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Appetite for Destruction Appetite for Destruction

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El Álbum Esencial: “Appetite For Destruction” de Guns N’ Roses

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Los años ochenta aportaron una serie de cambios para la música popular, principalmente en la vereda del rock, donde comenzaron a aparecer nuevas variaciones y estilos en cuanto a ese sonido predominado por las guitarras. Es así como encontramos álbumes tan dispares como “Reign In Blood” (1986) de Slayer, “Daydream Nation” (1988) de Sonic Youth o “Shout At The Devil” (1983) de los extintos Mötley Crüe, los que, de una manera u otra, marcaron un precedente para un estilo en particular. En parte, a raíz de ese último ejemplo, surgió una rama conocida como glam rock, que combinó la apariencia sexualizada y desinhibida de aquellos años, con melodías que tambaleaban entre el heavy metal y el hard rock, permitiendo triunfar a bandas como Bon Jovi, Poison, Whitesnake y Def Leppard, entre otras.

Como todo fenómeno de masas, las cosas comenzaron a desvanecerse luego de un par de años; nuevos estilos musicales surgían, mientras que el rock comenzaba a tomar ribetes más pesimistas e introspectivos. Por otro lado, Los Angeles y Nueva York comenzaban a entregar los primeros álbumes de hip hop, que radicarían en la rivalidad de las costas este y oeste, ocurrida durante la primera mitad de los noventa. Alejados de todo ese ajetreo, cinco chicos en Los Angeles comenzaron a reunir las ideas que tenían en sus antiguas bandas con el fin de poder componer su primer trabajo discográfico. Ese álbum, llamado “Appetite For Destruction”, terminó por convertirse en uno de los discos debut más importantes de la historia, vendiendo más de 30 millones de copias a nivel mundial.

Puede que para el oído popular Guns N’ Roses sea más conocido por canciones “románticas” como “November Rain”, “Patience” o “Don’t Cry”, pero lo cierto es que la banda cimentó sus raíces alejado de ese espectro musical, que además terminaría por finiquitar las tensiones dentro del quinteto. Desde la partida del álbum, con “Welcome To The Jungle”, se puede notar algo muy particular de este trabajo: nada había sonado parecido hasta ese momento, absolutamente nada. Mezclando elementos del hard rock, el glam y algo de blues, Guns N’ Roses desarrolló un sonido verdaderamente propio, con un carácter rudo, intenso, pero, sobre todo, sucio y callejero, alejándose del carácter fiestero y casi caricaturesco del glam rock, aunque también del sonido duro y acelerado del heavy metal. Guns N’ Roses ni siquiera se encontraba en un limbo entre ambos, sino que se alejó de toda posible comparación, preocupándose principalmente de poder expresar los vaivenes de la vida en la carretera, donde muchas veces hay que sobrevivir como sea, en especial en aquella época donde la competencia era tan fuerte dentro de la ciudad de Los Angeles, principal centro de operaciones de Axl Rose y compañía.

Aquí no hay letras profundas, ni tampoco existen esas tediosas metáforas para expresar cierto pensamiento, aquí hay rock & roll directo a las venas, con una actitud y sentido propio que no hace más que expresar lo que reza el título del álbum, una banda con un apetito insaciable por la destrucción, quienes estaban dispuestos a comerse al mundo y no se detendrían hasta conseguirlo. Independiente de que todas esas premisas musicales tan poéticas hayan existido en los siguientes trabajos de la banda, “Appetite For Destruction” les permitió conocer en extenso todo el camino que recorre un artista con prominente trayectoria, y así alcanzar una madurez musical implacable en términos de producción con la publicación del álbum doble “Use Your Illusion”, lanzado en 1991. Rara vez nos encontramos con un trabajo que conste sólo de éxitos, siendo “Appetite For Destruction” un ejemplo verdadero de eso, ya que de las doce canciones que lo componen, fácilmente encontramos a diez grabadas con fuego en el cancionero popular del rock. Tracks como “It’s So Easy”, “Paradise City” o la ultra conocida “Sweet Child O’ Mine” se convirtieron en clásicos instantáneos gracias a la frescura y renovación sonora que aportaron durante su año de publicación.

No hay que negar que la premisa “sexo, drogas y rock & roll” está presente dentro del álbum, pero no de un modo burdo ni fantasioso, sino más bien desde una decadente y autobiográfica mirada, cantándole a cosas tan cotidianas para un joven callejero como los vinos baratos (“Nightrain”), novias psicóticas (“You’re Crazy”) o los constantes problemas con la ley (“Out Ta Get Me”). Independiente de las deslenguadas líricas, principalmente de Axl, la sección rítmica que aporta la batería de Steven Adler le proporciona todo el carácter metódico a una banda que tenía todo para sonar callejeramente. El bajo de Duff McKagan, proveniente de la escuela punk, encuentra un equilibrio perfecto junto a la guitarra de Izzy Stradlin. Punto aparte para el guitarrista líder, Slash, cuya técnica extraída principalmente de estilos como el de Jimi Hendrix, Joe Perry o Keith Richards, le entregan un alma clásica y consistente. Esa técnica le permitió convertirse en uno de los guitarristas más importantes de la historia, siendo un verdadero icono moderno de las seis cuerdas gracias a los recordados solos de “Sweet Child O’Mine” o “Paradise City”, primeras muestras de genialidad del guitarrista.

En resumidas cuentas, este LP es la perfecta demostración de un trabajo en equipo. Todas las letras y música provienen de proyectos abortados de sus miembros, mientras que su sonido es crucial en la organización como reloj con que contaba el quinteto en su momento. Cada miembro tenía una tarea clara, cada uno aportaba un elemento completamente distinto, esa es la gracia principal de Guns N’ Roses. A simple vista, parecen una banda de rock más, pero una vez que se interioriza en su catálogo –en especial en su debut– es posible notar cómo fueron contra una corriente musical repetitiva y cansina. Basta con darle un contexto a “Appetite For Destruction”, compararlo con todo lo que sonaba en el momento y con todo lo que había para atrás.

Por más que se busque, no existirá un álbum que suene igual y que logre capturar la esencia de la calle, del rock de vereda, ese que se fue gestando en los clubes y bares de Los Angeles hasta llegar a ser un acto de estadios, con coristas, parafernalia y fuegos artificiales. Guns N’ Roses de ahí en adelante vivió una verdadera metamorfosis, pero esta no fue natural ni forzada, sino más bien fue la necesidad de salir de un entorno al que quizás nunca pertenecieron. Un álbum como este podría no significar mucho si fuera lanzado en estos tiempos, pero situarlo en la época en que ocurrió es la manera ideal de notar su genialidad, su diferencia y alejamiento de todo lo “correcto” de ese momento. Todo depende del contexto, y en este “Appetite For Destruction” fue y es esencial.


Appetite for DestructionArtista: Guns N’ Roses

Disco: Appetite For Destruction

Duración: 53:52

Año: 1987

Sello: Geffen


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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