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Fall Out Boy – Save Rock And Roll

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Fall Out Boy, el cuarteto de Illinois, vuelve a las pistas tras cinco años desde el lanzamiento de “Folie à Deux” (2008), y lo hacen de la mano de su quinto álbum de estudio, “Save Rock And Roll”, el que fue grabado en completo secreto durante 2012 y que cuenta con las colaboraciones de Courtney Love (viuda de Kurt Cobain y vocalista de Hole), el rapero Big Sean y el carismático Elton John. Este lanzamiento coincidirá con el décimo aniversario de “Take This To Your Grave”, placa debut de los nativos de Wilmette, y será distribuido por el sello Island Records.

FALL OUT BOY 01En lo que respecta al arte de la portada, la banda ha declarado que cuando comenzaron el proceso de creación del álbum estaban en busca de imágenes inspiradoras, y fue precisamente en esta exploración que se toparon en Internet con la imagen de un punk y un monje, fotografía que englobaba el pensamiento que deseaban transmitir: la idea del viejo y nuevo choque, tradición y cambio que se unen. Estos niños representan la juventud, el cambio y la irreverencia que es justamente lo que incluye este disco.

Una base rítmica de violines marca el potente y decidido comienzo de “The Phoenix”, el segundo sencillo en darse a conocer, que destaca por sus excelentes cambios de ritmo y dinámica melodía. Un pegajoso estribillo termina por configurar una inmejorable forma de comenzar el viaje a través del álbum. “My Songs Know What You Did In The Dark (Light Em Up)”, el primer single de la placa, mantiene una buena intensidad, basándose en una precisa instrumentación y coros a múltiples voces. En “Alone Together” asume el protagonismo la voz de Patrick Stump, con una base a medio tiempo y tintes mucho más cercanos al pop. El bajo de Pete Wentz marca el contagioso riff de “Where Did The Party Go”, con una entretenida y muy bien lograda melodía, donde la combinación de voces y batería funciona a la perfección, estructurando una pieza lúdica y atractiva. Con “Just One Yesterday” bajan levemente las revoluciones, con un exquisito aporte de voces femeninas y mayor preponderancia del sonido sintetizado de la guitarra.

“The Mighty Fall”, cuenta con la colaboración del rapero Big Sean, inyectando inmediatamente un estilo más cercano al rock alternativo, con mucho protagonismo de las cuerdas de Joe Trohman y los inconfundibles matices rap que aporta el oriundo de Detroit. En “Miss Missing You” el ambiente se llena de elementos electrónicos y una melodía mucho más liviana que el resto del álbum, tendiendo nuevamente hacia una corriente pop. La batería de Andy Hurley marca el pulso en el comienzo de “Death Valley”, para dar paso al sonido acústico de la guitarra, una curiosamente bien lograda mixtura que sube rápidamente la velocidad e intensidad con interesantes cambios de ritmo, plagados de mucha energía y vitalidad. “Young Volcanoes”, el tercer sencillo que se desprende del disco, destaca por el uso de tambores y por la preponderancia de sonidos acústicos, con una melodía muy propia del estilo folk. En “Rat A Tat”, aporta con las voces la polémica Courtney Love, en una colaboración que no Fall Out Boy Visits fusecayó muy bien entre los fanáticos de la banda, pero que ofrece agresividad y dinamismo, complementándose muy bien con la instrumentación del tema, que destaca por la potente percusión y la precisa ejecución de cuerdas. El cierre del álbum corre por cuenta de “Save Rock And Roll”, donde inmediatamente destaca la hermosa ejecución del piano por parte de Sir Elton John, quien también aporta con su característica voz, fundamentando una de las mejores canciones de la placa.

Lo primero que habla muy bien de “Save Rock And Roll” es que, a pesar de la amalgama de estilos que conviven a través de los once cortes que conforman el álbum, ninguna de las canciones pareciese estar fuera de lugar, muy por el contrario, cuesta trabajo encontrar algún punto bajo dentro del tracklist. Quizás pueda parecer una discordancia que un disco tan cercano al sonido pop pretenda “salvar el rock & roll”, pero su aporte es innegable, destacando por su frescura y dinamismo, que lo sitúa como uno de los mejores lanzamientos de este 2013. Qué buena noticia que los cinco años de espera no hayan sido en vano, los muchachos de Fall Out Boy se lo tomaron con calma y ahora vuelven con uno de sus mejores trabajos bajo el brazo.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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