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Emisario Greda – “Anhelario”

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Edificios como personas, personas como edificios. La portada del disco “Anhelario” de Emisario Greda transmite la sensación de un llano desértico, en el que caminan cinco siluetas marrones que encierran dentro de sí un aura azulina. De la mano del sello Quemasucabeza, la banda sacó a la luz un álbum de once canciones que esconden un conjunto de emociones nostálgicas, que se apoyan no sólo en la pulcritud musical, sino que también en un temperamento profundamente intimista, tanto en las letras como en los acentos musicales de una obra que está llena de claroscuros. Las composiciones sintetizan un grupo de vivencias subjetivas profundas, de experiencias incompletas que adquieren un sentido luego de darles un tiempo de espera, de superar procesos existenciales, de olvidarlos o de incorporarlos a la existencia; en definitiva, de ir construyéndose como persona.

“Todo Azul” fue el único single que lanzó la banda antes del lanzamiento del disco. En él, la música provoca una sensación plácida, donde los sintetizadores generan una atmósfera afable sobre la que fluye la batería que genera una sincronía bien planeada junto al bajo. En una línea similar, se encuentran canciones como “Día Bueno”, “Verte Feliz” y “Gotas De Cristal”, esta última probablemente la canción mejor lograda del álbum, con las armonías de voces precisas, la base de batería y bajo sólida, donde en torno a esta misma oscila con dulzura un arpegio de guitarra a lo largo de toda la canción. El uso de sintetizadores genera una atmósfera profunda y otoñal.

El álbum contiene un conjunto de impresiones inocentes y, probablemente, comunes a cualquier experiencia vital. Resultan recurrentes las temáticas como la ansiedad social con respecto al romance y a las relaciones interpersonales en general, retratado en canciones como “Adila” y “Quién Pierde”. En este contexto, un tópico habitual del disco es el dilema de los otros: vivir a partir de las expectativas del resto, que se retrata en canciones como “Superhéroe Infantil”, “Mármol” y en “Dejarte Ir”, donde la letra enuncia: “Si me llego a mostrar, podrían dañar mi ser, por eso no voy a hablar y diré ‘tienen razón’. Cada vez que diga ‘yo’ hablaré de alguien más, cuando me sienta solo reiré con más intención”. Así, cuando el vocalista, Javier Poduje, canta “debo dejarte ir”, se siente también como un “debo dejarme ir a mí mismo”.

En términos de estilo, el álbum resulta difícil de enmarcar en una categoría específica: resuenan influencias diversas que van desde el dream pop, el noise y el folk, hasta el progresivo de los 70. Es en canciones como “Zahir” en que se puede escuchar una síntesis armónica de estilos, donde una melodía en compás de 5/8 recuerda a bandas del progresivo argentino como Serú Girán. Por otra parte “Fruta Caroline” es una canción con un carácter rockero que se distingue radicalmente del resto, que, sin embargo, cumple con otorgar matices al conjunto del álbum.

“Anhelario” probablemente esté entre las mejores producciones del año a nivel nacional. Es un disco cálido, íntimo y se siente profundamente honesto. Emisario Greda logra encontrar una coherencia armónica entre la parte musical y el contenido lírico; estos retratan de manera cuidadosa y bien pensada los pensamientos y emociones que se buscan transmitir de manera vívida. La diversidad de géneros musicales que la influyen converge de manera orgánica, y permiten transmitir de manera acabada un sentimiento que acompaña al conjunto del álbum: una inquietud subjetiva de vivir con otros y, a veces, vivir por otros.

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MARINA – “Ancient Dreams In A Modern Land”

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Ancient Dreams In A Modern Land

Dentro de la variada gama del pop alternativo que surgió en la década pasada, la carrera de Marina Diamandis es una de las más curiosas. Incluso entre sus contemporáneas, como Florence Welch o Lana Del Rey, la cantante siempre pareció una outsider de la escena, sin embargo, en “Ancient Dreams In A Modern Land”, su quinto álbum de estudio, parece ser la primera vez en años que lo acepta y deja de intentar encajar. Cualquiera que haya escuchado “Love + Fear” (2019) sabe que su carrera estaba en un punto complejo, no porque el álbum fuera completamente descartable, sino que por presentar una versión diluida de la artista. Pero basta con escuchar los primeros segundos del tema homónimo de esta nueva pieza para sentirse más tranquilo con lo que se viene.

“Ancient Dreams In A Modern Land” comienza con la que es fácil una de sus canciones más satisfactorias a la fecha, un tema pop con guiños a Britney Spears y Blondie, donde cinemáticas guitarras –propias de un himno ochentero– acompañan sus siempre expresivas vocales, sonando como una continuación directa del sonido que se exploró en “Froot” (2015), pero aumentando aun más el nivel. Líricamente, plantea el tema sociopolítico que tendrá el álbum, así como también su introspectiva mirada a quién es como artista Afortunadamente, las siguientes dos canciones son tan triunfales como el inicio.

“Venus Fly Trap” continúa celebrando su autenticidad, negándose a cumplir las expectativas de la feminidad y seguir su propia ferocidad como una planta carnívora. Esto se acompaña de un instrumental que finalmente le hace justicia a su personalidad y lírica, fuertes guitarras distorsionadas y una euforia que parece no detenerse para todo un viaje sonoro. “Man’s World” demuestra la mejor habilidad de MARINA: su uso del camp para discutir temas de la contingencia. En este himno sobre la opresión a mujeres y la comunidad LGBTQ+, juega con unas eufóricas guitarras en el segundo verso, sin guardarse nada en la exuberante producción, y con un contenido lírico que rescata aquello que la convirtió en una voz fundamental del pop: cuestionar a personas de poder con ingeniosas metáforas que demuestran su personalidad, e ironizando con los problemas sociales del presente y pasado. Pero no todos los puntos son igual de altos.

Sutil es lo que MARINA menos es en el álbum. “Purge The Poison”, aunque brillante en instrumental, pierde su esencia y parece tomarse demasiado en serio. Referencias a Britney Spears y Harvey Weinstein que se tratan con tan poco tacto, que sacan una pequeña sonrisa incómoda, en especial cuando es un claro guiño a su álbum “The Family Jewels” (2010), que se destaca por su ingenio. Similar es el caso en “New America”, que recalca una crítica múltiples veces usada, incluso en su propia discografía, y con mayor éxito, con canciones como “Hollywood”. Es un interesante momento en la música, donde estrellas como MARINA cuestionan el capitalismo de la industria, pero su ejecución no logra hacer justicia a temas tan delicados como la violencia policial en Estados Unidos y la opresión racial sistemática.

MARINA se recupera con fuerza en las canciones restantes, que van desde golpes sentimentales como “Highly Emotional People”, a himnos de la autoaceptación como “I Love You But I Love Me More”. La paleta sonora es quizás la mas cohesiva de su carrera, donde todo el viaje se siente natural y ninguna canción suena fuera de lugar, especialmente con un final épico como “Goodbye”, que mezcla todas sus eras en una despedida que la encamina a un prometedor futuro.

Pese a sus fallas, “Ancient Dreams In A Modern Land” es una muestra de que MARINA no ha perdido ni un poco de la autenticidad con la que conquistó en sus inicios. Del lado de su mejor trabajo instrumental, su personalidad brilla más que nunca y entrega un sonido y punto de vista necesario en el pop, con una perspectiva que sólo una persona como ella podría ofrecer.


Ancient Dreams In A Modern LandArtista: MARINA

Disco: Ancient Dreams In A Modern Land

Duración: 36:07

Año: 2021

Sello: Atlantic


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