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El Álbum Esencial: “Marquee Moon” de Television

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Estamos en 1977, un año donde la película “Rocky” seguía arrasando en la taquilla norteamericana, a la vez que Fleetwood Mac acababa de lanzar el icónico “Rumours”. Fue el año en que Bowie comenzaba su “Trilogía de Berlín” junto a Brian Eno, lanzando “Low”, el primero de tres álbumes en conjunto con el productor inglés. Esta también fue una época donde la escena punk del CBGB se asomaba en la industria con los álbumes debuts de Blondie y Ramones, lanzados el año anterior.

Más allá de eso, existió un grupo de jóvenes que decidieron esperar el momento adecuado para entregar su placa debut, rechazando a cuanto sello discográfico se pusiera por delante, deseosos de producir a un joven cuarteto llamado Television, quienes, comandados por el vocalista y guitarrista Tom Verlaine, optaron por salirse del punk más convencional para abrazar un sonido ligado a las guitarras más limpias, letras más poéticas y una forma de tocar arraigada en el jazz. Dicho sonido llevaría posteriormente el nombre de post-punk, generando una buena cantidad de clásicos para la posteridad. Uno de los primeros de ellos fue el álbum “Marquee Moon”, que se transformaría en un verdadero precedente para la música alternativa.

Comenzando su gestación en 1974, “Marquee Moon” se desarrolló alejándose de todo el ruido y la descuidada producción del punk estilo Ramones, inclusive de la parafernálica y adornada forma de producir que utilizaba Brian Eno, a quien se dieron el lujo de rechazar luego de grabar un demo junto a él ese mismo año. La intransable decisión de Verlaine y el guitarrista Richard Lloyd de realizar el álbum a su manera permitió que Television diera con el trabajo que ellos buscaban, evidenciando sus grandes habilidades musicales, su dominio de la guitarra y la incomparable capacidad de estirar canciones como “Marquee Moon” o “Torn Curtain” bajo el alero del jamming, improvisando y agregando extensos solos entre medio. Contando con tan buenas composiciones como “See No Evil”, “Venus” o “Prove It”, son esas dos pistas mencionadas anteriormente las que le dan el carácter conciso y evolucionado a la obra total. Sin la presencia de ellas, posiblemente sería sólo un conjunto de muy buenas canciones.

Adicionalmente, las presentaciones en vivo de la banda reforzaron más aún la impecable forma de interpretar que Television poseía. Las potentes bases rítmicas del bajista Fred Smith y el baterista Billy Ficca se intercalaban perfectamente con las secciones de improvisación de Verlaine y Lloyd, generando escalas, partes melódicas, distorsiones y muchos otros atributos a un sonido que se cimentó en el arte, con temáticas relacionadas a la vida en el bajo Manhattan y la decadente bohemia neoyorquina, además de tópicos psicodélicos y un profundo estilo metafórico gracias al vasto conocimiento de Verlaine sobre el Romanticismo literario del siglo XIX.

Más allá de la agotada fórmula de álbum conceptual (muy prominente por esos años), “Marquee Moon” está desarrollado íntegramente como si fuera una obra de arte, capturando un sentido, una esencia y un concepto que se aleja de encuadrar todas las canciones en un mismo hilo conductor. “Marquee Moon” es un álbum honesto, conciso e indiscutiblemente pionero en el sonido neoyorquino que predominó en los años posteriores. Como piedra angular del indie rock, inspiró a bandas como Pixies, Sonic Youth o incluso U2, llegando a tener un alcance tan grande como para llegar a la actualidad, siendo citado por bandas contemporáneas a nuestro tiempo como The Strokes o Echo & The Bunnymen.

Hay discos cuya importancia no se ve reflejada en su éxito comercial, sino más bien en el impacto que produjeron en generaciones y generaciones de músicos, quienes vieron en su obra una enorme inspiración. La premisa general que siempre tuvo Television fue la de hacer las cosas contra la corriente, alejándose de lo que todas las bandas en la época estaban buscando. En contraparte al sonido punk de esos años, Television quiso aportar un sello más serio y complejo, no al punto de los extensos solos de Grateful Dead, pero sí estructurados en una fórmula ligada al avant-garde, permitiendo los primeros bosquejos de un sinfín de estilos predominantes hasta el día de hoy.

