la banda deja de lado su clásico sonido garage pop por una paleta más expansiva y colorida. Esto se percibe rápidamente en la apertura “Good Bad Times”, un explosivo giro al power pop con relucientes guitarras y percusión, liderada por el juego vocal entre Carlotta Cosials y Ana Perrote.

Sus personalidades relucen en “Just Like Kids (Miau)”, una crítica a los sexismos y prejuicios que han enfrentado en la industria: “¿Puedo decirte algo sobre tu banda? Estoy seguro de que te encantaría escuchar mi consejo. El sarcástico corte es acompañado de un instrumental dulzón que enaltece la actitud pasivo-agresiva de la composición, en un giro que apela a una mayor audiencia, pero que se presenta como un paso natural más que una necesidad de satisfacer al mainstream. Otra agradable sorpresa son las primeras letras en español de la banda, presentando un arriesgado spanglish que puede resultar molesto para unos y disfrutable para otros. Este juego cultural se materializa musicalmente en la cautivante “Come Back And Love Me <3”, un romántico homenaje a sus raíces, girando hacia bossa nova en la disonancia más grande del “The Prettiest Curse”, pero que se gana un espacio gracias a la constancia en sus vocales. El uso de su lenguaje nativo es una herramienta más que bienvenida, haciendo que su sonido sea más distintivo.

Los elementos del garage no son olvidados por completo, y canciones como “Burn” son ejemplos fieles a su sonido original, donde las chicas se unen en un rugiente estribillo que culmina en un outro a cargo del guitarreo electrónico clásico. Sin embargo, sus estructuras son mucho más pulidas que antes y la técnica en estas logra destacar, como en “Take Me Back”, un tema clásico del repertorio de la agrupación, pero con una evolución que deja brillar cada elemento, con un solo que funciona como el golpe emocional del disco en una nostálgica y atrapante melodía.

Si bien este es un disco de cambios, el elemento principal sigue siendo las voces de de Cosials y Perrote. Mucho de “The Prettiest Curse” es liderado por la personalidad que sale de sus vocales, logrando cambiar el tono en que cada canción es percibida, desde la irónica “Just Like Kids”, la sensual “Come Back And Love Me”, o “Riding Solo”, que presenta un pegajoso coro creado para estadios, en uno de los sonidos más expansivos del álbum. Y es que gran parte del trabajo presenta himnos dignos de cantar en vivo, donde “Boy” es el matrimonio perfecto de los elementos pop y rock del disco, así como también del inglés y español, con un dulce estribillo sepultado en fuertes guitarras.

La batalla más grande que enfrenta el disco es precisamente la magnitud sonora que tiene como objetivo. Al optar por melodías más cercanas al pop, muchos de estos elementos son barridos por las fuertes guitarras propias del garage. Este choque melódico amenaza con opacar la mejor carta de la agrupación: el peculiar, pero inescapable estilo vocal que narra las composiciones. Por esto, la pieza final, “This Moment Forever”, es un apreciado momento donde el instrumental descansa para darle protagonismo a la potencia de sus voces, despidiéndose con el momento más intimo del disco, pero no menos cautivante.

La idea de que los giros hacia el pop reflejan una reducción del sonido original se ha convertido en una narrativa obsoleta, en especial en el caso de Hinds, quienes logran usar estos elementos para construir su propia identidad. Este cambio puede asustar a los fans más puritanos, pero el espíritu de sus primeros discos está presente en “The Prettiest Curse”, si es que no más amplificado. Las guitarras son más brillosas y los vocales presentan más confianza, sin embargo, el encanto original no ha disminuido ni un poco.


Artista: Hinds

Disco: The Prettiest Curse

Duración: 32:45

Año: 2020

Sello: Lucky Number / Mom + Pop Music


https://open.spotify.com/album/5EAxNmYYdSAswaDuqPTiYN

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