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Declan McKenna – “Zeros”

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La edad de Declan McKenna parece ser un tópico difícil de ignorar al discutir sobre el cantautor británico. Y es que, desde que tenía 16 años, la prensa ha puesto sobre sus hombros el peso de representar “la voz de una generación”, ejercicio expresado en su debut “What Do You Think About the Car?” (2017), una prometedora placa de indie rock donde denuncia un mundo corrupto bajo la mirada adolescente. Pero en su segundo disco, “Zeros”, se sacude la presión de ser el vocero de los tiempos para un momento de autodescubrimiento, un vistazo al pasado con guiños modernos, continuando con una mirada crítica, pero con una libertad antes no encontrada.

Como si de secuela de ciencia ficción se tratara, McKenna pregunta: “¿Qué opinas del cohete que construí?”, un claro guiño a su debut, pero llevándonos a nuevas dimensiones. El corte inicial, “You Better Believe!!!”, comienza el viaje apocalíptico de “Zeros”, alejándose de las sutilezas de su debut y canalizando un explosivo espíritu en brillantes guitarras y expresivas vocales, como una sacudida de energía que introduce las advertencias que acompañarán al disco. Y es que, como muchos en algún punto, el británico ha llegado a su era setentera, con la huella del glam rock marcada en cada uno de los cortes y la sombra de figuras como David Bowie. Un complicado trabajo, que se debate entre inspiración y derivación, pero que logra modernizar con su mirada contemporánea de lo que es posible en una placa de rock.

Sin embargo, los sonidos no son pura nostalgia envasada, sino que un ejercicio consciente de representar el presente y el tan temido futuro distópico. Inspirado en novelas apocalípticas, el disco ilustra mucho de los miedos de la década setentera sobre el mañana: colapsos sistemáticos, el declive de la humanidad o catástrofes naturales, pero Declan no necesita mirar lejos, ya que su álbum fue pospuesto en múltiples ocasiones por la pandemia que afecta a esta realidad: “¡El asteroide ya está aquí!”, advierte sobre un punto que parece tener no retorno. Si bien, sus preocupaciones representan sus propios miedos, reconoce su universalidad. “Be An Astronaut” es una dramática pieza de glam con palpable influencia de Queen y donde temáticamente habla del miedo de dejar ir los sueños (“Naciste para ser un astronauta, y lo harás o morirás intentándolo”). En “The Key To Life On Earth” se siente la huella de su disco anterior, en una composición más clásica del indie contemporáneo, donde su voz se presenta al natural sin tratar de emular algo conocido. Continuando con las evocaciones de su primer trabajo, el corte denuncia las complejas diferencias sociales y la imposibilidad de entenderse entre estas.

Llevar las influencias en la manga no es un crimen, pero puede resultar perjudicial si se pierde la autenticidad del artista en el camino. Por suerte, es la composición de sus relatos lo que mantiene fresco al disco y, actualizando los miedos distópicos a la realidad presente, Declan se asegura de hacer contemporáneo un sonido del pasado. El capitalismo trabajando hasta en el fin del mundo, las redes sociales reemplazando al Gran Hermano y el cambio climático son algunos de los nuevos miedos, representados en canciones como “Twice Your Size”, donde la inmersión online es total. O en “Sagittarius A*” donde reconoce la inevitabilidad del fin del universo y se presenta así mismo como la temida estrella que lo absorberá todo. Si bien, estas preocupaciones parecen ser más grandes que la vida misma, la canción final, “Eventually, Darling”, engloba su principal miedo: los constantes cambios. Escrita poco después de su primer disco, es una mezcla perfecta entre ambos sonidos, donde la pérdida es brutal y la vida se mueve más rápido que las personas que la transitan.

Con “Zeros” es imposible ignorar las influencias del pasado, pero, después de todo, el cantautor aún tiene muchos sonidos que explorar en una prometedora carrera en evolución. Y es que este viaje retro a través del palpable glam de sus guitarras y sus evocaciones a íconos no es sólo un gusto personal, sino que también es una bofetada a las generaciones que ignoraron a aquello que se advirtió hace décadas y señala a las del presente para preguntarse cómo cambiar un futuro que ya está aquí. Con miedos tan personales como universales, Declan Mackenna espera conectar a aquellos en búsqueda de un cambio radical que evite el final que advirtieron otros antes que él.


