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Declan McKenna – “Zeros”

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La edad de Declan McKenna parece ser un tópico difícil de ignorar al discutir sobre el cantautor británico. Y es que, desde que tenía 16 años, la prensa ha puesto sobre sus hombros el peso de representar “la voz de una generación”, ejercicio expresado en su debut “What Do You Think About the Car?” (2017), una prometedora placa de indie rock donde denuncia un mundo corrupto bajo la mirada adolescente. Pero en su segundo disco, “Zeros”, se sacude la presión de ser el vocero de los tiempos para un momento de autodescubrimiento, un vistazo al pasado con guiños modernos, continuando con una mirada crítica, pero con una libertad antes no encontrada.

Como si de secuela de ciencia ficción se tratara, McKenna pregunta: “¿Qué opinas del cohete que construí?”, un claro guiño a su debut, pero llevándonos a nuevas dimensiones. El corte inicial, “You Better Believe!!!”, comienza el viaje apocalíptico de “Zeros”, alejándose de las sutilezas de su debut y canalizando un explosivo espíritu en brillantes guitarras y expresivas vocales, como una sacudida de energía que introduce las advertencias que acompañarán al disco. Y es que, como muchos en algún punto, el británico ha llegado a su era setentera, con la huella del glam rock marcada en cada uno de los cortes y la sombra de figuras como David Bowie. Un complicado trabajo, que se debate entre inspiración y derivación, pero que logra modernizar con su mirada contemporánea de lo que es posible en una placa de rock.

Sin embargo, los sonidos no son pura nostalgia envasada, sino que un ejercicio consciente de representar el presente y el tan temido futuro distópico. Inspirado en novelas apocalípticas, el disco ilustra mucho de los miedos de la década setentera sobre el mañana: colapsos sistemáticos, el declive de la humanidad o catástrofes naturales, pero Declan no necesita mirar lejos, ya que su álbum fue pospuesto en múltiples ocasiones por la pandemia que afecta a esta realidad: “¡El asteroide ya está aquí!”, advierte sobre un punto que parece tener no retorno. Si bien, sus preocupaciones representan sus propios miedos, reconoce su universalidad. “Be An Astronaut” es una dramática pieza de glam con palpable influencia de Queen y donde temáticamente habla del miedo de dejar ir los sueños (“Naciste para ser un astronauta, y lo harás o morirás intentándolo”). En “The Key To Life On Earth” se siente la huella de su disco anterior, en una composición más clásica del indie contemporáneo, donde su voz se presenta al natural sin tratar de emular algo conocido. Continuando con las evocaciones de su primer trabajo, el corte denuncia las complejas diferencias sociales y la imposibilidad de entenderse entre estas.

Llevar las influencias en la manga no es un crimen, pero puede resultar perjudicial si se pierde la autenticidad del artista en el camino. Por suerte, es la composición de sus relatos lo que mantiene fresco al disco y, actualizando los miedos distópicos a la realidad presente, Declan se asegura de hacer contemporáneo un sonido del pasado. El capitalismo trabajando hasta en el fin del mundo, las redes sociales reemplazando al Gran Hermano y el cambio climático son algunos de los nuevos miedos, representados en canciones como “Twice Your Size”, donde la inmersión online es total. O en “Sagittarius A*” donde reconoce la inevitabilidad del fin del universo y se presenta así mismo como la temida estrella que lo absorberá todo. Si bien, estas preocupaciones parecen ser más grandes que la vida misma, la canción final, “Eventually, Darling”, engloba su principal miedo: los constantes cambios. Escrita poco después de su primer disco, es una mezcla perfecta entre ambos sonidos, donde la pérdida es brutal y la vida se mueve más rápido que las personas que la transitan.

Con “Zeros” es imposible ignorar las influencias del pasado, pero, después de todo, el cantautor aún tiene muchos sonidos que explorar en una prometedora carrera en evolución. Y es que este viaje retro a través del palpable glam de sus guitarras y sus evocaciones a íconos no es sólo un gusto personal, sino que también es una bofetada a las generaciones que ignoraron a aquello que se advirtió hace décadas y señala a las del presente para preguntarse cómo cambiar un futuro que ya está aquí. Con miedos tan personales como universales, Declan Mackenna espera conectar a aquellos en búsqueda de un cambio radical que evite el final que advirtieron otros antes que él.


