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Father John Misty – I Love You, Honeybear

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Dentro de los variados temas existentes para escribir en la música, el amor siempre logra mantenerse vigente. Aferrándose a la relación con su mujer, además de algunas historias de vida, Josh Tillman se aventura en su nuevo álbum de estudio, el segundo bajo el seudónimo de Father John Misty y que lleva al ex Fleet Foxes a explorar variados sonidos, pasando desde el folk con tintes psicodélicos, a baladas con un tempo más romántico. Estructurado bajo los parámetros de un álbum conceptual, “I Love You, Honeybear” nos lleva por un viaje repleto de historias inspiradas en cosas simples de la vida, hasta dramas personales de carácter más complejo.

FATHER JOHN MISTY 01El track que inicia y da nombra al álbum, sirve como buen puntapié para la historia en cuestión. La sección de cuerdas le entrega una magistral atmósfera, la cual se funde con la apasionada interpretación de Tillman, quien declara su amor incondicional con desgarradoras y profundas líricas. Como una sucesión perfecta de emociones e instrumentos, “Chateau Lobby #4 (In C For Two Virgins)” presenta un lado más folk, con letras igual de románticas que la pista anterior, pero centradas en lo más simple del amor.

De manera más dispar con los estilos presentes a lo largo del disco, “True Affection” se desarrolla mediante arreglos electrónicos que se justifican en su temática, ya que nos habla de una relación en los tiempos modernos, con las redes sociales, smartphones y todo lo que hace del amor hoy en día algo muy distinto a otros tiempos. “The Night Josh Tillman Came To Our Apartment” calma las aguas con un ritmo parejo y agradable. El folk vuelve a hacerse presente como en la mayor parte del álbum, mientras la guitarra adorna la voz de Tillman que, con cierta tristeza, narra un complejo escenario de desamor, en el tono intrigante y profundo que engloba a la obra. Las influencias no están del todo claras, pero sí se pueden deducir con los coros en “When You’re Smiling And Astride Me”, donde las voces femeninas nos llevan por una balada que perfectamente pudo ser obra de Sir Elton John. Solos de guitarra relajados, una batería marcando el tempo preciso, y una voz desplegando emoción y solidez durante los cuatro minutos y medio de esta maravillosa composición, uno de los puntos más altos de todo el disco.

Con la sección de cuerdas siempre presente, el country llega con algunos slides al comienzo de “Nothing Good Ever Happens At The Goddamn Thirsty Crow”, la que se transforma después en una balada con un ritmo calmado que mantiene una perfecta sincronía con el resto de las composiciones. En ese punto del álbum, “Strange Encounter” hace soltar una ligera sonrisa, cuando se descubre la notable continuidad que hay entre todas las canciones que logran formar una buena historia como tal. En un tono más moderno, “The Ideal Husband” cuenta la historia de un divorcio con una batería en plan indie rock y un teclado con la cuota de psicodelia que le da una notable energía. Una desnuda “Bored In The USA”, con nada más que un piano y la voz de Tillman, nos hace reflexionar acerca de la vida, con algunos planteamientos a la sociedad americana, tal como reza su titulo. La calma sólo se ve interrumpida por risas y aplausos, las que Tillman declaró haber puesto para “neutralizar ideas FATHER JOHN MISTY 02negativas”. La transición del piano a la guitarra se presenta en “Holy Shit”, balada igual de desnuda que la anterior, pero con algunos arreglos de teclado y violines que le dan la intensidad perfecta para ir cerrando el disco. Y ese punto final llega con “I Went To The Store One Day”, balada con tintes de Don McLean, que cuenta la historia de cómo él y su esposa Emma se conocieron e iniciaron su historia de amor, responsable de las maravillosas once canciones que entrega este álbum.