Artista: Declan McKenna

Disco: Zeros

Duración: 40:26

Año: 2020

Sello: Columbia


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The Mars Volta – “The Mars Volta”

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The Mars Volta

Difícilmente exista banda que lo haya inventado o interpretado todo, pero es complejo poder renovarse cuando prácticamente se ha abarcado todo lo permitido dentro de las posibilidades. Ese dilema es algo que, tarde o temprano, termina aquejando a las mentes maestras del progresivo, y si Steven Wilson ha sido capaz de cambiar su orientación sonora en su material solista al diferenciarse de Porcupine Tree, Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala han hecho lo mismo para no mancillar la etiqueta de rock progresivo de The Mars Volta al adentrarse en otros sonidos con proyectos como At The Dive-In, De Facto, Antemasque, Kimono Kult, Bosnian Rainbows y un sinfín de agrupaciones. Ahora, ambos músicos deciden renovar el sonido de un nombre tan querido como este, al romper cualquier parámetro preestablecido de su fórmula y hacer algo que se diferencie considerablemente de lo ofrecido hasta ahora.

Unos cuantos adelantos bastaron para alegrar a los fans respecto al regreso de The Mars Volta, pero no así para generar muchas expectativas ante su eventual nuevo disco de estudio. La última placa del conjunto hace ya una década, “Noctourniquet”, cumplió correctamente con los estándares esperables para un disco de la dupla Rodríguez-López y Bixler-Zavala, pero se alejó de ser una de las obras más recordadas de un proyecto cuyo catálogo ha entregado joyas sonoras y creativas. Incluso en un terreno tan extenso como el progresivo, la banda ya había abarcado bastante entre las múltiples opciones posibles, por lo que este regreso discográfico da en el clavo al adentrarse en algo que, hasta ahora, no habían explorado del todo: su propia versión del pop, como asegura la banda a la hora de etiquetar las radiales y estructuralmente accesibles melodías que ofrece este trabajo homónimo.

Es curioso que, siendo su séptimo álbum, recién sea el primero titulado sencillamente con el nombre de la agrupación, pero esa decisión se justifica al desentramar lo que refleja el disco, exponiendo un ejercicio de cómo The Mars Volta es una entidad que deconstruye, analiza y reestructura los cánones de diferentes géneros para ofrecer una versión de ellos con un giro de tuerca propio, ya sea en la intensa “Graveyard Love” o las reminiscencias latinas que ofrecen tracks como “Blacklight Shine” o “Que Dios Te Maldiga Mi Corazón”, cantada en español e inglés con una sutileza propia de la voz de Cedric, capaz de invocar una fuerza interpretativa que deambula entre distintos conceptos y metáforas, muchas veces de una explicación más compleja que la necesaria, como todo brillante trabajo abstracto. Aunque las letras sean mucho menos crípticas que de costumbre, el misterio de las oraciones recitadas casi como mantras repercute perfectamente en la impecable sección instrumental del disco.

De igual forma, esa propia versión del pop que menciona el dúo es algo que no termina de cuajar en algo derechamente mainstream, y esto se debe principalmente a la influencia de artistas como David Bowie o Peter Gabriel que han citado para este trabajo, centrándose en la capacidad que ambos tienen de crear un área gris en donde se mantengan en una posición al filo de la orientación más popular, pero con los elementos viejos de su etapa progresiva siempre ahí. “Shore Story” es, por ejemplo, una composición que perfectamente puede sonar en una radioemisora junto a artistas de música más alternativa, como Beach House, The xx o el icónico proyecto Bosnian Rainbows del propio Omar, mientras que “Cerulea” podría ser el track de descanso dentro de toda la intensidad contenida en un álbum de At The Drive-In. Y si bien no es una inspiración directa, el rock alternativo moderno se puede escuchar en canciones como “Flash Burns From Flashbacks” o “No Case Gain”, donde la elegancia de The Mars Volta evita que caigan en cualquier tipo de cliché o parodia. Finalmente, ejemplos como “Palm Full Of Crux”, “Equus 3” o el cierre con “Collapsible Shoulders” y “The Requisition”, evidencian algo concreto: la banda es capaz de refrescarse sin tomar prestado de manera excesiva.

Como todo buen disco de progresivo, la séptima placa de The Mars Volta es un trabajo de cocción lenta y una digestión incluso más pausada, debido a que los más reacios a salirse de la fórmula de guitarras, batería y cambios de ritmo a toda velocidad les costará enganchar con un trabajo que no transita entre la calma y la tempestad, sino que entre la intensidad y la elegancia de la interpretación, dando como resultado un sonido más aterrizado y robusto, sin exponer muchas fracturas en el camino. La fuerza creativa del dúo está más desatada que nunca y, aunque esos elementos comunes que se encuentran en todos sus proyectos siguen inevitablemente ahí, sí se desmarca por una serie de factores como un disco de The Mars Volta, donde la mejor forma en que la banda comprueba su identidad es en demostrar su inigualable manera de interpretar.


The Mars VoltaArtista: The Mars Volta

Disco: The Mars Volta

Duración: 44:45

Año: 2022

Sello: Clouds Hill


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