Artista: Declan McKenna

Disco: Zeros

Duración: 40:26

Año: 2020

Sello: Columbia


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Sufjan Stevens – “The Ascension”

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The Ascension

Con cada disco, Sufjan Stevens pareciera ser un nuevo artista. Desde las complejas orquestaciones de “Illinois” (2005), el experimental y expansivo viaje de “The Age Of Adz” (2010), hasta el desgarrador “Carrie & Lowell” (2015), su discografía parece no tener brújula. Sin embargo, cada pieza es unida por el agudo sentido de percepción del cantante, que, con un trabajo de introspección y de mirada sustancial al estado del mundo, logra en “The Ascension” entregar un material crítico, angustioso e increíblemente necesario.

El disco comienza con un ultimátum. En su canción inicial, “Make Me An Offer I Cannot Refuse”, Sufjan le habla directamente a una de las presencias más regulares en su música: Dios, pero, de forma distinta que en su último material en solitario, su voz es ansiosa y demandante. El instrumental electrónico enfatiza el estado de crisis de la canción y los glitches electrizan la ambientación que estalla en un frenético outro. Lo anterior simboliza el ánimo presente en el disco, un símbolo de exclamación y un Stevens cansado de la falta de señales. “Muéstrame la gracia de un rey natural. Señor, necesito liberación”, exclama exhausto, comenzando con una catarsis.

Sufjan nunca ha temido sonar descorazonador en su música; de hecho, su LP de 2015 estaba lleno de devastadores golpes, sin embargo, el ambiente presente muestra una opacidad y un deprimente pesimismo, incluso cuando las melodías son curiosamente alegres. “Run Away With Me” es una oda –o crítica– al escapismo a través de la cultura pop. Una balada a su estilo, una inescapable referencia a Carly Rae Jepsen, mientras le implora a otro escaparse con él. Los versos están llenos de oscuras imágenes apocalípticas, pero el melódico coro conforta con su simpleza. “Video Game” es lo más cercano a una pieza pop en su catálogo, con una constante percusión acompañada de sintetizadores y sus vocales más rítmicas. Temáticamente, trata con la autovaloración lejos de los estándares actuales: “No quiero ser el centro del universo, no quiero ser parte de esa vergüenza”.

La experimentación electrónica del disco lo puede hacer parecer como un hermano de “The Age Of Adz”, y es que las sensaciones frenéticas están presentes en ambos. Pero la música en “The Ascension” es más pesada y agobiante; es un viaje por el camino más largo y complicado. Mientras que en el primero las orquestas añaden un aire fantástico, en el más reciente los arreglos industriales lo convierten en un incómodo experimento y un claustrofóbico compilado de sonidos que encuentra su purificación en cada corte. Esta ansiedad está plasmada en temas como “Lamentations”, donde su suave voz se abre paso entre un instrumental que funciona como la musicalización del futurismo, una crítica a un sistema sucumbiendo en el capitalismo. Misma energía se percibe en temas como “Ativan”, donde las esperanzas recaen solo en los antidepresivos que calman su ansiedad, o en “Gilgamesh”, basada en la épica homónima que, con sus arreglos en piano y constantes glitches, crean una desesperante sensación que agradece los momentos resplandecientes.

En su centro, el álbum lidia con la perdida de fe y hacia dónde mirar en momentos tan deprimentes. El primer sencillo, “America”, es un épico relato de 12 minutos sobre la caída de un imperio. El cantante ha utilizado representaciones estadounidenses como parte de su sello, como crítica y como oda, pero en este corte se distancia. Una canción de protesta contra la cultura estadounidense, haciendo paralelos con la traición de Judas a Jesucristo: “Te he amado como un sueño, he besado tus labios como un Judas en celo”, le canta al sueño americano. Percibe que su creador ha abandonado su país natal y le suplica: “No me hagas lo que le hiciste a América”. Pero el álbum encuentra su mayor punto en el tema titular, una representación musical del ascender, con la brillante voz del músico liderando la dulce melodía y emocionando con la catarsis que se percibe en sus tonalidades. Este es Sufjan en su máximo esplendor.

“The Ascension” es sin duda un difícil plato de digerir, un ansioso viaje de imágenes apocalípticas y sonidos claustrofóbicos, un desafío para quienes han seguido una volátil discografía. Sin embargo, entre tantos momentos de encierro y oscuridad, Sufjan Stevens sigue ofreciendo destellos de luz donde su pesimismo parece desaparecer por un segundo, y su melodiosa voz impulsa a seguir adelante.


Artista: Sufjan Stevens

Disco: The Ascension

Duración: 80:30

Año: 2020

Sello: Asthmatic Kitty


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