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El Álbum Esencial: “OK Computer” de Radiohead

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Cuando “OK Computer” apareció en la faz de la Tierra en el año 1997, la escena mundial del rock estaba dominada por el britpop. Además, aún se sentían los estragos del fugaz auge y abrupta caída del grunge. En sus dos primeros discos, Radiohead fue tildado muchas veces de ser heredero de estas dos tradiciones y cargó sobre sus hombros con el peso del éxito de estos movimientos sin siquiera querer identificarse con ellos. Había que escapar de los estereotipos que hasta ese entonces se erguían sobre el rock y sobre ellos. La idea contemplaba hacerlo mediante la elaboración de un disco experimental o, por lo menos, algo que fuera mucho menos comercial que su predecesor, “The Bends”, de 1995.

El plan era osado; no muchas veces se ha escuchado que una banda intente sabotear su propia trayectoria, hostigada por los créditos logrados gracias a ella misma. Desde que lanzaron el sencillo “Creep” en 1992, la fama los comenzaba a alcanzar progresivamente, mientras en paralelo los destrozaba, subjetivamente hablando. Cuatro fatigantes años de giras continuas alrededor del orbe fueron material suficiente para motivar este intento de auto-atentado musical que, como se ha de saber, el devenir de la historia y del mercado hizo fracasar, catapultando aún más a la banda hacia el tan aborrecido estrellato –estrellándose literalmente con el–.

Hay que ser majaderos en considerar que las giras fueron materia prima en las mentes y cuerpos de Selway, Yorke, O’Brien y los hermanos Greenwood. Experimentar la incomunicación directa con miles de personas y la comunicación distante con quienes importan –gracias a la web–, junto con la vivencia en carne propia de los efectos de la globalización, fueron claves para decretar el claustro en que se sumergieron durante algunos meses de 1996 y programar al androide. Considerando todo lo anterior, se entiende que no tuvo nada de antojadizo que el disco se comercializara primero en Japón que en Europa o Norteamérica, pues es un país fuertemente golpeado por “la era de las comunicaciones”.

Al momento de dar a luz, inesperadamente para ellos, los críticos cayeron rendidos a sus pies. Se estructuró todo un entramado de teorías alrededor de esta obra y, como suele ocurrir en este tipo de casos, las especulaciones sobre los mensajes ocultos y metáforas tras las letras abundaron. Fue la misma prensa la que ayudó a construir un concepto alrededor del álbum, el cual –según sus propios autores– era inexistente. Y es que resulta sencillo suponer que el todo intenta difundir una idea generalizada, pues tras la composición y su redacción hay una lectura crítica de la sociedad contemporánea; Thom Yorke ha señalado haber estado muy influenciado por intelectuales críticos del neoliberalismo, como lo son Eric Hobsbawm y Noam Chomsky.

Junto con lo anterior, las comparaciones con otros emblemas contemporáneos del rock alternativo no tardaron en llegar. Otros más extremistas, los tildaron –de merecida forma– como los nuevos Pink Floyd. De cierta forma, la banda asumió su idolatría por los creadores de “Wish You Were Here” (1975) haciendo un homenaje, estampando en el CD a la pareja de personas de traje saludándose de la mano que está presente en dicho clásico álbum de rock progresivo. Por otro lado, es imposible obviar que ambas agrupaciones, desde una faceta totalmente experimental y de vanguardia para sus respectivas décadas, utilizaron la misma cima del éxito para criticar a la sociedad de mercado moderna.

Obviamente, un disco no es sólo sus conceptos presentes (o ausentes), lo concreto son los temas, los que en el caso de “OK Computer” expresan y consolidan el sonido de la agrupación oriunda de Abingdon. Hay acá una planificación perfecta ante una diversidad incuantificable de emociones puestas a disposición de nuestros oídos. En gran parte, el LP está cargado hacia la melancolía y nostalgia, presente en las canciones “Exit Music (For A Film)”, “No Surprises”, “The Tourist” y “Let Down”. A su vez, no abandona las guitarras distorsionadas y ritmos enérgicos de un rock más duro, característico de anteriores lanzamientos, donde “Airbag”, “Subterranean Homesick Alien” y “Electioneering” son materialización de aquello.