Hay muchos artistas que aportaron grandes obras a la historia de la música; los años 70 vieron ejemplos como David Bowie, Lou Reed o también Bob Dylan, pero existen también los que, fuera de entregar un disco tras otro, ejecutaron una obra con principio y fin, un hito sin precedentes ni fallidas segundas partes, un álbum de identidad propia y un legado dispuesto eternamente para las futuras generaciones.

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MARINA – “Ancient Dreams In A Modern Land”

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Ancient Dreams In A Modern Land

Dentro de la variada gama del pop alternativo que surgió en la década pasada, la carrera de Marina Diamandis es una de las más curiosas. Incluso entre sus contemporáneas, como Florence Welch o Lana Del Rey, la cantante siempre pareció una outsider de la escena, sin embargo, en “Ancient Dreams In A Modern Land”, su quinto álbum de estudio, parece ser la primera vez en años que lo acepta y deja de intentar encajar. Cualquiera que haya escuchado “Love + Fear” (2019) sabe que su carrera estaba en un punto complejo, no porque el álbum fuera completamente descartable, sino que por presentar una versión diluida de la artista. Pero basta con escuchar los primeros segundos del tema homónimo de esta nueva pieza para sentirse más tranquilo con lo que se viene.

“Ancient Dreams In A Modern Land” comienza con la que es fácil una de sus canciones más satisfactorias a la fecha, un tema pop con guiños a Britney Spears y Blondie, donde cinemáticas guitarras –propias de un himno ochentero– acompañan sus siempre expresivas vocales, sonando como una continuación directa del sonido que se exploró en “Froot” (2015), pero aumentando aun más el nivel. Líricamente, plantea el tema sociopolítico que tendrá el álbum, así como también su introspectiva mirada a quién es como artista Afortunadamente, las siguientes dos canciones son tan triunfales como el inicio.

“Venus Fly Trap” continúa celebrando su autenticidad, negándose a cumplir las expectativas de la feminidad y seguir su propia ferocidad como una planta carnívora. Esto se acompaña de un instrumental que finalmente le hace justicia a su personalidad y lírica, fuertes guitarras distorsionadas y una euforia que parece no detenerse para todo un viaje sonoro. “Man’s World” demuestra la mejor habilidad de MARINA: su uso del camp para discutir temas de la contingencia. En este himno sobre la opresión a mujeres y la comunidad LGBTQ+, juega con unas eufóricas guitarras en el segundo verso, sin guardarse nada en la exuberante producción, y con un contenido lírico que rescata aquello que la convirtió en una voz fundamental del pop: cuestionar a personas de poder con ingeniosas metáforas que demuestran su personalidad, e ironizando con los problemas sociales del presente y pasado. Pero no todos los puntos son igual de altos.

Sutil es lo que MARINA menos es en el álbum. “Purge The Poison”, aunque brillante en instrumental, pierde su esencia y parece tomarse demasiado en serio. Referencias a Britney Spears y Harvey Weinstein que se tratan con tan poco tacto, que sacan una pequeña sonrisa incómoda, en especial cuando es un claro guiño a su álbum “The Family Jewels” (2010), que se destaca por su ingenio. Similar es el caso en “New America”, que recalca una crítica múltiples veces usada, incluso en su propia discografía, y con mayor éxito, con canciones como “Hollywood”. Es un interesante momento en la música, donde estrellas como MARINA cuestionan el capitalismo de la industria, pero su ejecución no logra hacer justicia a temas tan delicados como la violencia policial en Estados Unidos y la opresión racial sistemática.

MARINA se recupera con fuerza en las canciones restantes, que van desde golpes sentimentales como “Highly Emotional People”, a himnos de la autoaceptación como “I Love You But I Love Me More”. La paleta sonora es quizás la mas cohesiva de su carrera, donde todo el viaje se siente natural y ninguna canción suena fuera de lugar, especialmente con un final épico como “Goodbye”, que mezcla todas sus eras en una despedida que la encamina a un prometedor futuro.

Pese a sus fallas, “Ancient Dreams In A Modern Land” es una muestra de que MARINA no ha perdido ni un poco de la autenticidad con la que conquistó en sus inicios. Del lado de su mejor trabajo instrumental, su personalidad brilla más que nunca y entrega un sonido y punto de vista necesario en el pop, con una perspectiva que sólo una persona como ella podría ofrecer.


Ancient Dreams In A Modern LandArtista: MARINA

Disco: Ancient Dreams In A Modern Land

Duración: 36:07

Año: 2021

Sello: Atlantic


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