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El Álbum Esencial: “Marquee Moon” de Television

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Estamos en 1977, un año donde la película “Rocky” seguía arrasando en la taquilla norteamericana, a la vez que Fleetwood Mac acababa de lanzar el icónico “Rumours”. Fue el año en que Bowie comenzaba su “Trilogía de Berlín” junto a Brian Eno, lanzando “Low”, el primero de tres álbumes en conjunto con el productor inglés. Esta también fue una época donde la escena punk del CBGB se asomaba en la industria con los álbumes debuts de Blondie y Ramones, lanzados el año anterior.

Más allá de eso, existió un grupo de jóvenes que decidieron esperar el momento adecuado para entregar su placa debut, rechazando a cuanto sello discográfico se pusiera por delante, deseosos de producir a un joven cuarteto llamado Television, quienes, comandados por el vocalista y guitarrista Tom Verlaine, optaron por salirse del punk más convencional para abrazar un sonido ligado a las guitarras más limpias, letras más poéticas y una forma de tocar arraigada en el jazz. Dicho sonido llevaría posteriormente el nombre de post-punk, generando una buena cantidad de clásicos para la posteridad. Uno de los primeros de ellos fue el álbum “Marquee Moon”, que se transformaría en un verdadero precedente para la música alternativa.

Comenzando su gestación en 1974, “Marquee Moon” se desarrolló alejándose de todo el ruido y la descuidada producción del punk estilo Ramones, inclusive de la parafernálica y adornada forma de producir que utilizaba Brian Eno, a quien se dieron el lujo de rechazar luego de grabar un demo junto a él ese mismo año. La intransable decisión de Verlaine y el guitarrista Richard Lloyd de realizar el álbum a su manera permitió que Television diera con el trabajo que ellos buscaban, evidenciando sus grandes habilidades musicales, su dominio de la guitarra y la incomparable capacidad de estirar canciones como “Marquee Moon” o “Torn Curtain” bajo el alero del jamming, improvisando y agregando extensos solos entre medio. Contando con tan buenas composiciones como “See No Evil”, “Venus” o “Prove It”, son esas dos pistas mencionadas anteriormente las que le dan el carácter conciso y evolucionado a la obra total. Sin la presencia de ellas, posiblemente sería sólo un conjunto de muy buenas canciones.

Adicionalmente, las presentaciones en vivo de la banda reforzaron más aún la impecable forma de interpretar que Television poseía. Las potentes bases rítmicas del bajista Fred Smith y el baterista Billy Ficca se intercalaban perfectamente con las secciones de improvisación de Verlaine y Lloyd, generando escalas, partes melódicas, distorsiones y muchos otros atributos a un sonido que se cimentó en el arte, con temáticas relacionadas a la vida en el bajo Manhattan y la decadente bohemia neoyorquina, además de tópicos psicodélicos y un profundo estilo metafórico gracias al vasto conocimiento de Verlaine sobre el Romanticismo literario del siglo XIX.

Más allá de la agotada fórmula de álbum conceptual (muy prominente por esos años), “Marquee Moon” está desarrollado íntegramente como si fuera una obra de arte, capturando un sentido, una esencia y un concepto que se aleja de encuadrar todas las canciones en un mismo hilo conductor. “Marquee Moon” es un álbum honesto, conciso e indiscutiblemente pionero en el sonido neoyorquino que predominó en los años posteriores. Como piedra angular del indie rock, inspiró a bandas como Pixies, Sonic Youth o incluso U2, llegando a tener un alcance tan grande como para llegar a la actualidad, siendo citado por bandas contemporáneas a nuestro tiempo como The Strokes o Echo & The Bunnymen.

Hay discos cuya importancia no se ve reflejada en su éxito comercial, sino más bien en el impacto que produjeron en generaciones y generaciones de músicos, quienes vieron en su obra una enorme inspiración. La premisa general que siempre tuvo Television fue la de hacer las cosas contra la corriente, alejándose de lo que todas las bandas en la época estaban buscando. En contraparte al sonido punk de esos años, Television quiso aportar un sello más serio y complejo, no al punto de los extensos solos de Grateful Dead, pero sí estructurados en una fórmula ligada al avant-garde, permitiendo los primeros bosquejos de un sinfín de estilos predominantes hasta el día de hoy.

Hay muchos artistas que aportaron grandes obras a la historia de la música; los años 70 vieron ejemplos como David Bowie, Lou Reed o también Bob Dylan, pero existen también los que, fuera de entregar un disco tras otro, ejecutaron una obra con principio y fin, un hito sin precedentes ni fallidas segundas partes, un álbum de identidad propia y un legado dispuesto eternamente para las futuras generaciones.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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