La premisa general en todo el álbum son los sentimientos, el amor y la vida misma, conceptos que fueron muy bien abordados por Father John Misty. Aunque quizás peque en lo monótono, las letras son justificadas por el carácter conceptual del disco, además, estas son justificadas con una impecable instrumentación, notablemente mejor que la de su antecesor “Fear Fun” (2012). Lo logrado por Tillman en este disco es claro: se pueden tomar elementos clásicos y poco recurrentes hoy en día y transformarlos en baladas desgarradoras, las que nos dejan un mensaje de lo cotidiano, de lo simple y lo complejo de vivir la vida.

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Deftones – “Ohms”

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Ohms

Se vale decir que lo de Deftones a estas alturas es una carrera sin altibajos. La extraña época del denominado nü metal, que vio nacer y morir a variados proyectos, quedó atrás y es nada más que un rótulo para una banda que rápidamente expandió sus horizontes. Así ha sido el recorrido de Deftones que, con nueve discos, se sacudió del estereotipo para desembocar en álbumes como “Ohms”.

Y es que su último trabajo va más allá de lo etéreo y las atmósferas. O, al menos, desde otra perspectiva. Pese a ser una banda que transita por intensas sensaciones, nunca había estado tan clara la línea entre aquellos elementos. Gracias al reencuentro con Terry Date, un viejo conocido en la producción (“Adrenaline”, “Around The Fur”, “White Pony”, “Deftones”), la banda plantea un interesante equilibrio: los arreglos conviven –y se escuchan– sin quitarse protagonismo. No sobran, no son caprichosos, no son antojadizos.

“Genesis” y “Ceremony” representan un poco aquella relación. La primera, como single, elevó las expectativas y cumplió. Por su parte, el segundo track, mucho más melódico y limpio, permite apreciar mejor los matices que estarán presentes a lo largo del álbum. Es difícil exigirles siempre un poco más a bandas como Deftones, ya que a estas alturas el conjunto no necesita demostrar más que calidad; su sonido se encuentra tan arraigado, que toda sorpresa es un detalle más de una meticulosa producción.

Resulta curioso que aquellos detalles esta vez no quedaron a cargo de las cuerdas y un par de efectos, sino que pasaron a ser administrados con mayor protagonismo por Frank Delgado en los sintetizadores y máquinas. Así, todo dialoga orgánicamente a la par de un inspirado Stephen Carpenter, que se atreve a jugar con los compases, como en “Urantia”, y se desata con estridencia en los ensordecedores pasajes de “Error” y la bella “Pompeji”, quizá la canción más completa del disco. Toda esa potencia y densidad puede responder a muchas variantes y posibilidades. ¿Cómo hacer contrapeso y acompañar a Carpenter? ¿Es más que una decisión estética que en cada disco sume más cuerdas a la guitarra principal?

La seguridad que entrega Sergio Vega en el bajo ha sido un aporte de frescura y actitud, como queda demostrado en “Radiant City”. Si bien, su participación en la banda ya cumple cuatro álbumes, hoy más que nunca se trata de su disco, y “Ohms” debería ser revisado bajo su prisma. Su presencia es aglutinante, está sumamente marcada y funciona en complicidad. Según entrevistas, Vega aportó activamente en la composición y con los riffs más potentes, asumiendo ese rol de compañía y contraparte. Su estilo no pasa inadvertido y ha potenciado varias virtudes del grupo. Por un lado, las guitarras más graves de Carpenter y, por otro, las baterías de un Cunningham menos atrevido, pero manteniéndose igual de intenso.

Con “Ohms”, más allá del cliché que puede significar volver a los orígenes, Deftones ha sabido administrar un concepto más que robusto, que no descansa tan sólo en un desfile de distorsiones para riffs profundos y veloces. Su complejidad radica en las posibilidades que exploran con el pasar del tiempo, dotando a sus canciones de una sensibilidad e intimidad que dialoga con una experiencia oscura y agresiva.


Artista: Deftones

Disco: Ohms

Duración: 46:17

Año: 2020

Sello: Reprise


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