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Errante – Punto de Quiebre

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En tiempos donde internet nos da acceso a conocer la música de bandas pertenecientes a los lugares más recónditos del orbe, todavía no somos capaces de poner verdadera atención a los nuevos trabajos que salen de nuestro propio territorio. Peor aún, la mayoría de los músicos emergentes del país presentan su material en los medios digitales de forma gratuita, esperando que algún oyente ponga atención en un registro que, muchas veces, pasa colado entre la gran cantidad de música que circula por el mundo. Las dificultades se acrecientan en un país sumamente centralizado; si ya es difícil para una banda capitalina el poder hacerse notar, para una de provincia la tarea se vuelve algo titánico. Una de las agrupaciones que ha querido ir contra la corriente es Errante, oriundos de Rancagua, quienes celebran el lanzamiento de su nuevo larga duración titulado “Punto de Quiebre”, el tercero de una carrera que comenzó a fines de la década pasada y que, a pesar de su corta vida, ha sabido labrarse un prometedor camino de la mano de una propuesta interesante, que merece ser rescatada del mar de discos olvidados.

ERRANTE 01Errante bebe de las influencias del nü metal, teniendo a bandas como Deftones como uno de sus principales referentes, y cuya influencia sonora se hace notar en gran parte de los cortes presentes en “Punto de Quiebre”. El trío, conformado por Jebu (guitarra y voz), Felipe Rebolledo (bajo y coros), y Gustavo Pinto (batería), se la juega por hacer rock/metal alternativo en un país que pide a gritos un recambio en la escena musical. Con este disco, Errante se erige como un grupo que puede aportar elementos interesantes para lograr ese recambio.

A pesar de que comienza tibio, “Punto de Quiebre” va mostrando de a poco sus cartas, sosteniéndose principalmente en las poderosas secciones instrumentales, que se transforman en la mayor virtud de este disco. Dejando a los instrumentos fluir, es cuando Errante muestra lo mejor de su propuesta. Ya en “Terapia”, el segundo corte del LP, se puede disfrutar el poder del trio en su plenitud, rememorando obligatoriamente a agrupaciones de la talla de Tool, y enganchando por el poder e intensidad que logran. “Sin Pies Ni Cabeza” es un claro ejemplo de esto, comenzando como una canción que no sale del canon que nos ofrecen el resto de las bandas del género, pero que en su sección final explota y se convierte en uno de los mejores temas del disco. Este desequilibrio es un problema que se mantiene a lo largo de todo el disco, y en muchas ocasiones se siente aún más notoria debido a lo plano de las líneas vocales cantadas por Jebu, cuya voz parece no calzar con todas las composiciones del álbum. “Planeta Distante” adolece de estos dos problemas, sintiéndose fuera de lugar, plana y no consecuente con la virtud que se muestra en el resto de las canciones. Por otra parte, “Caminata Lunar” se deja escuchar con un coro efectivo y donde la voz y los instrumentos logran encontrar una armonía. Así también ocurre en la poderosa “Deus Ex Machina”, donde podemos escuchar a Jebu en un registro mucho más duro y directo, que da ese plus al corte. Sería bueno que, en futuros lanzamientos, se estudie con mayor detalle el tema de la voz, ya que es uno de los elementos vitales para marcar la identidad de una banda.

ERRANTE 02Ese sería el único reparo con una placa que en su segunda mitad tira toda la carne a la parrilla. “Nunca Es Tarde Para Aprender A Volar” se mete por terrenos stoner, psicodélicos, y hasta espaciales, dando paso al clímax del álbum con “Punto de Quiebre”, la canción que da nombre al disco y se levanta como “la” gran canción del registro, suficiente para justificar una escucha a un grupo de jóvenes músicos que están haciendo un trabajo más que interesante.

Para terminar, “Cuando Me Perdí En Tus Ojos (Y Nunca Regresé)” es una composición íntegramente instrumental (sólo disponible en el disco físico a modo de bonus track), donde podemos encontrar las mismas atmósferas espaciales que maravillosamente recrean bandas como Explosions In The Sky, fusionadas con los pasajes más desérticos y furiosos de Kyuss. Un gran tema para cerrar un álbum que goza de numerosas virtudes, las cuales aplastan cualquier defecto perfectamente corregible. Bien por Errante que, jugándosela como muchas otras bandas de nuestro país, ha logrado hacerle frente a los obstáculos y dar a luz a un conjunto de canciones que vale la pena escuchar y, mejor aún, conservar en la memoria.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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