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El Álbum Esencial: “Who’s Next” de The Who

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Si se mira con detención la discografía de The Who, en algún momento se hace evidente que algo debió suceder entre el lanzamiento de “Tommy” (1969) y “Quadrophenia” (1973), dos óperas rock de innegable complejidad musical y narrativa, extrañamente intercaladas con un álbum de estudio de corte tradicional y de sólo nueve canciones. Resulta por lo menos llamativo que el cuarteto eligiera dejar de explotar el formato justamente después de que “Tommy” hiciera alcanzar a la banda niveles de reconocimiento y popularidad que antes nunca habían tenido. Es en el corazón de este sinsentido donde se escribe la historia del que terminaría siendo, para muchos, uno de los mejores álbumes de rock de la historia.

“Tommy” fue definitivamente un misil, nadie lo vio venir y arrasó con todo. Sin tratarse de la primera ópera rock (mérito reservado para la banda inglesa Nirvana un par de años antes), sin duda fue la primera obra de estas características que llevó el concepto a oídos de todos. Esto traería como consecuencia una agenda de presentaciones en vivo gigantesca, que terminaría transformando al cuarteto mod londinense en un animal distinto, amo y señor del rock de estadios. Inesperadamente, la historia del niño ciego, sordo y mudo, terminó llevando al cuarteto a ese lugar donde la suma de las partes termina definitivamente superando al todo esperable. Fue en este escenario en que Pete Townshend comenzó a descifrar cómo seguir adelante sin repetirse y, sobre todo, sin bajar el nivel. ¿Qué tal si esta vez, en vez de trabajar la historia desde la dinámica habitual, se forzaba el proceso creativo desde una esquina distinta, donde la interacción con la audiencia no sólo fuera el motor de las presentaciones en vivo, sino que además el espacio donde el proceso creativo sería llevado a cabo? Fue bajo este concepto que nacería “Lifehouse”.

Hoy no parece tan difícil de explicar, sin embargo, cuando en los setentas el autor de “My Generation” abordó a sus compañeros con un proyecto mitad película, mitad banda de sonido, para supuestamente ser desarrollado junto a un puñado de seguidores en una serie de presentaciones en vivo que, de alguna manera, terminarían dando forma al nuevo álbum. Lo cierto es que sonó algo raro. Más aún si consideramos que la línea argumental de la ópera se desarrollaba en un escenario donde las personas vivirían permanentemente conectadas a un sistema llamado “The Grid”, que al estar controlado por el gobierno mantendría al pueblo adoctrinado, hasta que un día, tras conocer “la nota única”, todos los cautivos serían liberados.

A pesar de las aprensiones iniciales, la banda decidió al menos intentar explorar la idea de trabajo de Townshend. Por desgracia, luego de algunas semanas de presentaciones en vivo, los conciertos destinados a trabajar el nuevo material con la audiencia (las míticas presentaciones del Young Vic) demostraron ser un completo fiasco. Si a esto le sumamos el retiro de buena parte de los fondos destinados a la empresa, la falta de credibilidad en el proyecto que rondaba en el aire y la incapacidad de un agotado Townshend para explicar claramente qué era lo que tenía en su cabeza, era esperable que el proyecto terminara derrumbándose. Por fortuna para la música, los conciertos del Young Vic demostraron no ser del todo tiempo perdido, y si bien es cierto no ayudaron a que la idea original llegara a puerto, permitieron que la banda entrara al estudio derechamente a terminar de pulir temas que ya conocían al dedillo. De esta forma, con la ayuda de Glyn Johns en las perillas y con el claro objetivo de sacar adelante lo mejor que habían obtenido de “Lifehouse”, comenzaron a grabar lo que terminaría siendo “Who’s Next”.

Había llegado el momento de dejar atrás las incertezas, y para esto qué mejor que “Baba O’Riley” para dar el puntapié inicial al álbum. La armonía al sintetizador (no un loop como podría parecer) y la arrolladora entrada de Moon, hacen de este track uno de esos destinados a anotarse un lugar en la historia desde su primer minuto de vida. Potente y avasallador, fluye con fuerza a todo lo largo de sus cinco minutos, superándose a sí mismo con cada segundo que recorre. Como si el comienzo no fuese suficiente, el potente mensaje del coro se alza imperecedero (el eterno “teenage wasteland”) y, cuando la tarea ya parece cumplida, el magistral cierre a cargo de Dave Arbus en el violín termina elevando aún más un track, a esas alturas, perfecto.

