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El Álbum Esencial: “London Calling” de The Clash

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Cuando se lanzó “London Calling”, el vinilo incluía un sticker que decía “Dieciocho nuevas canciones de la única banda que importa”. Lo más probable es que sólo se haya tratado de un gancho publicitario, sin embargo, y visto en retrospectiva, fue efectivamente con este álbum que The Clash probaría de manera inequívoca estar un paso más adelante que sus compañeros de escena. Con tan sólo tres años de carrera y dos discos a su haber, la banda sintió la necesidad de reevaluar los límites de su propuesta. La caricatura de lo que hasta ese entonces se había definido como punk comenzaba a sentirse demasiado rígida para el conjunto, y si bien proponer un cambio en el sonido de la banda era sin duda un riesgo, parecía peor seguir encerrados en un espacio donde ya no se sentían cómodos.

Tratándose de un álbum correcto, “Give ’Em Enough Rope” (1978) terminaría dejando a la banda con la sensación de que habían perdido algo. El sonido no dista radicalmente de lo que entregaran en su álbum debut, sin embargo, la solicitud de CBS de hacer un disco con un sonido más pulido los obligó a perder un poco de su alma en el estudio. Necesitaban volver al ruedo con un larga duración potente, que se sintiera vivo y que, al mismo tiempo, les permitiera dar rienda suelta a su inquietud creativa sin tener que estar permanentemente mirando de reojo las etiquetas que les habían colgado. Para esto, qué mejor que incorporar a Guy Stevens en la producción del álbum. Famoso por descubrir a The Who, el inglés justamente era conocido por facturar discos honestos y apasionados, sin perder el tiempo intentando producir obras musicalmente perfectas, precisamente lo que necesitaba el conjunto.

La energía, de hecho, sería finalmente tan relevante en este álbum, que incluso terminaría tomándose la portada. La foto de Paul Simonon a punto de destrozar su bajo, acompañada del nombre del disco en letras de color rosado y verde rememorando el debut discográfico de Elvis, llegaría para instalarse como una de las postales definitivas del mundo del rock, logrando transmitir de manera perfecta el concepto original del álbum (inicialmente llamado “The Last Testament”) que pretendía alzar a “London Calling” como el “último disco de rock & roll”, capaz de unir en sesenta minutos el inocente idealismo de los sesenta con la rabia de los setenta, para poner punto final a toda una era musical.

Los primeros tres minutos del disco se encargarían de patear cabezas al más puro y tradicional estilo punk. Guitarra y batería entran juntas sin ningún tipo de preámbulos, para luego golpear duro cada una de las notas encargadas de acompañar la apocalíptica y sombría imagen que nos regala Joe Strummer desde los vocales. Se trata de una Inglaterra opaca y abúlica, abandonada a la paranoia de la guerra fría. El S.O.S en clave morse que sale de la guitarra de Jones en los últimos segundos de la canción, se convertiría en el grito de auxilio de toda una generación asfixiada en fantasmas heredados a la fuerza. Sin embargo, si bien la canción que da nombre al álbum es un perfecto himno punk, tan solo unos minutos después el cuarteto comenzaría bruscamente a plasmar lo que finalmente se transformaría en su gran declaración de principios, consistente en incorporar de forma explícita y desvergonzada nuevos elementos sonoros a una propuesta musical que comenzaba a correr el riesgo de sonar monótona y predecible.

El contagioso y pausado jazz blues de “Jimmy Jazz” sería el primer golpe que daría la banda a los puristas del estilo, dejando en evidencia que, si bien estaban seguros a la hora de explorar nuevas vetas musicales, de alguna manera seguían sintiendo cierta incomodidad al hacerlo. Las líneas “Me siento como un soldado / Me veo como un ladrón” apuntan justamente en ese sentido, con el cuarteto sintiéndose aún parte del grito de denuncia del mundo punk, al mismo tiempo que caían en cuenta que el cambio de estilo haría que sus pares ya no los volvieran a ver con los mismos ojos que en el pasado (no necesariamente de manera condescendiente por lo demás).

