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El Álbum Esencial: “Doolittle” de Pixies

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El éxito comercial nunca fue algo que se le diera a Pixies, quienes, pese a la considerable buena recepción de sus trabajos por parte de la crítica especializada, nunca gozaron de un éxito a nivel masivo como sí lo estaban viviendo otras bandas de la época. El período de fines de los ochenta y principios de los noventa significó un auge en torno a la música alternativa, donde los sonidos rabiosos y desenfrenados estaban ganando terreno por sobre el heavy metal y el rock ochentero de Poison, Mötley Crüe o Bon Jovi. Bandas como Nirvana, Sonic Youth o The Smashing Pumpkins representaban esta camada de jóvenes que sólo deseaban expresar todo mediante la música, dejando atrás la premisa del éxito comercial, primando la calidad por sobre la exposición mediática.

Bajo ese alero, Pixies ya llevaba un tiempo sonando en el circuito independiente gracias al EP “Come On Pilgrim” (1987) y su posterior álbum debut “Surfer Rosa” (1988), trabajos que posicionaron su nombre como una banda de futuro prometedor. Fue así como, llegando a 1989 y con la presión por parte de Elektra, su nueva casa discográfica, de lanzar un sucesor de su anterior placa, Black Francis y compañía trabajaron en los demos de un disco que rescataría elementos de la música mainstream para adaptarlos al inclasificable espectro sonoro del cuarteto. “Doolittle” (1989) significó un paso agigantado para la banda, quienes de pronto se oyeron sonando en las radios, siendo citados por sus colegas e, inclusive, pasando a la posteridad en cuanta lista de lo más destacado del año.

Sin duda, Black Francis siempre se mostró como el principal artífice de Pixies, trabajando en letras, música, y hasta en el aspecto gráfico de cada trabajo del grupo, por lo que un ritmo tan autosuficiente como este generó roces casi por inercia con Gil Norton, productor del disco, que intentó a como dé lugar forzar a Francis para realizar canciones más largas, agregar estrofas, solos, incluso extender ciertos parajes, lo que por supuesto no cayó muy bien en el robusto intérprete.

El propio frontman aseguró en entrevistas que el productor estaba intentando hacerlos sonar de manera comercial, contrario a la visión que ellos mismos tenían de las cosas, por lo que, pese a unas accidentadas sesiones de grabación, el disco finalmente vería la luz, resultando un consenso de la visión de Francis y los consejos no tan bien recibidos de Norton.

Se podría considerar a “Doolittle” como el despegue absoluto en los continuos cambios de ritmo, que serían el sello habitual de Pixies, demostrándose en canciones como “Debaser” o “Crackity Jones”, impregnadas del dinamismo propio de David Lovering, el baterista y arma secreta de la banda, quien también incursiona en la voz con “La La Love You”, otro de los cortes más recordados del LP. Aunque el sonido crudo y agresivo del cuarteto fue uno de los factores que los hizo reconocidos, el lado melódico también ha aportado canciones que en la actualidad son verdaderos clásicos, pasando desde “Here Comes Your Man”, “Monkey Gone To Heaven” o la simple pero poderosa “Tame”, construida sobre la base de una sucesión de acordes cuya intensidad va atrapando al auditor a medida que avanza hasta su desenlace.

Si juntamos y analizamos todos los factores que hicieron de Pixies una banda tan importante en la fugaz primera etapa de su carrera, probablemente comprendamos por qué las rencillas entre su líder y la bajista Kim Deal hayan terminado por desarmar a la banda, incluso cuando todavía tenían actividades por cumplir. Y es que, básicamente, Pixies se trata de eso, sobre cómo cuatro naturalezas muy diferentes chocan para formar una obra única y con una estructura que recoge lo mejor de todos lados.

Deal aporta la actitud, Lovering la elegancia, mientras que la meticulosidad de Francis se conjuga con el siempre sereno Joey Santiago, alguien que aportó la seriedad y profesionalismo suficientes para que este barco saliera a flote. De ahí en adelante, todo se puso un poco más turbulento, los egos no resistieron una convivencia armónica y la belleza propia de este caótico surrealismo generado por Pixies comenzaría a apagarse poco a poco. Para hablar de eso, es necesario ahondar en los trabajos posteriores del cuarteto y el contexto en el que se vieron envueltos durante su gestación, pero ese será tema para una próxima ocasión.