Y si de himnos se trata, “Who’s Next” los tiene de sobra. A pesar de su aparente sencillez musical, “Behind Blue Eyes” se anota otro de esos momentos irrenunciables. Y es que los méritos de este track, no tienen que ver con lo musical. En esta oportunidad es la sentida y honesta interpretación de Roger Daltrey lo excepcional, sobre todo si consideramos que no se trata de una balada azucarada, lo que tenemos acá es un corte duro y confesional acerca de cómo la vida nos puede llevar a cumplir roles difíciles de comprender, capaces de generar mucho dolor en quienes nos rodean y que, en la práctica, nos obligan muchas veces a reprimir lo que sentimos, arrastrándonos a una existencia irreal y solitaria. Nunca antes el grito de aquellos que hieren a quienes tienen a su alrededor había sonado tan dulce.

Para muchos, sin embargo, lo que hace a “Who’s Next” el álbum que es, son los algo más de ocho minutos de “Won’t Get Fooled Again”. Townshend ya venía experimentado con los sintetizadores hace un tiempo, no obstante, es en este track donde finalmente alcanzan su mayor nivel de complejidad y protagonismo. Ya desde el inicio la base musical se entrega a la adictiva cadencia del órgano Lowrey sintetizado, sin embargo, no es sólo esto lo magnifico del tema: lo increíble es cómo la banda se complementa alrededor de la base. Cuando tenemos al frente a un Keith Moon así de gigante, un Roger Daltrey enfocadísimo, llevando la canción al clímax con un grito bestial, un Pete Townshend haciéndose cargo de sostener toda la energía hacia la mitad de la canción y, principalmente, a un John Entwistle sobrenatural en el bajo, llenando cualquier espacio que pudiera parecer ocioso, es cuando estamos seguros que la banda ocupa definitivamente un lugar en el panteón que reúne a ese puñado de conjuntos donde cada miembro es francamente excepcional.

Fuera de estos tres himnos, los momentos distan mucho de decaer. Mientras “Bargain” rescata con propiedad el sonido rock de estadio que la banda ya manejaba a la perfección, la animada e inconfundible “Going Mobile” opta por innovar, sumando efectos a la guitarra de Townshend. “Love Ain’t For Keeping” abre puertas que la banda aún no exploraba del todo, trabajando un estilo que el conjunto terminaría por abrazar algunos años más tarde con “The Who By Numbers” (1975). Por su parte, “My Wife” (el único corte ajeno a “Lifehouse”) nos trae a un John Entwistle en protagónico, y agrega bronces a un disco ya generoso en capas sonoras. Y finalmente “Getting In Tune”, luego de iniciar con una pausada melodía de bajo y teclado, termina con fuerza incorporando a toda la banda para recordarnos el mensaje original del fallido “Lifehouse”, donde todo giraba en torno a los que estamos frente al escenario.

Más que un álbum de estudio, “Who’s Next” es un testimonio de supervivencia. Ya en la portada se puede ver a los integrantes dejando atrás su pasado y mirando en nuevas direcciones. Se trata de la banda renunciando a sus raíces, a la revolución de las flores y a los sonidos clásicos del formato banda de rock. Ya no sólo manejan las reglas a la perfección, sino que están listos para inventar otras nuevas. Como es lo habitual, no todos entendieron el álbum a la primera, sin embargo, con el tiempo el sonido de estas nueve canciones terminaría grabado a fuego de forma ineludible en el imaginario colectivo no sólo de aquellos que siguen el rock, sino incluso de quienes parecen indiferentes al pasar de la música. Finalmente, la historia se encargaría de darle la razón a Pete Townshend cuando en las primeras estrofas de “Baba O’Riley” declara con fuerza: “No necesito pelear para probar que estoy en lo cierto. No necesito ser perdonado”.