“Rudie Can’t Fail” y “Wrong ‘Em Boyo” abrirían la puerta a nuevos ritmos. La primera de ellas de marcada identidad reggae saludaría a la subcultura rude boy presente en Inglaterra, mientras que la segunda se aprovecharía del tema compuesto por Clive Alphonso para fusionar rythm & blues con ska. En esta línea, no obstante, sería el skank de “The Guns Of Brixton” (compuesta por Paul Simonon) el corte que se robaría la película. La pesada línea de bajo y la monotonía vocal de Simonon se alzarían con el tiempo como el himno perfecto a la hora de denunciar la rabia e impotencia de llevar una vida bajo permanente escrutinio y abuso policial. El pop, por su parte, también se anotaría excelentes momentos. “Spanish Bombs” denunciaba los horrores de la guerra civil española, mientras que la contagiosa y entrañable melodía de “Lost In The Supermarket” disecaría los vicios de la vida en los suburbios y el consumismo vacío. En la misma línea, “The Card Cheat” se anotaría el momento Phil Spector del álbum, rompiendo filas con la identidad sonora de todo el resto del larga duración.

Por último, como si la combinación de punk, reggae, jazz y ska en el mismo álbum, no hubiera sido suficiente, la banda terminaría por sumar algunos toques de funk y disco de la mano de “I’m Not Down” y “Train In Vain”, ambos himnos instantáneos. El primero de ellos nacido para levantar espíritus en momentos de adversidad, mientras que “Train In Vain” pasaría a la historia no sólo como uno de los mejores y más antiguos tracks escondidos al final de un álbum (involuntariamente en un principio, ya que no aparecía en los créditos por que el corte se incorporó a última hora debido a que la banda no llegó a acuerdo con NME para lanzar este track por separado para promover el disco), sino que se alzaría finalmente como el primer sencillo de la banda en alcanzar el top 30 en las listas estadounidenses, abriendo definitivamente las puertas de un nuevo mercado al cuarteto.

“London Calling” es uno de esos discos únicamente destinados a crecer con el tiempo. Con cada día que pasa, el número de individuos que sigue cayendo rendido a sus encantos sólo parece aumentar (sin ir más lejos, Garbage sampleó en “Stupid Girl” la batería de Topper Headon en “Train In Vain” dieciséis años después de que el álbum viera la luz), reivindicando no simplemente la apuesta lírica de la banda (anclada en una realidad desafortunadamente no tan distinta a la que vivimos hoy) sino que además alzando al disco como un verdadero testamento de cómo se pueden atravesar los límites de lo estilístico sin perder un ápice de actitud. Tratándose posiblemente del álbum con el sonido menos punk de la segunda mitad de los setenta, por actitud y convicción “London Calling” sigue siendo hasta el día de hoy uno de los mejores discos de punk de la historia.

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El Álbum Esencial: “A Night At The Opera” de Queen

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A Night At The Opera

Al abrir la versión en vinilo de “A Night At The Opera” (1975) uno se encuentra con una imagen reveladora en su funda interior: una foto de Queen en vivo, adueñados totalmente de su hábitat natural, el escenario. Ciertamente es una sentencia, es el retrato de una agrupación que nació para ser grande y con este disco lo logró con creces, se ganó la inmortalidad. Además, como si fuera poco, tuvo el doble mérito de ser el gran salvavidas de las arcas de la banda en momentos en que su relación con el sello Trident llegó a su punto más bajo. Era muy difícil imaginar que podían facturar un verdadero testamento sónico mientras atravesaban una situación tan turbulenta con su casa grabadora, sin embargo, la placa fue la coronación definitiva para cuatro compositores que lograron confluir canciones muy distintas, aunque siempre dentro de su estética clásica, pese a los tormentosos tiempos que enfrentaban.

Gracias al arrollador éxito obtenido por el tercer disco, “Sheer Heart Attack” (1974), y especialmente por el single “Killer Queen”, Freddie Mercury, John Deacon, Roger Taylor y Brian May llegaron a lo más alto en los rankings musicales de todo el orbe y eran recibidos por hordas de fanáticos en países como Japón o Estados Unidos, no obstante, el dinero seguía siendo esquivo para la banda. Cuando firmaron el contrato con Trident Studios en 1972, el acuerdo consistía en que iban a grabar el disco para la compañía productora y luego esta se lo vendería a la casa discográfica, hecho que provocó que Queen no recibiera las regalías de los trabajos que vendían y, obviamente, provocó una crisis económica mayúscula entre sus integrantes.

