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LABYRINTHITIS LABYRINTHITIS

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Destroyer – “LABYRINTHITIS”

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Abordar la carrera de Dan Bejar, al menos en lo que respecta a Destroyer, se hace complicado por varias razones. Una de ellas, y la menor, es que forma parte hasta nuevo aviso de un conjunto mayor, el supergrupo canadiense The New Pornographers, un conjunto que ya arriesga mucho en cada disco. Otra de ellas es que lo de Bejar en solitario es materia de estudio: pudiendo seguir la tendencia de hacer álbumes bajo la plantilla del indie rock promedio, eligió una suerte de solipsismo musical en el que aborda y toma ideas de prácticamente todos lados y las vuelve propias, y de alguna forma maravillosa se las ingenia para hacerlas calzar y luego dejarlas ir y que sigan siendo parte de cualquier otra cosa, reiniciando todo para volver a capturar retazos de sonidos en el siguiente álbum. El más reciente esfuerzo llega este 2022 bajo el nombre de “LABYRINTHITIS”.

“It’s In Your Heart Now”, la canción que abre los fuegos, es una confusa: cruza de post-punk y dream pop, manejada por el volante oscuro del rock gótico en una carretera a medio amanecer, bañada por una envidiable y hermosa línea melódica de guitarra que mora desde la mitad de la canción hacia adelante. Por otro lado, “Suffer” se monta en un riff sintético de cold wave para mezclarlo con el americana revival de gente como The War On Drugs, sin embargo, de alguna forma funciona. Y si hay que revisitar otra vez, “June” toma grooves de bajo a A Certain Ratio o Ian Dury, adornado por estructuras asimétricas e intrincadas dentro de un contexto “bailable”, en la misma línea que “The States” e “It Takes A Thief”, esta vez con adorables staccatos de cuerdas y un par de licks de guitarra que, de tan juguetones y pretenciosos, saltan más a la vista de lo que quizás deberían.

A pesar de ser un álbum grabado a distancia por razones obvias y de ser, en líneas generales, un álbum más sintético, aun así se siente como una banda. A Bejar lo flanqueó como siempre su colaborador de larga data, John Collins, quien ofició de recepcionista y organizador de sonidos y les otorgó los detalles que cada canción necesitaba. Asimismo, el baterista Joshua Wells es el responsable que algunas de estas potenciales lindas baladas pasaran a habitar en el reino del four-on-the-floor y, en su conjunto, cada canción de “LABYRINTHITIS” es un pequeño diorama en el que conviven burbujas emocionales en forma de licks, ya sea de sintetizador o de guitarra, o en forma de pads etéreos y dominantes, y la lírica ambigua y enigmática de Bejar.

La críptica “Tintoretto, It’s For You” desenfunda una letra narrada como si de un villano de superhéroes se tratara, mientras un diálogo desacompasado entre bajo y batería se lleva a cabo para destriparse en un potente riff de sintetizador, el que dirige toda la canción. “Eat The Wine, Drink The Bread” es, para bien, la canción más desconcertante de este álbum: su entrega a la música de baile, y en general a la electrónica, es algo que ya venía mostrando incluso desde su “Have We Met” de 2020, pero esta vez Bejar cuidó de poner todos los elementos que harían de este track un must en cualquier fiesta de música indie bailable que se precie de tal, aunque no es solamente llegar y poner los elementos, sino que posicionarlos a lo largo de la canción para que nunca se nos olvide del por qué estamos bailando. Tal es el arte de distribuir elementos en este disco, que las canciones más flojas en intensidad (“Labyrinthitis” y “The Last Song”) no están juntas, sino que ubicadas a una distancia prudente para no dejar caer el álbum.

Fácilmente podría “LABYRINTHITIS” estar dentro del top tres de la carrera de Destroyer, lo que en sí mismo es un logro porque desde “Kaputt” (2011), e incluso desde mucho antes, viene facturando verdaderas piezas de arte en el indie de este milenio, y si este álbum fue creado con alma de banda en vivo durante el encierro pandemial, a la hora que Daniel Bejar y asociados se sienten cara a cara a componer el que esperamos sea un pronto sucesor, el panorama es por demás alentador.