Artista: PixiesDoolittle

Disco: Doolittle

Duración: 38:38

Año: 1989

Sello: 4AD / Elektra


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CHVRCHES – “Screen Violence”

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Screen Violence

Con una carrera de casi una década, CHVRCHES ya debería tener su lugar asegurado en la industria, sin embargo, desde su álbum debut, “The Bones Of What You Believe” (2013), la banda ha tenido sus altibajos. Con “Screen Violence”, su cuarto disco y primero en tres años, Lauren Mayberry y compañía despejan todas las dudas en torno a su música. La nostalgia ochentera no podría estar más presente en la música actual, pero CHVRCHES encuentra su inspiración en un sonido más oscuro, cercano al synthpop de bandas como Depeche Mode y el goth rock de The Cure.

Donde otros grupos podrían sonar derivativos, el trío logra nuevamente reinventar el sonido con un enfoque moderno. Esto queda más que claro en el potente sencillo “He Said She Said”, un himno synth sobre los desafíos de no encajar en los parámetros de la sociedad. Combinando los sintetizadores clásicos con potente percusión y un drop electrónico, la banda entrega una pieza bailable para un mundo más oscuro como el de 2021.

Líricamente, también logra encapsular los temas de “Screen Violence”, donde hay un sentimiento claustrofóbico de enfrentarse sola a un mundo que no te recibe con los brazos abiertos, pero, al entregar su material más personal, Mayberry también logra crear otro tipo de himnos generacionales, donde la desesperanza es más compartida que en otros tiempos. Y es que acá CHVRCHES reimagina la banda sonora de una película de terror ochentera, donde el mayor miedo es la incertidumbre del futuro. Así es precisamente como suena “Nightmares”, que se alza como un oscuro himno de los tiempos presentes, y cómo no, si en los últimos tres años desde su pausa el mundo ha cambiado bastante. Sentimiento claro en “Final Girl”, una de las piezas centrales del disco, donde Lauren se pregunta si es ella la “chica final” en esta película, y precisamente esto responde a una de las problemáticas centrales que plantea Lauren: la misoginia. El machismo de la industria y las presiones sociales impuestas a las mujeres son temáticas que potencian esta atmósfera oscura, siendo temas que se repiten a lo largo del disco, en especial en canciones como “He Said She Said” y “Good Girls”, que cuestionan estas imposiciones.

Lauren es, sin duda, la fuerza líder de este álbum, donde su melódica voz es capaz de encajar a la perfección con los potentes synths de los instrumentales; incluso en un disco con sonidos mucho más complejos y explosivos, su voz nunca es eclipsada, sino que potencian aún más a la heroína de este viaje. En ese sentido, no hay que dejar de lado el trabajo de producción y de Iain Cook y Martin Doherty. El sonido clásico de CHVRCHES se maximiza gracias al esfuerzo del trío, quienes crean paletas mucho más envolventes y con múltiples capas, como en el caso de “Asking For A Friend” o la destacada colaboración con Robert Smith, “How Not To Drown”, donde no existen tiempos para descansos y cada minuto sorprende con un nuevo clímax sonoro.

Pese a la producción, que puede resultar más demandante para el oyente, “Screen Violence” es sorpresivamente encantador y resulta sencillo de disfrutar. Momentos como “California” o “Lullabies” son capaces de acompañar una noche solitaria o animar una fiesta post-pandemia, reforzando lo íntimo del disco, pero lo representativo de un presente compartido por tantos. Tal como contemporáneos como The 1975 o Robyn, la banda logra crear momentos bailables que de la nada paran en seco con sus cuestionamientos y dudas sobre el mundo.

“Screen Violence” no sólo termina siendo un disco que asegura a CHVRCHES como una banda establecida, sino que es también su trabajo más destacado. Complejo en su producción y perfectamente accesible para un público masivo, el trío logra encontrar el punto perfecto para el siguiente paso, con una versión maximalista de su sonido, pero que jamás se vuelve abrumador. Asimismo, es un testamento de la música que inspira un presente como el de 2021, con melodías inquietantes y claustrofóbicas, pero en constante búsqueda de una salida, y letras reveladoras y desafiantes, aunque también vulnerables e íntimas.


Screen ViolenceArtista: CHVRCHES

Disco: Screen Violence

Duración: 42:53

Año: 2021

Sello: EMI / Glassnote Records


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