Toda la rabia causada por esa situación se vio reflejada en una de las canciones más belicosas jamás creadas por Mercury: “Death On Two Legs (Dedicated To…)”, una verdadera declaración de odio cuya progresión de piano se tiñe con un tono siniestro gracias al tritono de la guitarra de Brian May, un riff que el herido Freddie creo en el piano y que el ondulado guitarrista va marcando con su Red Special. La música logra reflejar el hastío, la falta de respeto y lo vulnerado que se sentía el frontman en ese período, pero también la presión a la que estaban sometidos debido a las deudas que contrajeron con todo su equipo de iluminadores, tramoyas, entre otros, a causa del inconveniente con Trident. Así las cosas, terminaron su trato y recurrieron al mánager John Reid para que pudiera salvarlos de todo ese infierno que estaban viviendo. Las palabras de Reid simplemente fueron: “entren al estudio y hagan el mejor disco de sus vidas”.

Para Queen esto era de vida o muerte; si el disco no era exitoso, no tendrían otra opción que separarse. Este fue un factor determinante que los llevó a usar el estudio como un laboratorio para sacarle el mayor provecho posible, tal y como había hecho Jimi Hendrix y The Beatles antes que ellos, influencias directas para crear canciones tan eclécticas como “Lazy On A Sunday Afternoon”, en la que el ingeniero Gary Lyons y el productor Roy Thomas Baker utilizaron el efecto “megáfono”, que consistía en que las voces cantadas en el estudio se reproducían en unos audífonos metidos en una lata de metal y luego un micrófono recogía ese sonido desde la lata. El increíble crisol de voces y el perfeccionismo de la agrupación consiguió que el proceso fuera un período de gran aprendizaje, además de propiciar que todos los integrantes se sintieran a sus anchas para incluir sus aportes.

Precisamente, el hecho de que cada miembro era un compositor en sí mismo ayudó a que el disco tuviera distintas caras y, a su vez, reflejara las personalidades de cada uno. Acostumbrado a dejar su estampa en cada publicación, el aporte de Roger Taylor en “A Night At The Opera” –nombre que sacaron de una película de los Hermanos Marx– es ciertamente uno de sus puntos cúlmines. Cuando el baterista de voz rasposa le presentó el demo de “I’m In Love With My Car” a Brian May, este pensó que era una broma, pero nada hacía presagiar que una canción dedicada a Jonathan Harris (roadie de la banda que compartía el fanatismo automovilístico con Taylor) llegaría a ser tan importante como para ocupar la cara B del single de “Bohemian Rhapsody”, y con esto el baterista terminaría ganando la mitad de los beneficios económicos de la ventas del single. Esta no es la típica canción de Taylor, que siempre defendió un estilo encajado en los cánones del rock más convencional, tanto en canciones lentas como en otras más aceleradas, es una composición excesiva y abultada con una exquisita mezcla de voces que agregan dramatismo y que termina con el rugido furioso de su auto, el Alpha Romeo.

La poderosa intromisión de Roger contrasta con la delicadeza de “You’re My Best Friend”, compuesta por John Deacon. El bajista emergió desde las sombras y creó lo que sería el primero de varios éxitos para el conjunto, entre los que más tarde se incluirían “Another One Bite The Dust” o “I Want To Break Free”, además facturó quizá una de las composiciones de amor más bellas de la historia de la banda, y eso que pueden regodearse de tener varias. Este es un ejemplo de cómo las armonías constituyen una de las mejores armas secretas de la agrupación, ya que pareciera que van contando historias paralelas que se suman al fino teclado Fender Rhodes al estilo Motown tocado por el mismo Deacon, quién batalló con los demás para sacarla como single, en una jugada que terminó siendo acertada. No cabe ninguna duda de que, con esta cara más amable, la banda quería apostar a la masividad y tuvieron razón: hasta el día de hoy es una de las favoritas de las radios estadounidenses.

