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Toxicity Toxicity

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El Álbum Esencial: “Toxicity” de System Of A Down

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Existen varios episodios y circunstancias que obligan a valorar a “Toxicity” de System Of A Down como uno de los mejores trabajos jamás realizados dentro del inmenso campo del rock. Ciertamente, las razones y las variables para considerar un álbum por sobre otros se inscriben en el infinito campo de la diversidad humana y la subjetividad, sin embargo, es un hecho contundente también que es impensable la creación artística y musical sin la necesaria atención a ennoblecidos y ejemplares referentes. Así las cosas, durante muchos años y en varias ocasiones y reuniones me enfrasqué en acaloradas discusiones por la elección de “Toxicity” entre mis álbumes predilectos y esenciales en el largo desarrollo del rock. Me desgasté intensamente buscando argumentos y solidificando mi convicción de esta (incomprendida) selección, pero con ello devino la tranquilidad, la claridad y la memoria. Creo que hoy la cuestionada elección e íntima conexión con “Toxicity” no merece seguir siendo explicada, pues ese intento va en directo perjuicio del calificativo de clásico o eterno del que dicho álbum ya forma parte.

Por los años en los que System Of A Down comenzó a dominar y ganar terreno en la escena musical a comienzos de los 2000, yo era un tranquilo escolar que gustaba de pasar sus tardes oyendo e investigando sobre música, en su mayoría prestada por compañeros con algo más de poder adquisitivo y acceso a sonidos nuevos. Intimidante, bestial o ruidoso, fueron algunos de los apelativos y de las ideas que compartimos con mis camaradas de escucha sobre “Toxicity”, comentarios que de alguna manera inexplicable también llegaron y alertaron a nuestros padres sobre nuestras incomprensibles inclinaciones musicales de juventud. Frente a este escenario, y ante la mirada inquisidora de los mayores, nuestro interés por esta clase de sonidos más agresivos, duros y provocadores ya estaba desatada y, ciertamente, ni la más efectiva caza de brujas podría haberlo acabado.

“Toxicity” fue publicado sólo una semana antes de que la historia de la compleja relación entre Occidente y Oriente se distanciara aún más, o definitivamente se quebrara tras los atentados a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001. A ese antecedente hay que añadir la procedencia armenia de los miembros de System Of A Down, quienes, totalmente comprometidos con su identidad y sus lejanas raíces, se volcaron a cuestionar abiertamente la agresiva y expansiva política de las potencias occidentales sobre los países del Medio Oriente.

Un dato relevante en este relato es que Armenia es un país transcontinental, que se sitúa en una frontera imaginaria entre dos grandes ámbitos geográficos: Europa y Asia. Quizás esta misma e inusitada situación geográfica los llevó a vivir la terrible experiencia del Genocidio Armenio a inicios del siglo XX por parte del gobierno turco. Ciertamente, las vivencias de las familias de los miembros de System Of A Down han nutrido su imaginario, delineando y determinando sus posturas políticas expresadas en sus cortantes e irónicas letras. La historia, la política y la música se intersectaban y se interpelaban no azarosamente aquel año, y “Toxicity” fue sin lugar a dudas uno de sus principales hitos y motivos. En estricto rigor, no solamente esta destacada obra musical de SOAD da luces de sus amplios merecimientos como disco esencial, sino el álgido momento y todo el contexto que rodeó la concepción, la publicación y las repercusiones que el disco generó en el mundo entero. No por nada, al mismo tiempo en que el cemento del centro económico mundial se desplomaba luego de ser envestido por dos aviones, “Toxicity” fuel el disco más oído y comprado en Estados Unidos por esas semanas.

Hace un tiempo, mientras leía una reseña en una revista siendo un estudiante universitario, existió una frase que me conectó, sin saber por qué, con el disco: “El éxito de la sociedad en crear, mantener y expandir las condiciones para el florecimiento de la juventud, sólo se manifiesta a cabalidad cuando esa juventud se torna a criticar despiadadamente a la sociedad que la produjo”. El sentido intimidante de la afirmación se acentuó cuando volví a mirar y a escuchar el disco que todavía se encuentra en mi reducida pero emotiva colección discográfica. Por “Toxicity” desfilan incontables problemáticas culturales expresadas en letras directas, acompañadas de un sonido penetrante, rupturista y desafiante a cualquier intento de calma. Es un trabajo que puede ser descrito como desastrosamente ruidoso e intenso, pero no por ello carente de armonías y texturas sonoras. Son prácticamente 45 minutos distribuidos en 14 rabiosas composiciones que martillean y golpean profundamente a quien intenta acometerle (dejo fuera a “Arto” por ser un intento instrumental que se aleja de la sonoridad inscrita y representada en el disco).

