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Drenge – Undertow

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En tiempos donde ya todo está inventado, es fundamental saber adaptarse a un estilo en la competitiva escena musical, o bien, intentar ir en la búsqueda de uno propio mediante la mezcla de sonidos e influencias de distintos lugares. Apegándose a la realidad, muy pocas bandas nuevas consiguen lo de Drenge con la publicación de “Undertow”, posicionando a su segundo LP como uno de los trabajos más destacados del año. Los hermanos Eoin y Rory Loveless sumaron al bajista Rob Graham a la mezcla, para entregar un álbum de constante potencia,  atrevido y con un hilo conductor dirigido por un distorsionado sonido garage rock.

DRENGE 01Luego de una introducción, las guitarras sucias se apoderan de un disco que, mediante once tracks, hace lo suyo en cuanto a actitud. Canciones como “Running Wild” y “Never Awake” se ensamblan a la perfección en un sonido de carácter indie, uno de los elementos de esta fórmula llamada Drenge, que se pasa de un estilo a otro sin perder su sello. “We Can Do What We Want” es la muestra evidente de lo desarrollado por el dúo de hermanos Loveless, quienes –tal como reza el título- hacen lo que quieren, con una actitud y sonido punk en contra de todo lo establecido, al igual que “Favourite Son”, donde el coro se transforma en protagonista, entregando un inicio de álbum en lo más alto para la banda. “The Snake”, uno de los puntos más destacados del LP, juguetea con el grunge, acercándolos al sonido cultivado por bandas como Alice In Chains o incluso Stone Temple Pilots, para luego volver a lo mostrado anteriormente con “Side By Side” y un sonido noventero llevado directo al presente, como una versión moderna de las bandas anteriormente mencionadas.

No todo es distorsión en los casi 40 minutos de duración del álbum. “The Woods”, más calmada que las del resto de la placa, destaca con una guitarra impecablemente ejecutada, la que desaparece para dar paso al instrumental “Undertow”, tema que, además de aportarle el nombre a la obra (un homónimo del LP debut de Tool de 1993), prácticamente expone en sus dos minutos y cuarenta y dos segundos todo lo que compone el álbum en cuanto a sonido.

DRENGE 02“Standing In The Cold” comienza a concluir de manera épica un disco que no pierde su norte en ningún momento, con un coro que parece ir desvaneciéndose, donde Eoin Loveless se luce con su voz y guitarra dando un aura francamente espectacular, para luego conjugarse con “Have You Forgotten My Name?”, que mantiene la guitarra decadente expuesta en este cierre, para finalmente apagarse sellando el increíble viaje sonoro entregado por la banda inglesa.

Gracias a un trabajo de alto nivel, Drenge logra establecerse en la mira del público amante de la música indie. Con dos LP’s bajo el brazo, “Undertow” les ayuda a salir del eterno estigma del segundo álbum, porque los hermanos Loveless hacen las cosas a su manera, y eso es precisamente lo que les permite apoderarse de un sonido ya presente en otras agrupaciones, pero dándole una vuelta de tuerca que lo termina por establecer como propio. Directo, conciso y atrevido, ese es el sonido que necesita el indie en la actualidad y Drenge sabe como fusionarlo, incorporando el garage y entregándole una onda fresca y a la vez lúgubre, como muy pocas bandas lo hacen hoy en día.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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