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Dirty Projectors – “Dirty Projectors”

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Pese a que entre sí no compartan demasiadas similitudes musicales, los llamados álbumes de rupturas amorosas son casi un género musical. Uno forjado entre almas laceradas, drogas y alcohol que pocos saben sortear exitosamente sin recurrir a los clichés sonoros y a las líricas gastadas. Menos aún se podría esperar de Dirty Projectors, puntales del indie rock experimental de los últimos diez años y dueños de estructuras caprichosas y fracturadas. El proyecto liderado desde hace un par de años únicamente por David Longstreth tras la partida de la guitarrista, vocalista y ahora ex pareja sentimental de Longstreth, Amber Coffman, edita este año su séptimo larga duración homónimo.

Resulta prácticamente imposible separar este álbum de su contexto. La ruptura entre Longstreth y Coffman configuró un regreso a los inicios, cuando la banda era en esencia un proyecto “solista” de Longstreth, por lo tanto, no sorprende que lo haya elegido denominar homónimamente, como si de un debut se tratase. Es un conjunto de canciones que termina por completar la elisión voluntaria de las guitarras insinuadas progresivamente en “Swing Lo Magellan” (2012) y que ahora se hace más patente que nunca con composiciones que galopan sobre los ritmos y las voces más cercanas al R&B que al pop pastoral acústico de guitarras en sus trabajos anteriores.

Longstreth las hace todas: compone (de hecho, en los últimos cinco años se convirtió en un cotizado compositor de canciones en el mundo del pop y el R&B, habiendo incluso co-escrito varias canciones de “A Seat At The Table” de Solange Knowles en 2016 o “FourFiveSeconds”, un single que reunía a Rihanna, Kanye West y Paul McCartney), produce, ejerce de arreglista y orquestador, además de tocar alrededor de una decena de instrumentos en el álbum, el que abre “Keep Your Name”, una balada retorcida y pitcheada con la colaboración en los sintetizadores de Tyondai Braxton, ex frontman de Battles, mientras que “Death Spiral” es una canción soul filosa, sostenida por el sample de un corte de Bernard Hermann para el soundtrack de “Vertigo”, la archiconocida película de Alfred Hitchcock.

El abandono de lo acústico se materializa magistralmente en “Up In Hudson”, single y punto alto de este trabajo donde Longstreth se luce vocalmente y en la manipulación de la voz misma, además de trazar un relato entre el comienzo y el fin de la relación. “Work Together” es una amalgama de sintetizadores mareadores y cajas de ritmos frenéticas. En “Dirty Projectors” ninguna canción es igual a otra y ninguna parece relleno, cada una de ellas sirve para completar un pedazo del puzzle que pretende armarse aquí, desgranando y exorcizando los demonios. La cálida e introspectiva “Little Bubble” relata la sensación de confort artificial desde la burbuja de la cotidianeidad de pareja y la sensación de desolación cuando se rompe. Por la misma senda camina también “Winner Take Nothing”, una disección del colapso de la relación entre Longstreth y Coffman.

El perturbador autotune y los delicados arreglos de guitarra pampean en “Ascent Through Clouds” hasta la mitad de la canción, donde se dobla e implosiona acercándose al glitch. “Cool Your Heart” es una vuelta de mano de Knowles a Longstreth ejerciendo la co-escritura de la canción para que la diva del R&B, Dawn Williams, aporte sus cualidades vocales. Cierra el álbum “I See You”, una balada intrincada de bajo vuelo y poca velocidad. “Dirty Pojectors”, tal como “Vulnicura” de Björk, supone una nueva perspectiva y específicamente un nuevo vehículo para expresar emociones tan cáusticas y dolorosas, uno más maquinal, frío tal vez, pero por sobre todas las cosas es un trabajo de madurez musical y personal que destila profunda tristeza, aunque sin caer en la caricaturización de la misma.