En un término medio están los escalofriantes acordes de “Climbing Up The Walls” y “Lucky”, cuya versatilidad sonora y manipulación de frecuencias genera atmósferas tétricas y ensimismantes. Además, no se puede pasar por alto la experimentación tecnológica de “Fitter Happier”, en donde utilizan el modulador de un otrora moderno PC Macintoch para entonar mecánicos fraseos sobre lo que debiese ser el buen vivir acorde a la sociedad post industrial de fines de siglo, en una clara critica a la imposición de estas conductas.

Sin embargo, más allá de los favoritismos personales de cada uno de los devotos de esta catedral del rock alternativo, es innegable que son dos los temas que marcan con exactitud todo lo que puede llegar a significar “OK Computer” y, tal vez, todo Radiohead. Por un lado, está la esquizofrénica y post apocalíptica pieza en donde la cibernética, la política y la depresión forjan alianza: “Paranoid Android”. La consternada voz de Yorke declama preguntas al aire mientras una robótica voz recalca “Quizás sea paranoico, pero no un androide”, haciendo un juego de paradojas y obviedades, mientras nos involucran involuntariamente en la trampa. Ante esto, Jonny Greenwood, quien ha declarado odiar los solos de guitarra, realiza una de las mejores demostraciones en la discografía de la banda de su destreza en el instrumento. Utilizando secuenciadores de música electrónica para manipular las frecuencias, el músico da cátedra de la infinidad de posibilidades que entrega la electricidad. A su vez, los parajes oscuros parecen escrutar un manifiesto sobre la compasión ante uno mismo y la ira ante la demagogia de la política contemporánea.

Por otro lado, está la inconfundible introducción de piano y guitarra acústica de la balada “Karma Police”, tema que se convirtió en el gran himno de la banda y cierre obligado de la mayoría de sus presentaciones en vivo. Hay acá una metáfora sobre la falta de entendimiento en una era donde supuestamente están todas las facilidades para que la comunicación entre individuos se concrete. Por más que se intenta escapar de esta condena, son los coros de Selway los que nos incitan a firmar un pacto onírico, en donde se nos advierte que lo único que obtendremos es la pérdida de nuestro propio ser, entregándonos a la totalidad del sufrimiento en la música, en la búsqueda del otro y en la absoluta complicidad con quienes se encuentran en nuestra misma condición.

Al igual que una autopista que parece no tener conexión con el mundo, la sonoridad explora y nos sumerge en lo más profundo del individualismo de nuestra época. Es la materialización del miedo a la soledad y a la sociedad, en tiempos donde las conexiones son punzantes e invasivas, todo en clara alusión al ir y venir de la vida globalizada. Y pese a que el disco fue lanzado en un contexto de expansión de la cibernética moderna por el mundo y del primer bum democrático del internet, fenómenos que hoy en día están más que consolidados, su mensaje –aunque supuestamente no lo posea, gusta creer que sí lo hay– se mantiene con una vigencia infranqueable. ¿No es acaso habitual comentarle a nuestra computadora o celular que todo está bien cuando las cosas no lo están?

En fin, mucho se ha escrito sobre esta obra, y probablemente mucho más se llegue a redactar al respecto, pues cualquier relato, referencia o análisis sobre él es insuficiente para abarcar la magnanimidad del que para muchos es el mejor disco de rock de los noventa o, por qué no pensarlo, de las últimas dos décadas. Pero si es que se puede llegar a una sola conclusión, se puede sentenciar que con el lanzamiento de “OK Computer”, Radiohead logró llevar a su punto de máxima gloria al rock alternativo, para de paso aniquilarlo. Hoy somos millones los agradecidos ante tal crimen.


Artista: RadioheadOk Computer

Álbum: OK Computer

Duración: 53:21

Año: 1997

Sello: Parlophone / Capitol


 

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4 Comentarios

4 Comments

  1. Sincero

    10-Ago-2017 en 6:47 am

    Disco sobrevalorado si los hay. Esta bien pero no es para tanto. Brillo en una epoca de muy mala musica.

