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El Álbum Esencial: “Grace” de Jeff Buckley

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Es difícil tratar de describir un álbum cuya existencia es la única en la trayectoria discográfica del artista, ya sea por retiro o, en algunos casos lamentables, la muerte. Expectativas, historia, proyección artística, todo confluye, pero cuando la música habla por sí sola, desde lo críptico y a la vez hermoso, lírico y musical, aparecen álbumes como “Grace” de Jeff Buckley, placa debut y oficialmente única en su carrera promisoria truncada por una muerte muy prematura.

Buckley, hijo del cantautor de folk rock setentero Tim Buckley, de carrera corta pero exitosa, debutó como cantante en un concierto tributo a su padre, donde dejó maravillados a los asistentes por su manejo vocal (Jeff tenía cuatro octavas y media, y su padre tres y media). Así comenzó un periplo por bares neoyorkinos que le dieron la confianza para atrever apuntarse con lo que fue su ópera magna que abre los fuegos con “Mojo Pin”, una composición conjunta con Gary Lucas, su fiel amigo guitarrista de gira. El álbum tuvo lenta aceptación comercial, pero aclamada aceptación entre sus pares como Bob Dylan, Jimmy Page, Paul McCartney y Thom Yorke; de este último se sabe que asistió a un concierto de Buckley e, impactado por la potencia emocional del show, volvió al estudio donde Radiohead estaba grabando “The Bends” (1995) y regrabó las guitarras y partes vocales de “Fake Plastic Trees” en solamente tres tomas.

“Grace” fue y sigue siendo una amalgama sobrecogedora de folk, rock, jazz y blues de alta carga emocional, pero también Buckley supo darse gustos y rearmar furiosas versiones en vivo, como la guitarrera “Eternal Life”. El track que le da nombre al álbum es también una composición conjunta entre Buckley y Lucas, mientras que “Last Goodbye” es una pieza poderosa de rock alternativo sazonada con bellos arreglos de cuerdas, siendo su single de mayor éxito comercial.

El primero de los dos celebrados covers que habitan este álbum son “Lilac Wine”, originalmente del actor y cantante cincuentero James Shelton y popularizado por Nina Simone. El segundo, y lejos el más aclamado, es “Hallelujah”, citada por muchos como la versión definitiva de la canción compuesta por Leonard Cohen, en la cual desarrolló y mostró totalmente su montaña rusa de registros vocales.

Hay un tercer cover de un villancico tradicional, presumiblemente del siglo XVI, llamado “Corpus Christi Carol”, que es en realidad una variación de la versión de la soprano Janet Baker. En su conjunto parecería que la temática es de corte religioso, pero desde una perspectiva muchísimo más oscura dadas sus letras, a las que le otorgó un contenido críptico, varias de ellas hablando de la muerte, como “Eternal Life”: “Eternal life is now on my trail / Got my red glitter coffin, man, just need one last nail” (“La vida eterna está ahora frente a mí / Tengo mi ataúd rojo brillante preparado y sólo necesito un último clavo”), escalofriantemente premonitorio por lo demás. Otra alegoría se incluye en “Dream Brother”, la que se presume dedicada a su padre: “Don’t be like the one who make me so old / don’t be like the one who left behind his name” (“No seas como el que me hizo tan viejo / no seas como aquel que me abandonó tras su nombre”).

Como ya fue mencionado antes, es difícil trazar un relato sobre un disco debut, pero Buckley tenía un trasfondo, una historia, un talento heredado, aunque distante, que hizo de “Grace” una especie de misa maldita en la que Buckley fue gestor, compositor de sublimes y oscuros réquiems, y de incluso su propia elegía, testigo y ejecutor. Si hay un dios, como dicen, sólo él sabe cuál habría sido el destino final del sonido de “Sketches For My Sweethart The Drunk”, una compilación póstuma con el avance de lo que fue el inconcluso segundo álbum, que se vio interrumpido por su muerte mientras se adentraba en las aguas de aquel río Wolf cantando a todo pulmón “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin para no volver jamás con vida. De todos modos, si “Grace” terminó siendo su único legado, es más que suficiente para entrar en los anales de la música contemporánea con honor y respeto casi religioso.


Artista: Jeff BuckleyGrace

Disco: Grace

Duración: 51:43

Año: 1994

Sello: Columbia


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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