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CHVRCHES – “Screen Violence”

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Screen Violence

Con una carrera de casi una década, CHVRCHES ya debería tener su lugar asegurado en la industria, sin embargo, desde su álbum debut, “The Bones Of What You Believe” (2013), la banda ha tenido sus altibajos. Con “Screen Violence”, su cuarto disco y primero en tres años, Lauren Mayberry y compañía despejan todas las dudas en torno a su música. La nostalgia ochentera no podría estar más presente en la música actual, pero CHVRCHES encuentra su inspiración en un sonido más oscuro, cercano al synthpop de bandas como Depeche Mode y el goth rock de The Cure.

Donde otros grupos podrían sonar derivativos, el trío logra nuevamente reinventar el sonido con un enfoque moderno. Esto queda más que claro en el potente sencillo “He Said She Said”, un himno synth sobre los desafíos de no encajar en los parámetros de la sociedad. Combinando los sintetizadores clásicos con potente percusión y un drop electrónico, la banda entrega una pieza bailable para un mundo más oscuro como el de 2021.

Líricamente, también logra encapsular los temas de “Screen Violence”, donde hay un sentimiento claustrofóbico de enfrentarse sola a un mundo que no te recibe con los brazos abiertos, pero, al entregar su material más personal, Mayberry también logra crear otro tipo de himnos generacionales, donde la desesperanza es más compartida que en otros tiempos. Y es que acá CHVRCHES reimagina la banda sonora de una película de terror ochentera, donde el mayor miedo es la incertidumbre del futuro. Así es precisamente como suena “Nightmares”, que se alza como un oscuro himno de los tiempos presentes, y cómo no, si en los últimos tres años desde su pausa el mundo ha cambiado bastante. Sentimiento claro en “Final Girl”, una de las piezas centrales del disco, donde Lauren se pregunta si es ella la “chica final” en esta película, y precisamente esto responde a una de las problemáticas centrales que plantea Lauren: la misoginia. El machismo de la industria y las presiones sociales impuestas a las mujeres son temáticas que potencian esta atmósfera oscura, siendo temas que se repiten a lo largo del disco, en especial en canciones como “He Said She Said” y “Good Girls”, que cuestionan estas imposiciones.

Lauren es, sin duda, la fuerza líder de este álbum, donde su melódica voz es capaz de encajar a la perfección con los potentes synths de los instrumentales; incluso en un disco con sonidos mucho más complejos y explosivos, su voz nunca es eclipsada, sino que potencian aún más a la heroína de este viaje. En ese sentido, no hay que dejar de lado el trabajo de producción y de Iain Cook y Martin Doherty. El sonido clásico de CHVRCHES se maximiza gracias al esfuerzo del trío, quienes crean paletas mucho más envolventes y con múltiples capas, como en el caso de “Asking For A Friend” o la destacada colaboración con Robert Smith, “How Not To Drown”, donde no existen tiempos para descansos y cada minuto sorprende con un nuevo clímax sonoro.

Pese a la producción, que puede resultar más demandante para el oyente, “Screen Violence” es sorpresivamente encantador y resulta sencillo de disfrutar. Momentos como “California” o “Lullabies” son capaces de acompañar una noche solitaria o animar una fiesta post-pandemia, reforzando lo íntimo del disco, pero lo representativo de un presente compartido por tantos. Tal como contemporáneos como The 1975 o Robyn, la banda logra crear momentos bailables que de la nada paran en seco con sus cuestionamientos y dudas sobre el mundo.

“Screen Violence” no sólo termina siendo un disco que asegura a CHVRCHES como una banda establecida, sino que es también su trabajo más destacado. Complejo en su producción y perfectamente accesible para un público masivo, el trío logra encontrar el punto perfecto para el siguiente paso, con una versión maximalista de su sonido, pero que jamás se vuelve abrumador. Asimismo, es un testamento de la música que inspira un presente como el de 2021, con melodías inquietantes y claustrofóbicas, pero en constante búsqueda de una salida, y letras reveladoras y desafiantes, aunque también vulnerables e íntimas.


Screen ViolenceArtista: CHVRCHES

Disco: Screen Violence

Duración: 42:53

Año: 2021

Sello: EMI / Glassnote Records


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