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Deftones – Gore

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Muchos se cuelgan de una frase de Einstein sobre la locura, que indica algo así como que es de locos esperar diferentes resultados si siempre se hace lo mismo. Pero hay gente que consistentemente hace lo mismo y sí logra cosas distintas, o que al menos hace parecer que fuera así. Sea por la calidad de su trabajo o por la variedad de matices que manejan, hay bandas que sin cambios radicales consiguen mantener una identidad de raíz, sin que las ramificaciones sean necesariamente exactas y miméticas. Deftones es acusado por sus detractores de hacer siempre el mismo disco, pero las diferencias entre “Koi No Yokan” (2012) y “Gore” son evidentes desde el comienzo. Mientras el primero golpeaba de inmediato con el número más directo para luego elaborar dinámicas más intrincadas, en “Gore” existe una tendencia a que las estructuras sean claras, crecientes, con una épica que se repite, ya sea en números reflexivos como “(L)MIRL” o en frenesís rockeros como en “Geometric Headdress”.

DEFTONES 2016 01En materia sonora, “Gore” debe ser el disco más variado de Deftones desde “Saturday Night Wrist” (2006) y, al mismo tiempo, uno con una coherencia implacable en la diversidad, que es parte de la marca registrada de la banda de Sacramento desde hace mucho tiempo. El único problema con todo ello es que la capacidad de crear discos consistentes se ha devorado las ambiciones de armar singles ganadores. Deftones tiene una vocación para los grandes coros que en “Gore”, así como en su anterior entrega, se esconde en algunas canciones, pero que ni siquiera se traduce a tracks completos, más allá del impacto directo a la yugular que resulta “Prayers / Triangles”.

Es extraño pensar en que Stephen Carpenter pueda tener reparos con “Gore”; a menos que sintiese que su participación en la composición fuera muy mínima, no aparecen mayores razones para esa extrañeza. Los riffs son excelentes en casi todos los tracks, en especial porque cuentan una historia y la hacen fluir de forma clara. Esto redunda en lo lamentable porque pone una lupa sobre un disco que, al revés de lo que se podía pensar, no cae en concesiones o en bajas de calidad, o en prescindir de las guitarras del propio Carpenter para brillar. En “Gore” no hay extremos tan contrastantes como en “Koi No Yokan”, sino que los mundos de Deftones se funden. Por muy ambiental que parezca “Hearts / Wires”, el peso de sus compases es tal, que igualmente genera algo más que un devaneo inerte. En el álbum no hay instantes etéreos porque todo tiene una trascendencia que no va en lo onírico, como pasa a ratos en casi toda la discografía de la agrupación; no hay ecos de los sueños, sino que hay latidos fuertes del aquí y ahora, como se nota en la gran “(L)MIRL” o en la balada que termina siendo “Phantom Bride”, una de las grandes sorpresas del disco, y que contó con la colaboración de Jerry Cantrell, guitarrista de Alice In Chains.

DEFTONES 2016 02“Pittura Infamante”, “Doomed User” o “Geometric Headdress” sin duda que van en el carril más directo y sin pausas, aunque también tienen esa angustia claustrofóbica que no los aleja tanto de “Xenon” o “Gore”. Resulta tan entretenido como agotador el fijarse en los puentes sonoros entre las distintas canciones, que al comienzo no se ven tan obviamente, pero que con el correr de las escuchas van convergiendo de forma muy natural. Quizás allí hay un ripio pequeño: que se sienta que son necesarias varias reproducciones a “Gore” para notar lo bueno que es, pero eso tampoco tiene algo de malo.

“Gore” es un disco que difícilmente trae de vuelta a Deftones, pese a los cuatro años de silencio discográfico y las diferencias con “Koi No Yokan”, pero sí es la reafirmación de la inventiva de una banda que no hace lo mismo jamás, aunque se la tilde de esta forma. La locura puede venir de la sordera de ciertas audiencias, esa locura que sí se canaliza de forma notable en la triada final del disco. “Rubicon” es el broche de oro para un álbum que expande aún más el mundo de Deftones, banda que con “Gore” compila una discografía de las más sólidas en ideas y calidad dentro del rock de las últimas décadas.

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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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