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El Álbum Esencial: “Grace” de Jeff Buckley

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Es difícil tratar de describir un álbum cuya existencia es la única en la trayectoria discográfica del artista, ya sea por retiro o, en algunos casos lamentables, la muerte. Expectativas, historia, proyección artística, todo confluye, pero cuando la música habla por sí sola, desde lo críptico y a la vez hermoso, lírico y musical, aparecen álbumes como “Grace” de Jeff Buckley, placa debut y oficialmente única en su carrera promisoria truncada por una muerte muy prematura.

Buckley, hijo del cantautor de folk rock setentero Tim Buckley, de carrera corta pero exitosa, debutó como cantante en un concierto tributo a su padre, donde dejó maravillados a los asistentes por su manejo vocal (Jeff tenía cuatro octavas y media, y su padre tres y media). Así comenzó un periplo por bares neoyorkinos que le dieron la confianza para atrever apuntarse con lo que fue su ópera magna que abre los fuegos con “Mojo Pin”, una composición conjunta con Gary Lucas, su fiel amigo guitarrista de gira. El álbum tuvo lenta aceptación comercial, pero aclamada aceptación entre sus pares como Bob Dylan, Jimmy Page, Paul McCartney y Thom Yorke; de este último se sabe que asistió a un concierto de Buckley e, impactado por la potencia emocional del show, volvió al estudio donde Radiohead estaba grabando “The Bends” (1995) y regrabó las guitarras y partes vocales de “Fake Plastic Trees” en solamente tres tomas.

“Grace” fue y sigue siendo una amalgama sobrecogedora de folk, rock, jazz y blues de alta carga emocional, pero también Buckley supo darse gustos y rearmar furiosas versiones en vivo, como la guitarrera “Eternal Life”. El track que le da nombre al álbum es también una composición conjunta entre Buckley y Lucas, mientras que “Last Goodbye” es una pieza poderosa de rock alternativo sazonada con bellos arreglos de cuerdas, siendo su single de mayor éxito comercial.

El primero de los dos celebrados covers que habitan este álbum son “Lilac Wine”, originalmente del actor y cantante cincuentero James Shelton y popularizado por Nina Simone. El segundo, y lejos el más aclamado, es “Hallelujah”, citada por muchos como la versión definitiva de la canción compuesta por Leonard Cohen, en la cual desarrolló y mostró totalmente su montaña rusa de registros vocales.

Hay un tercer cover de un villancico tradicional, presumiblemente del siglo XVI, llamado “Corpus Christi Carol”, que es en realidad una variación de la versión de la soprano Janet Baker. En su conjunto parecería que la temática es de corte religioso, pero desde una perspectiva muchísimo más oscura dadas sus letras, a las que le otorgó un contenido críptico, varias de ellas hablando de la muerte, como “Eternal Life”: “Eternal life is now on my trail / Got my red glitter coffin, man, just need one last nail” (“La vida eterna está ahora frente a mí / Tengo mi ataúd rojo brillante preparado y sólo necesito un último clavo”), escalofriantemente premonitorio por lo demás. Otra alegoría se incluye en “Dream Brother”, la que se presume dedicada a su padre: “Don’t be like the one who make me so old / don’t be like the one who left behind his name” (“No seas como el que me hizo tan viejo / no seas como aquel que me abandonó tras su nombre”).

Como ya fue mencionado antes, es difícil trazar un relato sobre un disco debut, pero Buckley tenía un trasfondo, una historia, un talento heredado, aunque distante, que hizo de “Grace” una especie de misa maldita en la que Buckley fue gestor, compositor de sublimes y oscuros réquiems, y de incluso su propia elegía, testigo y ejecutor. Si hay un dios, como dicen, sólo él sabe cuál habría sido el destino final del sonido de “Sketches For My Sweethart The Drunk”, una compilación póstuma con el avance de lo que fue el inconcluso segundo álbum, que se vio interrumpido por su muerte mientras se adentraba en las aguas de aquel río Wolf cantando a todo pulmón “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin para no volver jamás con vida. De todos modos, si “Grace” terminó siendo su único legado, es más que suficiente para entrar en los anales de la música contemporánea con honor y respeto casi religioso.


