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Descendents – “Hypercaffium Spazzinate”

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Doce años tuvieron que pasar para que el viejo Milo volviera a ocupar una carátula. Durante este período, la continuidad de Descendents se vio amenazada en más de una oportunidad (Karl Alvarez sufrió un infarto al miocardio, mientras que Bill Stevenson tuvo que sobrevivir a una embolia pulmonar y una cirugía de tumor cerebral), sin embargo, tal como si se tratara de un guión hollywoodense, el cuarteto no sólo logró escapar ileso de la amenaza, sino que de alguna manera encontró el ímpetu necesario para volver al estudio y regalarnos un nuevo capítulo discográfico.

DESCENDENTS 01El primer golpe que conecta “Hypercaffium Spazzinate” viene de la mano de su portada, de revisión obligada, ya que. mientras por un lado juega deliberadamente a la trivia, lo que realmente hace es celebrar el ADN de la banda, poniendo al centro a Milo –a esta altura ícono no sólo del conjunto, sino que de toda una escena– fusionado con un matraz de Erlenmeyer, en clara alusión a la otra gran pasión de Aukerman, para enseguida situar la atención en el contenido del matraz, repleto de una especie de versión mejorada de café (histórica obsesión del cuarteto), resultado de la combinación de cafeína común, cuya fórmula química se puede ver en la probeta de la izquierda de la carátula, y una misteriosa sustancia “X”. Lúdicos y geeks en igual medida. En lo musical, el conjunto no se distancia radicalmente de lo entregado en “Cool To Be You” (2004), apostando por temas de naturaleza abiertamente melódica que se intercalan con otros que, si bien se mueven sobre una base de sonido más duro, conservan el espíritu contagioso y directo que caracteriza a Descendents. El disco inicia sin preámbulos con la rabiosa y enérgica “Feel This”, que en un minuto catorce segundos deja claro que los californianos siguen golpeando con la misma fuerza que lo hacían treinta años atrás. Lo que sigue con “Victim Of Me” inmediatamente lleva al álbum a la vereda opuesta, instalándose desde el comienzo como uno de esos clásicos himnos que combinan melodías alegres y contagiosas con letras de desazón y hastío.

En la medida que el disco avanza, sigue sin interrupciones la ruta trazada por los dos primeros cortes. “Without Love” se instala como una verdadera clase de punk rock noventero, poniendo en evidencia, una vez más, cómo el sonido del cuarteto ayudó a forjar lo que hace veinte años terminaría dando origen a la popular escena punk rock californiana. “Smile” y “Comeback Kid” mantienen el mismo espíritu, con letras de apoyo y compañerismo francamente entrañables, donde destaca el impecable trabajo de Milo Aukerman en los vocales y el bien ganado protagonismo de la guitarra de Stephen Egerton en este tipo de tracks.

DESCENDENTS 02Por el lado de los temas de esencia más hardcore, el disco logra instalar varios cortes que ponen en evidencia el excelente y energético trabajo de Stevenson y Alvarez en la base rítmica. “We Got Defeat” y “No Fat Burger”, ambas potentes y efectivas, apuntan a los duros momentos que atravesó la banda en la última década: la primera rabiosa y determinada, mientras que la segunda se toma las cosas con humor y aprovecha el espacio para hacer un guiño a “I Like Food”, eterno himno del conjunto. De similar identidad sonora, “Limiter” revisa el tema del abuso de fármacos que persigue “normalizar” a niños que hoy parecieran no tener cabida en los esquemas de educación tradicional, mientras que “Spineless And Scarlet Red” llega a darnos una mirada más reflexiva y adulta de los conflictos de pareja.

Mención aparte merece “Beyond The Music”, adecuadamente reservada para cerrar el álbum (en su edición normal). Destinada, por un lado, a revisar la historia de la banda y, al mismo tiempo, a rendir homenaje a la música como vehículo a través del cual el cuarteto ha alcanzado un lugar que parece llenarlos de dicha. Es esta última sensación la que logra transmitir “Hypercaffium Spazzinate”, la de un grupo de amigos que han crecido y se han encontrado a ellos mismos en la música, llegando hoy a regalarnos este nuevo álbum no sólo como prueba de que siguen con nosotros, sino que como testimonio fiel de lo que puede llegar a significar ese momento aparentemente sin importancia y completamente despojado de pretensiones, en que cuatro chicos deciden tomar sus instrumentos en un garaje cualquiera para dejarse llevar por la música. Si tenían que pasar doce años para volver, esta era exactamente la manera de hacerlo.

