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Familea Miranda – “Radiopharm”

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Desde 1999, Familea Miranda –la banda originaria de Chile y radicada en España desde 2007– viene entregándonos material fresco, versátil y llamativo. Su álbum “Radiopharm” fue lanzado en marzo y posee un estilo que aborda una amplitud de sonidos e influencias sin quedarse atrás en lo que ha sido el proceso de experimentación de la agrupación, que en este disco desarrolla un trabajo sólido, avanzando con soltura por una amplia gama de influencias.

familea-miranda-01Abriendo el disco, el tema “Cocowawa” entrega una buena perspectiva de lo que será la totalidad del trabajo, con un tema instrumental nos lleva por un sonido con influencias del rock progresivo y marcados tintes de post-hardcore. El notorio dominio de melodías y cambios de métrica muestra un sonido hábil, y la guitarra y bajo con distorsión no llegan a saturar el ambiente, pero sí dejan un clima de euforia latente. En este plano, canciones como “Caballo De Alquiler” y “Mm” abordan de buena manera esta dinámica, que conjuga post-hardcore de destreza en los tempos y habilidad técnica con la dureza e intensidad del punk. Familea Miranda hace gala de su versatilidad con un sonido que posee la cualidad de generar quiebres constantes. Las voces tienen una función más de carisma que de dominio, y su presencia no radica en ponerse enfrente de todos, sino que en darle fuerza al conjunto cohesionado que forma la banda.

Un recurso importante de experimentación se hace ver en uno de los temas más particulares del disco, el single “Guerra Nuclear”, presentando un sonido funk metalero cercano a la banda Primus y la voz expresando una narrativa desconcertante, que se acompaña de un ritmo bailable que no puede dejar a nadie indiferente. La conjugación entre las bases metaleras e indie se hacen notar en canciones como “Secuestradores”, la que muestra una habilidad propia del metal adornado con la dureza de un bajo electrizante. Bajo la misma óptica, uno de los puntos más altos del disco es “Bolero”, que presenta una predominancia de arpegios, atmósfera misteriosa, explosión en un coro de voces graves, mezcla de instrumentación mid-tempo con arreglos de cuerda que aumentan la tensión de su temple apocalíptico. La parte instrumental ocupa un lugar importante, los interludios avanzan con mesura y se llenan de tensión hasta explotar.

familea-miranda-02Las letras van de la crítica social encarnizada a una abstracción lúcida, y esto lo encontramos en canciones como “Brut Nature” y “Lorem”. En “Bon Preu” las repetitivas frases establecen un paralelo con el absurdo de la vida civilizada contemporánea, donde además de la crudeza de sus letras, el sonido nos lleva desde guitarras de corte funk hasta riffs que hacen notar la parte más percusiva del conjunto. Las guitarras van desde la demencia hasta una cordura hábil que no se detiene, sino que se organiza de manera astuta con la base de la batería y el bajo, en un juego constante de explosiones e implosiones sonoras. Con un sonido rockero “Memorias En Las Manos” deja ver  juegos de métrica moderados, influencia del progresivo y de algunas fórmulas del post-rock. La voz recita en el fondo sobre una base que se extiende de manera fluida y que termina el disco con un sonido cambiante, bipolar y que cierra todo de golpe, tal como da comienzo.

“Radiopharm” es un disco que logra hacer vibrar, que brinda un trabajo fresco de Familea Miranda en un marco de experimentación constante, donde las voces tienen una función expresiva que no deja atrás la presencia de la parte instrumental, tan importante para la banda, sino que la incorpora en una horizontalidad donde voces e instrumentos destacan en un juego efusivo y variopinto que va desde el funk metal y el progresivo, hasta el post-hardcore y el punk.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. alex beers

    11-Feb-2018 en 12:18 pm

    de lo mas pulento para escuchar!!!

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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