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Dirty Projectors – Swing Lo Magellan

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Algo pasó con David Longstreth, eso es innegable. El líder del combo neoyorkino Dirty Projectors, tuvo que haber pasado por alguna epifanía, como muchas veces pasa en la música, tal como a Annie Clark y su St. Vincent, o a Claire Boucher con su Grimes, o incluso a Avey Tare y Panda Bear con Animal Collective. Es que “Swing Lo Magellan”, el sexto álbum de la agrupación, los pone en un punto inédito. Nunca antes sonaron tan cercanos, tan certeros ni tampoco tan genuinos. La claridad es un valor que se agradece. Longstreth había sido tildado varias veces como un compositor grandioso, pero cuyos guiños a grandes hilos argumentales le habían pasado la cuenta. El epítome de esto fue el EP que lanzaron junto con Björk, “Mount Wittenberg Orca” (2010), donde el concepto grandilocuente se tomó a la propuesta musical, comiéndose al grupo que había dejado a la crítica con la boca abierta en 2009 con “Bitte Orca”.

Sonidos sorprendentes, dulces y con estridencia; melodiosos y llenos de quiebres; con belleza e ironía, son parte de la propuesta de Dirty Projectors, pero es recién ahora que la fórmula se pule de forma que nada se pierde por la aparente simplificación, sino que la transformación deriva en un resultado digerible y, quizás más importante, sin ceder en prácticamente nada en materia estética.

Longstreth lo ha dicho, su música está abandonando las abstracciones, para llegar a ser creaciones más personales con las que el público se pueda relacionar más fácilmente. Pero para la banda es incluso más importante que ese nexo: este álbum descaricaturiza a Dirty Projectors, los vuelve más humanos. He allí que la portada –magnífica- del álbum grafique a un David Longstreth más común y corriente.

Es la música la que explora límites extraordinarios. Un disco consistente, sin puntos bajos, donde cualquier canción podría haber sido un adelanto sin problemas.

Claro, destaca la notable “About To Die”, siendo una pieza ortodoxa para la banda, o el single “Gun Has No Trigger” con su ritmo constante y lleno de groove, como pocas veces hemos escuchado a Longstreth, con un momentum absolutamente innegable.

El disco se escucha sin esfuerzo. Ni se notan los 42 minutos de extensión, tampoco que son 12 tracks. Se oye como un todo, pero los límites entre una canción y otra se notan más claros que nunca en el trabajo de Dirty Projectors.

Las palmas que suenan en “Just From Chevron” deben ser de lo más genuino que se ha grabado este año, desnudas, inocentes, pero al mismo tiempo son imprescindibles para apoyar las armonías de Amber Coffman y Haley Dekle –Angel Deradoorian se tomó un “tiempo” de la banda-, bellas sin sonar edulcoradas. También en los beats se nota que se la juegan por el R&B, el soul, música negra que no hace más que darle aún más vida a este “Swing Lo Magellan”, sin dejar de revisitar estilos como la balada setentera europea (“Impregnable Question”) o tintes de rock psicodélico (“Maybe That Was It”).

Claro, David Longstreth hará una película con este disco como soundtrack (“Hi Custodian”), y ahí utilizará conceptos grandilocuentes, gigantes, inalcanzables, pero tal como la portada de este registro –sin dudas, de lo mejor lanzado este año-, nunca Longstreth se vio y se sintió tan cercano, y por lo menos en la música este disco se quedará así.

Como la ágil “The Socialites” dice: “me alegra que ellos sean los que están al otro lado del vidrio / quienes saben que mi espíritu vale como frío y duro efectivo”. Sí, todavía no es música para todos, pero cada vez son más los que ven a través de ese vidrio.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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