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Explosions In The Sky – The Wilderness

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Junto con Mogwai y Sigur Rós, Explosions In The Sky completa la triada de bandas más representativas y exitosas en el panorama del post rock, ese género incomprendido y rechazado incluso por quienes son sindicados como cultores insignes del movimiento. Lo cierto es que, si hay algo en común entre muchas las bandas adscritas al estilo, es su capacidad excelsa de desarmar el rock y rearmarlo desde una perspectiva estética por un lado, pero principalmente sensorial por otro, y en eso Explosions In The Sky ha dictado cátedra durante más de quince años de carrera y seis discos de estudio. El séptimo lleva por nombre “The Wilderness” y ha aparecido este año.

EXPLOSIONS IN THE SKY 01Lo que caracteriza a Explosions In The Sky es esa capacidad cinemática de pintar paisajes, evocar situaciones y recrear momentos con el simple poder de la música, sin apoyo de voz alguna y, por lo mismo, han sido requeridos para varios soundtracks de películas y sus canciones han musicalizado unas cuantas series de televisión. “The Wilderness” sigue esa senda cinemática, pero con varias diferencias, la más significativa sin haber escuchado ninguna canción es la extensión de las mismas, donde la que más dura sobrepasa escasamente los siete minutos, en circunstancias que en trabajos anteriores nueve minutos es algo así como el promedio. Sin ir más lejos, “Wilderness”, la canción que abre el álbum, roza el estándar de poco menos de cinco minutos.

Otra cosa que sorprende gratamente, es el afán de incluir sonidos más sintéticos y con ello enriquecer aún más la propuesta sonora de los tejanos. Ahí asoma como ejemplo claro “The Ecstatics”, una amalgama preciosa entre las pretensiones orgánicas y la inclusión de pulsiones más electrónicas, lo mismo que “Tangle Formations”, que incluye un inusitado piano y, asimismo, un inusitado ritmo urgente en la batería, poco usual en el catálogo de la banda. Un nuevo cambio asalta los sentidos en “Logic Of A Dream”, una canción sutil y hasta lánguida con elementos clásicos del sonido de la banda, desembocando en un ritmo envolvente y marcial, que contiene una de las fórmulas clásicas del post rock como se le suele conocer: la dinámica “calma-tormenta-calma”, pasajes melódicamente tranquilos, intercalados con momentos desbocados de guitarra y batería.

EXPLOSIONS IN THE SKY 02Sin duda alguna la catalogación de ópera magna de este disco recae en “Disintegration Anxiety”: sonidos recortados y una exquisita y bella oscuridad imperializan esta canción que va en un in crescendo envidiable para cualquier banda. “Losing The Light” le pone freno de mano al álbum, siendo aún más densa y oscura que la anterior, con ambientes comandando un track que a veces le hace un saludo de mano al krautrock y a veces se sumerge en el ambient sin reparos. “Infinite Orbit” es una canción breve (para los parámetros de Explosions In The Sky), en una especie de interludio, pero con vida propia y que no bebe de lo que le antecede, ni de la que le sucede en el disco. En “Colors In Space” de nuevo acuden a los colchones sonoros mientras ejecutan lo orgánico; una explosión onírica y sensorial, algo para encauzar un buen sueño.

“Landing Cliffs” cierra el álbum, logrando una unión entre el post rock y la música más “radial”, algo que Sigur Rós había aplicado en su catálogo con una sapiencia supina y que Explosions In The Sky logra incorporar de forma magistral. Se podría decir que “The Earth Is Not A Cold Dead Place” (2003) es el mejor álbum de Explosions In The Sky hasta la fecha, pero “The Wilderness” le pelea el puesto y hasta lo gana en varios frentes, principalmente en el hecho que lograron fusionar un elemento actualmente importante, como es lo sintético con la crudeza abrumadora de su sonido, para crear una obra nueva, cautivadora y por sobre todo propositiva, algo que a todos los estilos le hace falta.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Gabriel Sánchez González

    10-Abr-2016 en 5:05 pm

    súper buen review. cuático como se metieron en la onda ambient, creo que amplia harto la gama de cosas que pueden explorar. quizá eché de menos un poco el proponer alguna amalgama nueva, todo me sonó a ya conocido, pero a estas alturas ya es como difícil seguir innovando en un estilo donde ellos mismos fueron pioneros.

    disco bacán.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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