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Emmure – Eternal Enemies

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Para adentrarse a este particular “estilo” que desarrollan los norteamericanos originarios de Connecticut, Emmure, basta sólo con escuchar un par de temas para formar una clara idea de cómo es y cómo se comporta la banda. Básicamente son un rip-off de sonidos de la vieja escuela de Meshuggah con voces nü metal, fórmula extraña que da personalidad propia a Emmure, y los convierte en una de las agrupaciones más criticadas y odiadas por los más puristas de estos últimos años. Y es que la agrupación se ha ganado esa fama debido a que, en la gran mayoría de sus discos, sus canciones siempre rayan en la monotonía, la poca creatividad y reflejan la simpleza y absurda forma de componer tanto en líricas como en melodías. Entre sus influencias musicales, claramente percibimos sonidos de bandas iconos de la oleada nü metal noventera; en voz, específicamente, el amado/odiado Fred Durst, referente musical absoluto para Frankie Palmeri, su controversial líder. Una persona radical y algo deslenguada al momento de escribir, y que no tiene miedo a las polémicas. Alimentándose de toda critica y resaltando que él manda, aparece subversivamente con la boca tapada en la portada de este “Eternal Enemies”.

EMMURE 02El disco abre con un controversial “Bring A Gun To School”, canción con un mensaje provocador y directo, y que trata sobre los recurrentes casos norteamericanos de asesinatos con armas de fuego en las aulas estudiantiles, un tema fuerte de entrada que quizás los ponga en situaciones legales. El segundo track, “Nemesis”, tiene un buen groove de comienzo, pero en líricas presenta las mismas temáticas algo expuestas y conocidas de siempre: un mensaje de odio hacia todo el mundo. En“N.I.A (News In Arizona)” continúa la tendencia de riffs a que nos viene acostumbrando la banda y que, a esta altura, es un complemento que forja su sonido; ¿bueno o malo? Depende del receptor.

En“The Hang Up”, Korn es lo primero que se nos viene a la mente, con un groove en bajo y guitarra que gratamente nos recuerda a una de sus inspiraciones noventeras favoritas al momento de componer. “A Gift A Curse” es un tema de una intro interesante en guitarra y con un ritmo bastante enganchador, que pasa de medio tiempo a tiempo completo, incorporando los clásicos breakdowns propios de Emmure, pero con un ritmo y giro distinto al de siempre. Prosigue “E” y nos vuelve a dejar con ese gusto a la particular forma que tiene Jonathan Davis de cantar, recordándonos nuevamente a Korn en los coros. “Like LaMotta” y “Free Publicity” no aportan mucho a la fórmula creativa y pasan al olvido abruptamente con “Most Hated”, pieza con un toque ajeno y que evoca las memorias sonoras de –quizás- Deftones en ciertos parajes, como engranaje fundamental en su composición.

“Grave Markings” sigue en esta senda creativa y nos muestra algo distinto en la forma de componer: una cataclísmica batería junto a la permeable voz de Frankie Palmeri, y unas cascadas de guitarras propias del experimental y poli-rítmico genero djent, dejando un punto alto en el larga duración. En “Hitomi’s Shinobi” presenciamos una explosión de caos junto a la invariabilidad rítmica que suele una vez mas sacar a relucir Emmure, y que no requiere mayor análisis. En cambio “Rat King” nos da un batazo y rompe brevemente la monotónica senda del disco con un puente hacia un agradecido mosh y unos aceptables breakdowns. Ya llegando al final del larga duración, en “Girls Don’t Like Boys, Girls Like 40’s And Blunts”, nos topamos con un particular tema que líricamente es de lo peor en años. Una EMMURE 01letra que describe de manera grotesca y hostil el maltrato/abuso hacia una mujer que, posiblemente, está ebria y drogada en algún carrete típico gringo. Continuamos con “New Age Rambler”, un track que pasa inadvertido y que perfectamente pudo haber sido sacado del disco, porque musicalmente no aporta nada. “We Were Just Kids” es la canción de cierre de este trabajo, y nos deja una especie de mensaje/disculpa apelando a darles el favor por sólo tratarse de niños haciendo niñadas.