Artista: Jeff BuckleyGrace

Disco: Grace

Duración: 51:43

Año: 1994

Sello: Columbia


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Zeal & Ardor – “Zeal & Ardor”

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Zeal & Ardor

La banda suiza Zeal & Ardor nació en 2013 como un proyecto solista del músico suizo-estadounidense Manuel Gagneux, pero no fue hasta 2017 que se consagró como un grupo propiamente tal. El proyecto comenzó a partir de un ejercicio creativo en el que Gagneux pedía a usuarios de un foro online dos géneros musicales para combinarlos en una composición que realizaría en sólo media hora. Le sugirieron mezclar black metal con “música de negros” y, en el álbum homónimo lanzado este año (el tercero de la banda), esa fusión sigue igual de vigente. Además, aquella identidad dual es sazonada con pequeños vistazos a otros estilos, generando combinaciones inesperadas y resultados sonoros frescos.

En “Zeal & Ardor” la banda es también coherente con su pasado en los aspectos líricos, ya que las letras del álbum continúan con lo propuesto en “Devil Is Fine” (2016) y “Stranger Fruit” (2018), relatando una historia alterna en la que los esclavos estadounidenses no se hubieran convertido al cristianismo, sino que habrían volteado hacia el satanismo. Esto permite contextualizar de mejor manera títulos como “Death To The Holy” o “Church Burns”, y es precisamente esta orientación anti-religiosa, junto con la técnica vocal (de gritos agudos), lo que permite a Gagneux enlazarse con la historia del black metal, aun cuando su proyecto no es demasiado dogmático en relación con la música, ya que recoge gestos característicos del djent (“Death To The Holy”) e incluso del nu metal (“I Caught You”). El otro pilar del disco, la música de raíz africana, se manifiesta a través del canto soul, los coros de influencia gospel y el énfasis en los ritmos sincopados.

En términos globales, el álbum refleja una notable mejora en su producción comparado con los discos anteriores, con un timbre moderno, tanto de guitarras como baterías, y profundidad en los arreglos de voces y sintetizadores, alcanzando un sonido que llena el espectro, es decir, sonando pesado, pero con una buena dosis de agudos. En relación con su estructura, la primera canción, “Zeal & Ardor”, funciona como una sinopsis, exponiendo el contraste entre las distintas voces que usará Gagneux, y la postrera “A-H-I-L (All Hope Is Lost)” cumple el rol de outro al ser una pista instrumental de timbres electrónicos, que no tiene mayor relación con el resto del disco. Pese a ello, durante sus 43 minutos de duración, el álbum transita por varios niveles de energía sin establecer ningún patrón particular, lo que permite oír las canciones de manera desordenada sin perderse de mucho.

Por lo anterior, sin un concepto o un título que unifique el contenido del disco, la cohesión recae en la característica sonoridad derivada del cruce del metal y el soul.  Desde un punto de vista compositivo, el desafío de congeniar dos géneros tan distintos es resuelto a través de dos caminos: la yuxtaposición (o contraste directo entre los dos géneros) y la síntesis. Como ejemplos de la primera, encontramos a “Feed The Machine” y “Hold Your Head Low”, donde se recurre a un violento contraste entre los dos mundos sonoros sin que estos se integren con posterioridad. En el caso de la síntesis, “Erase” y “Run” son algunas de las piezas más logradas, ya que consiguen superponer los elementos característicos de cada género de manera efectiva. Por otro lado, hay otras canciones que no se quedan en la dualidad ya mencionada, entre las que destaca “J.M.B. (Jazz Metal Blues)”, que incorpora acordes extendidos característicos del jazz, pero cuyo ritmo y energía la asemejan más al math-rock, o “Emersion” donde se revelan influencias del post-rock.

Pese a ser considerada una banda avant-garde, la propuesta de Zeal & Ardor en este álbum es bastante accesible, e incluso llega a transitar por sonoridades casi publicitarias, gracias a la mezcla de melodías sin letra y ritmos basados en bombo y aplausos. De todos modos, la banda logra situarse dentro del linaje del black metal, encontrando un interesante punto de equilibrio entre novedad y familiaridad. No obstante, cuando prefieren la yuxtaposición de “momentos soul” y “momentos metal” por sobre la síntesis de ambos géneros, las canciones bordean el pastiche, generando a veces un efecto cómico por lo brutal del contraste, que parece ser indeseado, debido a la seriedad con que se comprometen en materia lírica. De todas formas, la impresión global que deja el álbum es positiva y demuestra coherencia con las placas anteriores de la banda.


Zeal & ArdorArtista: Zeal & Ardor

Disco: Zeal & Ardor

Duración: 43:57

Año: 2022

Sello: MVKA


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