    • Hay cada weón

      10-Ago-2017 en 12:25 pm

      Hace tiempo no veía a un weón escribir tanta imbecilidad en tan pocos caracteres. Junta plata y cómprate un par de oidos sacowea, y de pasaita un cerebro.

    • marcio

      10-Ago-2017 en 10:55 pm

      pendejo ,pon en contexto, analiza haz el esfuerzo por favor!!!

    • Jay

      11-Ago-2017 en 9:09 am

      …”Época de muy mala música”

      Quizás la idea es este personaje es generar polémica, cosa que es muy fácil. Pero acaso sabrá que en 1997, junto con OK Computer ¿se lanzaron varios de los discos más importantes de la música contemporánea?, ¿Qué probablemente gracias a esos discos es posible todo lo que escucha hoy?

      En fin.

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Alain Johannes – “Hum”

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Hum

La carrera de Alain Johannes habla por sí sola. Como “hombre en las sombras” ha sido el responsable de un sonido único, presente en diversos proyectos icónicos y también legendarios a esta altura. Sin embargo, su presencia fuera de ese cascarón es más rica, atractiva e intensa, debido a su gran capacidad para construir melodías y sentimientos que comunica con fuerza a través de la pequeña cigarbox guitar que lo ha acompañado con identidad y como estampa.

Ahora da vida a “Hum”, su tercer disco como solista y uno de sus trabajos más íntimos. Inspirado en la muerte y la pérdida de sus seres queridos, Johannes se sobrepone al dolor refugiado en la reflexión y en un escape casi catártico. La sombría introducción de “Mermaid’s Scream” es vital para ello y afirma que el trabajo lírico se moverá directo en esa línea, permitiendo tenues espacios para la interpretación.

Es aquella experiencia la que nutre de referencias todo el álbum; un claroscuro que habla mucho del autor y su interior. Johannes se abre con facilidad y deja entrar la luz entre las capas de “If Morning Comes”, o bien se sumerge en un sonido profundo y oscuro con “Sealed”. Es posible sentir y compartir la energía que transmite este disco, grabado en apenas doce días. Desde el encierro, la terapia liberadora de la música queda como manifiesto en lo que el narrador pretende: “Aquí, en el silencio / Aquí viviremos otro día, se oye entre las capas de “Here In The Silence”.

Como ha sido la tónica desde “Spark” (2010), Alain toma las cuerdas con especial atención y dedicación. A esta altura, un músico que se relacionó de cerca con importantes figuras del rock, deja de lado los cables y el volumen para enfocarse en la sencillez de los arreglos acústicos y explorar todo tipo de instrumentos de cuerda. En “Hum” abundan los matices y las texturas gracias al abanico que incluye guitarras resonadoras, de 12 cuerdas, e incluso instrumentos no convencionales.

La imponente presencia de lo acústico hace que “Hum” transite en una línea más allá del folk o del rock. La facilidad con la que alcanza los arpegios en tracks como “Someone” o “Free”, incluyendo cada uno de los detalles de la cautivadora interpretación de Johannes a cargo de esas cuerdas, se hace cada vez más interesante hasta el quiebre en el penúltimo track, “Nine”, donde aquello se funde con bases electrónicas, dando paso a una experimentación que bien le sienta al álbum en aquel momento de su desarrollo, sin carencias ni una sobrecarga de detalles para seguir dejando a la placa como un ejercicio desnudo y directo.

¿Dónde se encuentran las claves de “Hum”? Más allá de atreverse y tomar ese riesgo, el álbum apuesta con seguridad a acompañar y complementar un imaginario junto a lo melódico. El pasado, y cómo conecta la música hacia diferentes experiencias, pareciera dar en el punto de este renacer cálido, íntimo y personal de Alain Johannes; un zumbido que necesita del silencio del confinamiento para resonar aún con más fuerza.


Artista: Alain Johannes

Disco: Hum

Duración: 2020

Año: 34:47

Sello: Ipecac Recordings


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