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Angel Olsen – “Whole New Mess”

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Whole New Mess

Hace menos de un año, Angel Olsen lanzó un álbum digno de definir una carrera. “All Mirrors” (2019) se estableció como el punto donde su composición y visión alcanzó un nuevo nivel, y el dramatismo de sus letras fue ampliado por la magnitud del sonido orquestal que acompañó al disco, combinación que lo convirtieron en uno de los mejores lanzamientos del año. Cuesta creer entonces que su concepto original sea todo lo contrario. “Whole New Mess” recopila las grabaciones originales de lo que conocimos en su disco anterior, reintroduciéndonos el corazón roto de la cantautora sólo a través de su voz y guitarra, demostrando que la grandiosidad de sus canciones no depende de los elegantes arreglos, sino que de su ilimitada capacidad de retratar el dolor.

Originalmente, “Whole New Mess” vería la luz junto a “All Mirrors” como una doble invitación al mundo de Olsen, pero su lanzamiento no pudo ser más oportuno. Como mucho del mundo actual, las versiones son solitarias, nostálgicas, envueltas en una atmósfera de confinamiento, como si hubieran sido compuestas en estos meses. Sin embargo, sería un error decir que son más silenciosas, pues la música presente introduce otra clase de poder. Tal es el caso de “Impasse (Workin’ For The Name)”, que puede parecer más minimalista en sonido, pero la voz y cuerdas de Olsen rugen de igual manera y su capacidad de electrizar no se pierde, a pesar de la desnudez mostrada.

Es a través de su capacidad para moldear su voz según sus emociones por donde la cantante logra diversificar los sonidos de un disco uniforme. Su voz es desgarradora, pero confortante, como en “Too Easy (Bigger Than Us)” o “Chance (Forever Love)”, donde sus tonos son clásicos, reminiscentes de dolores antiguos, aunque sus melodías son cálidas, como si confortaran sus lamentos. “Chance” pierde los arreglos que la convirtieron en un cierre tan catártico, pero no por eso deja de ser un fuerte golpe de emociones. Las vocales de “Tonight (Without You)” son potentes, pero necesarias, y aun sin el aplaudido final orquestal este parece ser un punto de catarsis, sin violines ni órganos, es su voz la que encuentra luz.

El peso más grande recae en las versiones originales de “All Mirrors” y “Lark”, ahora retituladas “(We Are All Mirrors)” y “Lark Song”. La primera es una pieza de folk mucho más tradicional, con un simple rasgueo que acompaña al relato universal de Olsen, intensificado por el constante reverb. Por su parte, “Lark Song” no pierde su fuerza y sigue arrastrando la responsabilidad emocional del disco, explotando a través de sus seis minutos en un crescendo de emociones. Si bien, estas versiones son mucho más íntimas, también reflejan una fuerte universalidad de experiencias, sin reducirse a las penurias del amor, sino que explorando múltiples relaciones humanas y sus efectos en las personas. La desnudez de su melodía ha permitido centrarse en el aspecto lírico, que presenta potencia por sí solo.

Existen dos canciones que no tienen punto a comparar: la apertura homónima y “Waving, Smiling”, que reemplazan a “Spring” y “Endgame”. La carta inicial lleva el espíritu del disco, mostrándose vulnerable y de un intencionado desorden, tal como los sentimientos que evoca, reconociendo una vida en constante cambio, pero aceptando la repetición de sus estados emocionales. El otro corte original es aún más vulnerable que el resto, tanto en melodía como en lírica es directa, sin rodeos, donde la soledad logra materializarse, pero un brillo esperanzador la ilumina: “El sol está brillando, estoy saludando, sonriendo, al amor por siempre, vivo y muriendo”.

Decir que las canciones en “Whole New Mess” son sólo demos inacabados sería minimizar las expresiones originales que se convertirían en “All Mirrors”. Esta colección de temas es tan fundamental como cualquier otra pieza de su discografía, donde la melancolía y desnudez no deben confundirse con una constante tristeza, sino como una invitación honesta a entender el mundo de una artista. Tan solo con su voz y su guitarra, Angel Olsen logra minimizar el sonido sin perder jamás la potencia, encontrando una nueva forma de hacer rugir sus sentimientos y dejando en claro que, lejos de los arreglos majestuosos, puede encontrar momentos de dramatismo, catarsis y, sobre todo, esperanza.


Artista: Angel Olsen

Disco: Whole New Mess

Duración: 42:05

Año: 2020

Sello: Jagjaguwar


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