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Is 4 Lovers Is 4 Lovers

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Death From Above 1979 – “Is 4 Lovers”

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Conceptualmente hablando, ir a contrapelo de la estructura guitarra-bajo-batería en el rock es audaz por lo bajo, porque los resultados suelen ser disímiles y hasta considerados desabridos por los puristas, aunque el listado de bandas que han reemplazado la guitarra como su instrumento pivotal en secciones, canciones, e incluso álbumes completos, es generoso y variopinto. Otra cosa es cortar por lo sano y eliminar el emisor de esa frecuencia sonora; suprimir las seis cuerdas y arreglarse con lo que queda. Pocos han emprendido esa cruzada quijotesca y el éxito ha sido esquivo, y muchas veces inexistente. Quizás Royal Blood ha roto la tendencia en los últimos años, pero antes de ellos existió y existe Death From Above 1979, un dueto canadiense que abrazó esa premisa: hacer de lo simple algo complejo. Con casi dos décadas de historia, vuelven a la carga con “Is 4 Lovers”, la cuarta entrega de su espaciada discografía.

En una entrevista de hace varios años, Jesse Keeler y Sebastien Grainger declaraban su intención de convertirse en los “AC/DC del hardcore”, es decir, canciones simples (a veces con letras deslenguadas y otras rozando el mal gusto) y al grano. Esa declaración hoy hace agua en un par de frentes porque no son hardcore, por muy rápido que toquen, y porque no son AC/DC por muy arena rock que suene “Is 4 Lovers”. Dejando por un rato de lado las pretensiones dance punk sucias y garajeras de “You’re A Woman, I’m A Machine” (2004) y su regreso diez años después con “The Physical World”, las aspiraciones del dueto van en un sentido distinto que ya habían explorado en “Outrage! Is Now” (2017), imprimiendo un sonido más lleno y definitivamente más melódico, el bajo de Keeler aparenta estar pasado por muchos más filtros y efectos de lo que suele caracterizar a DFA1979, y la sección rítmica de Grainger a ratos parece tratada de manera sintética, una señal de los tiempos en los que su álbum debut ha añejado musicalmente bien, pero no el entorno en el que fue concebido, dance punk y electroclash mediante, por lo que la madurez tiene que ser el único camino, y uno sin vuelta, por lo demás.

En este mundo sintético y sus derivados conviven canciones como “One + One” y “Glass Homes”, con baterías que más parecen provenir de cajas de ritmos con reverberación a tope que un instrumento real, lo que será difícil saber hasta que la pandemia nos permita ver algo en vivo de ellos. En otros tracks, como “Mean Streets” o la enrevesada y caótica de procesar “Love Letter”, abandonan por largos intervalos la idea de insertar bajo eléctrico, o quizás está tan procesado que resulta indistinguible. “Modern Love” es un track a manera de krautrock cascado y amplificado hasta el infinito, y en el que la línea melódica de las cuatro cuerdas evoca a unos héroes olvidados de esta gesta incomprensible de desmembrar la guitarra del rock, los estadounidenses Lightning Bolt.

Mientras que “Free Animal” y “Totally Wiped Out” son un marcador de neón dentro del manual de estilo de Death From Above 1979 –mismas estructuras y misma intención cruda–, “Modern Guy” suena a lo que su título promete: coqueteos aventureros con nuevas formas de producción y tratamiento estético desde lo musical tomando las riendas de “Is 4 Lovers”, algo que, si bien existía subrepticiamente, ahora abunda y se complementa más que bien con el resto de los elementos: el groove y la cadencia. Pararon de pretender todo el tiempo ser los chicos rudos del barrio a punta de headbanging y ahora llenan los espacios con el swing característico y los devaneos propios del synth pop, y en un punto intermedio están “N.Y.C. Power Elite, Part 1” y “N.Y.C. Power Elite, Part 2”, dos caras de una misma abrasiva moneda.

“No War” es una especie de balada maldita que sirve de colofón para un álbum que, sumando y restando, es lo mejor que han publicado desde su debut, justamente porque ya no actúan como niños rebeldes, sino como adultos funcionales que se hacen cargo de sus propios procesos, incluso abordando nuevas temáticas, como la familia y la vida parental en sus letras, con el completo control creativo de su arte –cosa que no sucedía desde su debut–, además de incorporar nuevas vertientes de influencia. En este aspecto, sólo Keeler tiene la respuesta acerca de si este amorío con lo sintético tiene que ver con sus aventuras con la electrónica de baile en MSTRKRFT, su proyecto paralelo mientras DFA1979 se sumía en un hiato no exento de polémica, o simplemente compartió labores más ecuánimes entre bajo y los esporádicos teclados que convivían en trabajos anteriores. Con todo esto sobre la mesa, en “Is 4 Lovers” lograron aprender a sonar urgentes y avasalladores sin recurrir a chistes chabacanos y lugares comunes vacíos de sustancia.


Artista: Death From Above 1979

Disco: Is 4 Lovers

Duración: 31:02

Año: 2021

Sello: Universal


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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