Artista: Destroyer

Disco: LABYRINTHITIS

Duración: 43:48

Año: 2022

Sello: Merge / Bella Union


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Zeal & Ardor – “Zeal & Ardor”

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Zeal & Ardor

La banda suiza Zeal & Ardor nació en 2013 como un proyecto solista del músico suizo-estadounidense Manuel Gagneux, pero no fue hasta 2017 que se consagró como un grupo propiamente tal. El proyecto comenzó a partir de un ejercicio creativo en el que Gagneux pedía a usuarios de un foro online dos géneros musicales para combinarlos en una composición que realizaría en sólo media hora. Le sugirieron mezclar black metal con “música de negros” y, en el álbum homónimo lanzado este año (el tercero de la banda), esa fusión sigue igual de vigente. Además, aquella identidad dual es sazonada con pequeños vistazos a otros estilos, generando combinaciones inesperadas y resultados sonoros frescos.

En “Zeal & Ardor” la banda es también coherente con su pasado en los aspectos líricos, ya que las letras del álbum continúan con lo propuesto en “Devil Is Fine” (2016) y “Stranger Fruit” (2018), relatando una historia alterna en la que los esclavos estadounidenses no se hubieran convertido al cristianismo, sino que habrían volteado hacia el satanismo. Esto permite contextualizar de mejor manera títulos como “Death To The Holy” o “Church Burns”, y es precisamente esta orientación anti-religiosa, junto con la técnica vocal (de gritos agudos), lo que permite a Gagneux enlazarse con la historia del black metal, aun cuando su proyecto no es demasiado dogmático en relación con la música, ya que recoge gestos característicos del djent (“Death To The Holy”) e incluso del nu metal (“I Caught You”). El otro pilar del disco, la música de raíz africana, se manifiesta a través del canto soul, los coros de influencia gospel y el énfasis en los ritmos sincopados.

En términos globales, el álbum refleja una notable mejora en su producción comparado con los discos anteriores, con un timbre moderno, tanto de guitarras como baterías, y profundidad en los arreglos de voces y sintetizadores, alcanzando un sonido que llena el espectro, es decir, sonando pesado, pero con una buena dosis de agudos. En relación con su estructura, la primera canción, “Zeal & Ardor”, funciona como una sinopsis, exponiendo el contraste entre las distintas voces que usará Gagneux, y la postrera “A-H-I-L (All Hope Is Lost)” cumple el rol de outro al ser una pista instrumental de timbres electrónicos, que no tiene mayor relación con el resto del disco. Pese a ello, durante sus 43 minutos de duración, el álbum transita por varios niveles de energía sin establecer ningún patrón particular, lo que permite oír las canciones de manera desordenada sin perderse de mucho.

Por lo anterior, sin un concepto o un título que unifique el contenido del disco, la cohesión recae en la característica sonoridad derivada del cruce del metal y el soul.  Desde un punto de vista compositivo, el desafío de congeniar dos géneros tan distintos es resuelto a través de dos caminos: la yuxtaposición (o contraste directo entre los dos géneros) y la síntesis. Como ejemplos de la primera, encontramos a “Feed The Machine” y “Hold Your Head Low”, donde se recurre a un violento contraste entre los dos mundos sonoros sin que estos se integren con posterioridad. En el caso de la síntesis, “Erase” y “Run” son algunas de las piezas más logradas, ya que consiguen superponer los elementos característicos de cada género de manera efectiva. Por otro lado, hay otras canciones que no se quedan en la dualidad ya mencionada, entre las que destaca “J.M.B. (Jazz Metal Blues)”, que incorpora acordes extendidos característicos del jazz, pero cuyo ritmo y energía la asemejan más al math-rock, o “Emersion” donde se revelan influencias del post-rock.

Pese a ser considerada una banda avant-garde, la propuesta de Zeal & Ardor en este álbum es bastante accesible, e incluso llega a transitar por sonoridades casi publicitarias, gracias a la mezcla de melodías sin letra y ritmos basados en bombo y aplausos. De todos modos, la banda logra situarse dentro del linaje del black metal, encontrando un interesante punto de equilibrio entre novedad y familiaridad. No obstante, cuando prefieren la yuxtaposición de “momentos soul” y “momentos metal” por sobre la síntesis de ambos géneros, las canciones bordean el pastiche, generando a veces un efecto cómico por lo brutal del contraste, que parece ser indeseado, debido a la seriedad con que se comprometen en materia lírica. De todas formas, la impresión global que deja el álbum es positiva y demuestra coherencia con las placas anteriores de la banda.


Zeal & ArdorArtista: Zeal & Ardor

Disco: Zeal & Ardor

Duración: 43:57

Año: 2022

Sello: MVKA


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