En fin, el gusto que deja el disco es de insipiencia, de un mensaje poco claro. “Eternal Enemies” es una propuesta quizá no explicada de buena forma. Lamentablemente, Emmure aún está en etapa de maduración, ya que no sabemos qué tienen en mente, ni hacia dónde quieren llegar como agrupación. Musicalmente no hay un gran progreso; sus raíces están todavía muy marcadas, y se siente que tampoco saben concretar sus ideas de lo que es calidad o no. Lo más probable es que este sea un disco de gusto para los más fanáticos de la banda, ya que sigue las líneas y falencias similares de toda su trayectoria. Sin embargo, la poca creatividad es un problema serio; el hecho de que los tracks en su conjunto suenen como si fueran sólo una canción, y ese constante y monótono riff en uno o dos trastes por track, sumado a la simple grosería sin contenido, hace que, quienes buscan algo más en su música, pasen rotundamente de largo en la propuesta entregada por la banda. El disco vislumbra cambios mínimos y eso es plausible, pero hasta el momento es sólo eso, esbozos de una idea aún en formación.

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4 Comentarios

4 Comments

  1. Pepino

    06-May-2014 en 11:40 am

    ” Emmure aún está en etapa de maduración, ya que no sabemos qué tienen en mente, ni hacia dónde quieren llegar como agrupación. Musicalmente no hay un gran progreso”. Por favor, tu escuchas un disco de emmure y notas de inmediato que se trata de la banda de Palmeri.
    ¿Influencia de fred Durst en las Voces?? Por favor……

    Creo que pasas por alto la evolución en el sonido desde Goodbye to the Gallows hasta hoy.

    Me da la impresion de una opinion sesgada por un tipo que simplemente no le gusta la banda.

  2. Lord Mulder

    06-May-2014 en 8:27 pm

    Quien hizo esta critica? Un niño de 15 años o un viejo de 40?

  3. Cristobal

    08-May-2014 en 10:59 pm

    La verdad, hay mucha razón en el review, dejen de weiar y superenlo la banda hace ene que no sorprende y sale con algo fresco y novedoso. El disco es mas fome que la chucha. Corta.

  4. Franco

    05-Jul-2014 en 1:06 pm

    Si le gusta , bien, sino vayase a la rechucha.

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El Álbum Esencial: “Undertow” de Tool

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Undertow

La portada de todo álbum debiese generar impresiones anticipadas sobre el contenido que este alberga. Bajo esa lógica, ver esa especie de caja torácica roja –que en primera instancia tendría a una mujer obesa y desnuda dentro de ella, pero fue censurada– delante de un fondo negro, no puede más que desconcertar. Si a eso se le suma el intrigante título, “Undertow” (“Resaca” en inglés), esto sólo pude verse potenciado. La estética visual de todo esto simplemente respondía a la proyección del vivo reflejo de la música de Tool. Agonía y desconcierto, no existe otra forma de describirles.

Sin duda alguna, aquello que encierra esta criptica iconografía y perfora nuestro cerebro desde los oídos es difícil de clasificar para la época, o incluso hoy por hoy. A mediados de los 90, todo lo que sonara más o menos distorsionado solía ser etiquetado de grunge o, en el mejor de los casos, como rock alternativo. Pero acá había una diferencia: el uso que se dio a la oscuridad. No hablamos del manto de sombras melancólicas que rodeaba al común de la música de la denominada Generación X, sino que de una penumbra mucho más densa que se manifestaba mediante una catarsis brutal. Pese a su crudeza y visceralidad, también encontramos niveles de introspección y sutileza muy alejados de los márgenes de la escena de la costa oeste estadounidense.

Es habitual que los álbumes debut de una banda expongan una continuidad estética en referencia a los demos, cosa que acá no ocurre. “Undertow”, para ser el primer larga duración, es sumamente complejo, pues marca un temprano punto de inflexión en el trabajo de los oriundos de Los Angeles, cosa que en otras agrupaciones ocurre entrada la discografía. Hay acá una sonoridad mucho más oscura, la que comienza a reemplazar progresivamente el rock más frontal y acelerado presente en el EP “Opiate” (1992). Los temas de tres minutos en donde se lograba apreciar la influencia hardcore que posee la banda, comenzaron a alargarse hasta los seis o más debido a un aumento de versatilidad en las estructuras de cada canción, en donde los pasajes instrumentales empezaron a tomar cada vez mayor relevancia. Comenzaban así a ganarse paulatinamente la etiqueta de “progresivos” y vaya que lo merecían.

