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Engine Of Hell Engine Of Hell

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Emma Ruth Rundle – “Engine Of Hell”

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Mientras Emma Ruth Rundle se dedicaba a preparar lo que sería su quinto disco, la pandemia y las cuarentenas golpearon su proceso, desajustándolo y arrojándola a lugares oscuros. Atrapada en Kentucky sin la posibilidad de girar y con su pedal Memory Man descompuesto, cayó en el alcohol y en un espiral de malos momentos. Tras un viaje a Gales, se reconectó con su voz, su música y su historia, enfocándose en la composición desgarradora de “Engine Of Hell”.

“Return” es sencillamente un inicio demoledor. Sólo acompañada de piano (este instrumento y guitarra adornan los ocho tracks), Emma pone su particular voz en primer lugar, con una sensibilidad y densidad envolvente. Todo lo anterior queda claro en el nivel de la lírica de un disco en extremo íntimo; Emma enfrentó de tropezón sus problemas y su respuesta fueron estas descarnadas canciones. Tras conocer la tónica de “Engine Of Hell” gracias al single “Blooms Of Oblivion” la propuesta era clara y desnuda: sin sus clásicos pedales, efectos y guitarra eléctrica, decidió refugiarse en tibias melodías acústicas y dar un paso en su trabajo vocal.

Casi susurrando y muy elevada en la mezcla, la voz de Emma se toma por completo el álbum y en diversos tonos, colores y formas. “The Company” aparece como una balada folk tradicional de acordes sencillos, pero con una potencia insólita para una sola guitarra que se cruza con el piano de uno de los puntos altos de este álbum, “Dancing Man”, donde su despliegue vocal es brillante.

Resulta complejo asociar un domicilio musical para la propuesta de Emma Ruth Rundle. Desde su casa discográfica, Sargent House, ha levantado polvo junto a otros nombres igual de intensos, como Lingua Ignota o Chelsea Wolfe, todo asociado a conceptos dentro del post metal, lo gótico o el neofolk. En ese sentido, Emma podría cuadrarse bajo esta última etiqueta, sin embargo, su ambición es mayor. Los arpegios de “Citadel”, casi al final del álbum, demuestran que se siente cómoda con lo acústico, sacando un sonido sumamente interesante a la guitarra, en diferentes tonos y afinaciones, y adaptando muy bien su voz a cualquiera de ellas. Una vez más, el formato balada asoma en “Razor’s Edge”.

En una entrevista Emma confesó que “Engine Of Hell” podía significar que su público le diera la espalda, al ser una propuesta nueva y muy íntima. En ese sentido, la experiencia ha sido lo contrario y, lejos de alejar a su audiencia, está siendo en extremo aglutinante.

“Engine Of Hell” es muy crudo y una experiencia emocionalmente intensa. Es fácil conectar rápidamente con el sentimiento expresado en el álbum, sus letras y su sonido, que a ratos pretende ser imperfecto, pero sólo resulta ser muy sólido, y esa idea de desnudez permite la conexión. Emma Ruth Rundle ha logrado diversificar su sonido y explorar otras variantes, siempre consigo misma, empujando su límite con el instrumento y su propia voz. El resultado es un disco que, sin tener capas de atmósferas, delays o distorsión, suena igual de fuerte con una guitarra acústica y un piano. Y ese descubrimiento, forzado por sus propios temores, le entregó una nueva veta a explotar en su ya excelente repertorio.


Engine Of HellArtista: Emma Ruth Rundle

Disco: Engine Of Hell

Duración: 40:49

Año: 2021

Sello: Sargent House


Discos

Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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