En la otra cara de la moneda, “‘39” no corrió la misma suerte, a pesar de que Brian apostó todas sus fichas para que la sencilla canción de folk espacial llegara al gran público, pero solo logró que quedara como cara B del single compuesto por Deacon. Es impresionante como May logró poner la ciencia al servicio de una canción que trata sobre un astronauta que viaja por el universo para descubrir nuevos mundos, pero que, traicionado por la teoría de la relatividad y la velocidad de la luz, regresa al cabo de cien años de una travesía que para él solo duró uno, formulando así una gran alegoría sobre los sentimientos de un artista que tiene que abandonar a sus seres queridos para salir de gira y encontrar que todo ha cambiado a su regreso.

Otras canciones como “Sweet Lady”, una descarga total de adrenalina rockera en la que May desborda riffs afilados y solos monumentales, “Good Company”, una reposada tonada compuesta con un ukelele-banjo que intenta emular el jazz de los años veinte, o la descomunal “The Prophet’s Song”, obra grandilocuente llena de recovecos instrumentales, que Brian toca con la guitarra afinada de manera distinta para darle más profundidad al instrumento y en la que se vierten todas sus fantasías musicales cercanas al rock progresivo, nos hablan de un guitarrista que siempre buscaba colores distintos, sin que esto necesariamente abrumara a los oyentes con complejidades que no pudieran entender, sino que aportaba detalles sorprendentes que transformaban cada canción en un viaje.

En ese sentido, May contaba con una tripulación que podía conducir ese periplo a los parajes sonoros más impresionantes que la música popular haya conocido, y para esto, nadie podría haber tomado mejor el timón –o el control del transbordador espacial para estar más a tono con Brian– que Freddie Mercury, un personaje totalmente teatral y dueño de una adaptabilidad melódica y lúdica como podemos apreciar en “Seaside Rendezvous”, o que puede lucir desgarrado, desnudo y sensible en una de sus baladas más conocidas, “Love Of My Life”, dedicada a Mary Austin, a quienes muchos señalan como el verdadero amor de la vida de Freddie,  en la que hace gala de un registro que proyecta emoción y romanticismo con una precisión inconmensurable. La forma de ser extrovertida y desinhibida de su actuación en vivo le aseguran su lugar en la historia como uno de los mejores showman de la historia, pero Freddie era mucho más que eso.

Sólo un músico de una calidad tan extraordinaria podría haber dado vida a una pieza tan trascendental como “Bohemian Rhapsody”, un verdadero monumento artístico que muchos han intentado interpretar, pero cuyo real significado se fue a la tumba con Mercury. La canción rompió todos los moldes posibles en una época en que los singles tenían que durar tres minutos; demasiado críptica para ser un éxito, decían algunos. Además, no sigue ningún esquema convencional de composición, está plagada de flashbacks y flashforwards, conectando ideas que a simple vista carecen de todo sentido. Aun así, su principio a capella, la secuencia de guitarra, piano, bajo y batería, el interludio operático, el final al más puro estilo del hard rock más afilado y sus referencias a personajes clásicos como Scaramouche, el payaso de la commedia dell’ arte; Galileo, el astrónomo, y Belcebú, entre otros, se unen en un hechizo mágico que todavía logra encantar a generaciones.

“A Night At The Opera” no solo marcó un punto de inflexión en el desarrollo artístico de la agrupación británica, sino que logró salvarlos de la quiebra total gracias a sus tres millones de copias vendidas, lo que les abrió la puerta para tocar ante cien mil personas en el Hyde Park de Londres y los catapultó para siempre como el mejor acto de rock en el planeta. De hecho, ese fuego espiritual que sale de los parlantes cuando el álbum cierra con “God Save The Queen” nos hace sentir en un estadio, logra que veamos a Mercury con su capa de rey recorriendo el escenario con la corona en la mano. Cuando un disco sigue impresionando de forma constante y se mantiene fresco sin que su pomposidad lo vuelva anticuado, es porque supera el paso del tiempo y se transforma en un verdadero golpe a la cátedra, efecto que Queen logra con una capacidad casi tan grandilocuente como su sonido.


Artista: QueenA Night At The Opera

Disco: A Night At The Opera

Duración: 43:10

Año: 1975

Sello: EMI / Elektra


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