Artista: The WhoWho's Next

Disco: Who’s Next

Duración: 43:38

Año: 1971

Sello: Track Records / Decca Records


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MARINA – “Ancient Dreams In A Modern Land”

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Ancient Dreams In A Modern Land

Dentro de la variada gama del pop alternativo que surgió en la década pasada, la carrera de Marina Diamandis es una de las más curiosas. Incluso entre sus contemporáneas, como Florence Welch o Lana Del Rey, la cantante siempre pareció una outsider de la escena, sin embargo, en “Ancient Dreams In A Modern Land”, su quinto álbum de estudio, parece ser la primera vez en años que lo acepta y deja de intentar encajar. Cualquiera que haya escuchado “Love + Fear” (2019) sabe que su carrera estaba en un punto complejo, no porque el álbum fuera completamente descartable, sino que por presentar una versión diluida de la artista. Pero basta con escuchar los primeros segundos del tema homónimo de esta nueva pieza para sentirse más tranquilo con lo que se viene.

“Ancient Dreams In A Modern Land” comienza con la que es fácil una de sus canciones más satisfactorias a la fecha, un tema pop con guiños a Britney Spears y Blondie, donde cinemáticas guitarras –propias de un himno ochentero– acompañan sus siempre expresivas vocales, sonando como una continuación directa del sonido que se exploró en “Froot” (2015), pero aumentando aun más el nivel. Líricamente, plantea el tema sociopolítico que tendrá el álbum, así como también su introspectiva mirada a quién es como artista Afortunadamente, las siguientes dos canciones son tan triunfales como el inicio.

“Venus Fly Trap” continúa celebrando su autenticidad, negándose a cumplir las expectativas de la feminidad y seguir su propia ferocidad como una planta carnívora. Esto se acompaña de un instrumental que finalmente le hace justicia a su personalidad y lírica, fuertes guitarras distorsionadas y una euforia que parece no detenerse para todo un viaje sonoro. “Man’s World” demuestra la mejor habilidad de MARINA: su uso del camp para discutir temas de la contingencia. En este himno sobre la opresión a mujeres y la comunidad LGBTQ+, juega con unas eufóricas guitarras en el segundo verso, sin guardarse nada en la exuberante producción, y con un contenido lírico que rescata aquello que la convirtió en una voz fundamental del pop: cuestionar a personas de poder con ingeniosas metáforas que demuestran su personalidad, e ironizando con los problemas sociales del presente y pasado. Pero no todos los puntos son igual de altos.

Sutil es lo que MARINA menos es en el álbum. “Purge The Poison”, aunque brillante en instrumental, pierde su esencia y parece tomarse demasiado en serio. Referencias a Britney Spears y Harvey Weinstein que se tratan con tan poco tacto, que sacan una pequeña sonrisa incómoda, en especial cuando es un claro guiño a su álbum “The Family Jewels” (2010), que se destaca por su ingenio. Similar es el caso en “New America”, que recalca una crítica múltiples veces usada, incluso en su propia discografía, y con mayor éxito, con canciones como “Hollywood”. Es un interesante momento en la música, donde estrellas como MARINA cuestionan el capitalismo de la industria, pero su ejecución no logra hacer justicia a temas tan delicados como la violencia policial en Estados Unidos y la opresión racial sistemática.

MARINA se recupera con fuerza en las canciones restantes, que van desde golpes sentimentales como “Highly Emotional People”, a himnos de la autoaceptación como “I Love You But I Love Me More”. La paleta sonora es quizás la mas cohesiva de su carrera, donde todo el viaje se siente natural y ninguna canción suena fuera de lugar, especialmente con un final épico como “Goodbye”, que mezcla todas sus eras en una despedida que la encamina a un prometedor futuro.

Pese a sus fallas, “Ancient Dreams In A Modern Land” es una muestra de que MARINA no ha perdido ni un poco de la autenticidad con la que conquistó en sus inicios. Del lado de su mejor trabajo instrumental, su personalidad brilla más que nunca y entrega un sonido y punto de vista necesario en el pop, con una perspectiva que sólo una persona como ella podría ofrecer.


Ancient Dreams In A Modern LandArtista: MARINA

Disco: Ancient Dreams In A Modern Land

Duración: 36:07

Año: 2021

Sello: Atlantic


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