Principalmente, siempre se ha hablado de “Chop Suey!”, de “Toxicity” y de “Aerials” (los tres sencillos que allanaron el camino a la banda aquel año) como lo más representativo e hipnótico de la placa, y ciertamente lo son, pues, donde sea que la banda se haya presentado los fans las corearon con vigor y energía. Sin embargo, quedarnos con ello sería reducir la totalidad del trabajo a un par de ideas y eclipsar su valor real. El primer cuarto de hora, antes de llegar a “Chop Suey!” lógicamente, son un millón de cortantes riffs y de guturales vocalizaciones que azotan los sentidos. “Prison Song”, “Needles”, “Deer Dance”, “Jet Pilot” y “X” se encargan de molernos a palos.

“Chop Suey!”, con toda su densa estética y polémica lírica, fue prohibida en Estados Unidos por hablar abiertamente del suicidio, y con el tiempo se transformó en el hit por excelencia de la banda norteamericana. Quedan de este registro frases tan imperecederas, y que en un contexto de búsqueda de identidad adquieren una connotación adicional, como “Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu. Padre, ¿por qué me has abandonado? En tus ojos me has abandonado, en tus pensamientos me has abandonado, en tu corazón me has abandonado”.

“Bounce”, “Forest” y “ATWA” son tres potentes composiciones que bien conectan con la línea del disco. “Science” es una de mis canciones favoritas, pues pocas veces he escuchado una canción tan certera y evocadora que se encargue de criticar uno de los pilares culturales de la sociedad moderna: la ciencia. Verdadera y rotunda medicina a la incomprensión e inconformismo. “Shimmy” le prepara el camino a “Toxicity” casi en la media hora de duración. Quien la ha oído e interiorizado intencionadamente, sabe que es una aplanadora de sonido. “Psycho” y “Aerials” son dos canciones que regularmente aparecen en los shows de la banda, y que se encargan de cerrar rotundamente un disco lleno de agresividad adolescente, mezclada con intensidad profética de caos y desorden.

No bastando, ni siendo suficiente con el sonido, “Toxicity” incluso es sugerente y atractivo por la propuesta visual de su portada y por los videoclips que sirvieron de promoción al disco. En la cara que sirve de presentación al álbum encontramos el icónico letrero situado en la colina del Monte Lee, donde se puede leer la inscripción promocional de Hollywood en Los Angeles, California. La parodia y atrevimiento de la banda se deja entrever al ironizar con un reconocido ícono de la cultura norteamericana y transformarlo en símbolo de una ciudad tóxica y despreciable. Por su parte, los clips del disco, que recorrieron las pantallas de MTV en aquellos años, presentaban a cuatro jóvenes aguzados en la expresión corporal, trasmitiendo fielmente desencanto envuelto en enormes cantidades de energía. Al menos, para mí -y creo que para muchos- fueron los mensajes que recibimos de “Chop Suey!” y “Toxicity” principalmente.

“Toxicity”, para muchos, fue un refugio en un momento en que la identidad necesitaba perfilarse, canalizarse y orientarse hacia algún lado, cualquiera fuese este. Sus sonidos y sus letras delinearon y definieron parte importante de los intereses musicales de jóvenes que deambulaban intentando tomarse de algo y, así, encontrar algún sentido en el mar de sonidos que habitan la Tierra. Asimismo, el álbum marcó la consagración para la banda y, junto con ello, amplió notoriamente los horizontes que hasta ese entonces habíamos conocido de lo que la prensa categorizó como nü metal. Ese septiembre de 2001 marcó un antes y un después tanto en la política como en la música. Encontrarse con “Toxicity” es incluso hoy una experiencia sublime, pues reúne y mezcla un cargamento importante de pólvora, historia, ímpetu y juventud. Sin lugar a dudas, los años le seguirán dando la razón.


Artista: System Of A DownToxicity

Disco: Toxicity

Duración: 44:01

Año: 2001

Sello: American / Columbia


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3 Comentarios

3 Comments

  1. Gustavo Díaz

    27-Jul-2017 en 6:29 pm

    Excelente reseña. Sin duda, Toxicity tiene un lugar destacado en la historia del rock and roll.

  2. Sincero

    30-Jul-2017 en 8:21 am

    Album sobrevaluado. Una voz muy cansadora, canciones cursis y un guitarrista que repite motivos todo el tiempo. Se refleja el malisimo nivel musical que habia en general a comienzos del 2000.

    • Amadeus

      04-Sep-2017 en 10:28 pm

      A Mozart le gusta esto xDDD

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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