Aunque pudiese ser paradójico, la guitarra de Adam Jones no se caracteriza por exponer las destrezas sobrehumanas con las que se está habituado en la mayoría de las bandas denominadas como metal progresivo, aun así, demuestra una técnica inconfundible, en donde el juego entre tonalidades densas y frecuencias que bordean la estridencia entregan diferentes matices a las composiciones. “Bottom”, tema en donde colabora el eterno Henry Rollins, es quizás el más claro reflejo de esto. Por su parte, el trabajo en el bajo de Paul D’Amour suena de forma penetrante y aguerrida, batallando el protagonismo rítmico y melódico en cada compás. La potencia y misticismo de “Flood” se debe en gran medida a la labor de este instrumento. Mismo misticismo que –con vidente de por medio– rodea la salida del bajista tras una gira por Europa promocionando el disco. En el futuro no lejano, sería el británico Justin Chancellor quien se haría cargo de las frecuencias bajas hasta la actualidad.

Si bien, en los instrumentos de cuerdas no podemos apreciar una técnica elevada como lo demandaría el género progresivo, aquello sí se puede hallar en la percusión. Probablemente, la rítmica que impone Danny Carey es el componente más experimental de la propuesta de Tool en sus inicios. Aunque aún no incorporan estructuras demasiado complejas como en posteriores discos, es notoria la variabilidad de los tiempos y la sagacidad con la que se pasea por la batería. Prueba de ello son temas como “Intolerance” o “Swamp Song”. Punto aparte también es el poderoso registro vocal del hoy endiosado Maynard James Keenan, clave para dar forma al tema homónimo del disco, en donde es capaz de saltar de fraseos melodiosos a desgarradores gritos, pasando por diabólicos arrullos con una facilidad inexplicable. Además, durante la promoción del álbum ya comenzaba a dar cuenta de esta particular visión del espectáculo, dado su singular desplante escénico.

Pese a que Tool suele ser clasificado como metal progresivo, en “Undertow” lo vanguardista está en mantener elementos minimalistas al alero de una gran sensibilidad instrumental. Es cosa de escuchar temas que quizás pasan más desapercibidos, como “Crawl Away” o “Swamp Song”, para dar cuenta de aquello, y ni hablar de temas como “4°” y “Flood”, que empezaban a dar pequeños, pero ahora evidentes indicios del camino que la banda tomaría en sus posteriores discos. Quien haya escuchado los casi 16 minutos de “Disgustipated” y diga que no es vanguardista, debe comenzar a cuestionar sus concepciones del mundo.

En cuanto a sencillos, el primer LP de la banda nos entrega “Sober” y “Prision Sex”, los cuales fueron acompañados de perturbadores videoclips promocionales, dirigidos por el mismo Adam Jones. El primer tema, en un ejercicio sublime de minimalismo al ser guiado por una secuencia repetitiva de tan sólo dos acordes, nos habla de la adicción del alcohol –incorporando la concepción cristiana del pecado–. Mientras tanto, el segundo relata la brutalidad de la violación infantil. Este último, dado lo tétrico de las imágenes y la crudeza de su letra, fue duramente censurado por las cadenas televisivas de música, pero como ha ocurrido a lo largo de la historia, el morbo ante lo prohibido sólo ayuda a atraer nuevos adictos e incrementar el peso de los cultos.

Así es como “Undertow”, con todos sus componentes, establece los cimientos de la catedral que posteriormente construiría Tool, dando pie para un largo legado que sigue influenciando a un sinfín de bandas de diversos estilos. Si bien, suele ser denostado por ser el disco menos experimental de la banda y, por ende, el con menos teorías conspirativas alrededor de él, su sonido más duro ha ayudado a consolidar a un grupo no menor de fanáticos de esta obra, quienes incluso profesan que este es el mejor de todos los lanzamientos del grupo. Pero ¿puede segmentarse la discografía de Tool y no comprenderla como un todo? ¿Hay realmente un mejor Tool? Preguntas tan complejas como sus respuestas y el objeto al que apuntan.

De todas formas, sí se puede asegurar algo: ser fan de Tool es probablemente uno de los actos de masoquismo más grandes dentro de la ya auto flagelante vida de los melómanos –podría incluirse dentro de esta patología el ser fan de Radiohead; si se es de ambos, el diagnostico debe ser crítico–. Y es que sentir atracción por aquello que no logramos comprender, por aquello que nos desestabiliza mentalmente por no poder apropiárnoslo, debe ser uno de los males más viejos de la historia de la humanidad. Aquel primer trago de la banda, sin duda, ha generado una resaca que sigue palpitando en nuestras cabezas. Lo único que se espera es mantenerla hasta que Maynard y compañía nos entreguen una nueva dosis de su tan ansiado licor.


Artista: ToolUndertow

Disco: Undertow

Duración: 69:13

Año: 1993

Sello: Zoo Entertainment


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