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El Álbum Esencial: “Mellon Collie And The Infinite Sadness” de The Smashing Pumpkins

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Existen muchos discos excelentes, pero son pocos los que nos acompañan durante toda nuestra vida. Pocas cosas que se sienten similares a escuchar un álbum que se vuelve parte de nuestra biografía, y probablemente las más cercanas de aquellas sean dos: el sentimiento de enamorarse y el sentimiento de la pérdida de un ser querido. Esos dos hechos vitales caben en un principio que Sigmund Freud denominó el Eros y el Tánatos; el amor y la muerte, que envuelven las instancias más significativas de nuestra existencia e impregnan eso que como humanos llamamos “el sentido de la vida”. Escuchar un disco que se vuelve parte de nuestra vida significa justamente eso: vivir a partir de él como quien comparte sus alegrías con sus seres amados, o extraviarse en él como quien se pierde en la más profunda tristeza, cuando uno se siente morir en vida.

El álbum “Mellon Collie And The Infinite Sadness” (1995) de The Smashing Pumpkins para muchos se ha vuelto una pieza fundamental de nuestra biografía, porque es como la vida misma: un inevitable ir y venir de alegrías y sufrimientos. En su momento, Billy Corgan pensó un álbum de dos discos que pretendió ser el “The Wall” (1979) de quienes vivieron su adolescencia durante los noventa, la llamada “Generación X”. Y, a pesar de que el frontman de la banda afirmó que no se trataba de un álbum estrictamente conceptual y que tenía un carácter más “vago y suelto” que sus discos anteriores, este se basaba en “la condición humana del sufrimiento mortal”. No obstante, ha sido el tiempo el que se encargó de crear una mística en torno a la obra, otorgándole su propio carácter conceptual.

“Dawn to Dusk” y “Twilight to Starlight” (“Del amanecer al anochecer” y “Del ocaso a la luz de las estrellas”) es la división que separa los dos discos del álbum. Todo un día, de luz y oscuridad. Tal vez el carácter conceptual del disco no haya sido tan importante para Billy Corgan, D’arcy Wretzky, James Iha y Jimmy Chamberlin, pero qué importa, la vida misma se habría de encargar de darle una unidad al disco, a su arte y a la variabilidad del mismo, porque sencillamente en cada claro de la existencia se crean penumbras y porque en una primera instancia es bien difícil poner en una misma línea temas descarnados, como “Fuck You (An Ode To No One)” o “Zero”, junto a la ternura de canciones como “Farewell And Goodnight” o la tranquila “Lily (My One And Only)”.

El imaginario lunar del arte del disco, que combinó una estética victoriana etérea con las ideas ornamentales tras la película de Georges Méliès, “Le Voyage Dans La Lune” (“Viaje A La Luna”, 1902), ayudan a llenar el disco de un aura propia que está entre lo onírico y lo anacrónico, donde pareciera que siempre queda algo por oír. El disco adquiere tintes nuevos cada vez que se lo escucha, ya sea en el deleite del adolescente errático, algo sensible y extraviado, o en el primer cuarto de vida, ese adulto-joven medio tristón. Probablemente, en diez años más vayamos a admirar esta pieza desde otra vereda, cuando adquiera otros tintes e ilumine otras áreas de nuestra existencia que en este momento no podemos ni imaginar.

“Mellon Collie And The Infinite Sadness” nos inserta en la antiquísima contraposición de la luz y la oscuridad, y nos pone en sintonía con esas dos pulsiones que gobiernan gran parte de nuestra existencia: el amor y la muerte. Ya sea en el extravío de la adolescencia o en la inercia de la vida adulta, este disco evoca un estado particular de confortabilidad, un sentimiento de protección que es propio de un bello sueño. Haber crecido junto a este álbum lo convierte en parte de la vida misma; vibrar con él cada vez que se lo escucha es sentirse en casa.


Artista: The Smashing Pumpkins

Disco: Mellon Collie And The Infinite Sadness

Duración: 121:39

Año: 1995

Sello: Virgin


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Deftones – “Ohms”

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Ohms

Se vale decir que lo de Deftones a estas alturas es una carrera sin altibajos. La extraña época del denominado nü metal, que vio nacer y morir a variados proyectos, quedó atrás y es nada más que un rótulo para una banda que rápidamente expandió sus horizontes. Así ha sido el recorrido de Deftones que, con nueve discos, se sacudió del estereotipo para desembocar en álbumes como “Ohms”.

Y es que su último trabajo va más allá de lo etéreo y las atmósferas. O, al menos, desde otra perspectiva. Pese a ser una banda que transita por intensas sensaciones, nunca había estado tan clara la línea entre aquellos elementos. Gracias al reencuentro con Terry Date, un viejo conocido en la producción (“Adrenaline”, “Around The Fur”, “White Pony”, “Deftones”), la banda plantea un interesante equilibrio: los arreglos conviven –y se escuchan– sin quitarse protagonismo. No sobran, no son caprichosos, no son antojadizos.

“Genesis” y “Ceremony” representan un poco aquella relación. La primera, como single, elevó las expectativas y cumplió. Por su parte, el segundo track, mucho más melódico y limpio, permite apreciar mejor los matices que estarán presentes a lo largo del álbum. Es difícil exigirles siempre un poco más a bandas como Deftones, ya que a estas alturas el conjunto no necesita demostrar más que calidad; su sonido se encuentra tan arraigado, que toda sorpresa es un detalle más de una meticulosa producción.

Resulta curioso que aquellos detalles esta vez no quedaron a cargo de las cuerdas y un par de efectos, sino que pasaron a ser administrados con mayor protagonismo por Frank Delgado en los sintetizadores y máquinas. Así, todo dialoga orgánicamente a la par de un inspirado Stephen Carpenter, que se atreve a jugar con los compases, como en “Urantia”, y se desata con estridencia en los ensordecedores pasajes de “Error” y la bella “Pompeji”, quizá la canción más completa del disco. Toda esa potencia y densidad puede responder a muchas variantes y posibilidades. ¿Cómo hacer contrapeso y acompañar a Carpenter? ¿Es más que una decisión estética que en cada disco sume más cuerdas a la guitarra principal?

La seguridad que entrega Sergio Vega en el bajo ha sido un aporte de frescura y actitud, como queda demostrado en “Radiant City”. Si bien, su participación en la banda ya cumple cuatro álbumes, hoy más que nunca se trata de su disco, y “Ohms” debería ser revisado bajo su prisma. Su presencia es aglutinante, está sumamente marcada y funciona en complicidad. Según entrevistas, Vega aportó activamente en la composición y con los riffs más potentes, asumiendo ese rol de compañía y contraparte. Su estilo no pasa inadvertido y ha potenciado varias virtudes del grupo. Por un lado, las guitarras más graves de Carpenter y, por otro, las baterías de un Cunningham menos atrevido, pero manteniéndose igual de intenso.

Con “Ohms”, más allá del cliché que puede significar volver a los orígenes, Deftones ha sabido administrar un concepto más que robusto, que no descansa tan sólo en un desfile de distorsiones para riffs profundos y veloces. Su complejidad radica en las posibilidades que exploran con el pasar del tiempo, dotando a sus canciones de una sensibilidad e intimidad que dialoga con una experiencia oscura y agresiva.


Artista: Deftones

Disco: Ohms

Duración: 46:17

Año: 2020

Sello: Reprise


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