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David Byrne & St. Vincent – Love This Giant

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La tarea era compleja, en especial para Annie Clark, la mente detrás del proyecto St. Vincent. Tanto ella como David Byrne han andado por un camino lleno de elogios y buenos resultados, con elegancia, texturas y sonidos particularmente cuidados. Razón de sobra para esperar buenos resultados. Aún más expectativas se formaban con la información que indicaba que el trabajo había sido extenso, en sesiones desde 2010 y con varias presentaciones en conjunto por sorpresa, para darle forma a un álbum llamado “Love This Giant”.

Byrne es un reconocido explorador del pop, pero es St. Vincent (Annie Clark) el proyecto que había mostrado mayor solidez en el tiempo y, por consiguiente, con mucho más que perder en un trabajo como este. Y al final eso pasa. Byrne toma un mayor peso por su sola trayectoria brillante, su prestigio y su mera presencia, y Clark queda en un segundo plano bastante engañoso. Esto porque si bien en las líricas y en la cuota de cuánto tiempo canta don David lleva la delantera, los matices sonoros, los juegos en la mezcla, la producción –donde está el colaborador de St. Vincent, John Congleton-, todo apunta a Annie y su dinámica de compases quebrados y melodías pulcras y fluidas.

Tampoco es que Byrne no haga nada, pero gran parte de los detalles son por cuenta de la señorita Clark. De hecho, hace bastante tiempo que no se oía a un David Byrne en un disco tan enérgico y fino, que le hiciera justicia a su estirpe de innovador elegante del pop luego de inocuas colaboraciones con Brian Eno (“Everything That Happens Will Happen Today”, 2008) y Fatboy Slim (“Here Lies Love”, 2010).

“Who” fue un brillante single de adelanto, lleno de quiebres y bronces. Ese toque cálido de los vientos que son usados para acrecentar un sonido pop simple. Y esta decisión fue tomada por Annie Clark, que en el lejano 2010 le propuso a Byrne incluir ese tipo de instrumentos para generar un producto más alejado de sus esfuerzos personales; apuesta ganadora.

También Clark se luce con “Ice Age”, canción que calzaría perfecto en el gran “Strange Mercy”, su disco de 2011, donde sus tics y manías se notan clarísimas. “Weekend In The Dust” o la ceremoniosa “Dinner For Two” no son muy interesantes, pero por lo menos ayudan a notar cierta coherencia en el registro, al igual que la armonía inicial de la expansiva “I Am An Ape”. No obstante, las composiciones no terminan siendo el mayor fuerte de “Love This Giant”. Se nota que David Byrne se movió de su zona de confort compositivo y que el movimiento fue desde las historias personales hacia la grandilocuencia de un sonido épico y unas letras con vocación de grandes alturas.

Donde esto se logra con total certeza es en el estupendo par final de tracks. La colaboración de la orquesta de ritmos africanos Antibalas y The Dap-Kings hace que el ritmo y dinámica de “The One Who Broke Your Heart” sea una delicia, mientras que el cierre con “Outside Of Space & Time” –compuesta sólo por Byrne- abre una puerta con el espacio exterior.

Un acierto es lograr uno de los álbumes que mejor suenan del año tomando un gran riesgo. Basar un disco completo en el poder de los bronces, es confiar demasiado en las capacidades de la producción y el trabajo se realiza de gran forma. No sólo el sonido de los bronces se destaca, sino que muchas veces tienen el mismo resultado pulsional que las cuerdas, sin caer en el cliché.

“Love This Giant” es un disco que no resulta tan bien urdido como colaboración, porque en diferentes ítems se denota dominación de uno u otro. En materia de sonido es innegable que es uno de los mejores registros del año, principalmente por lo que Annie Clark puede urdir. Sin embargo, un disco no se puede basar en netos detalles. La composición es la gran deuda de una construcción que, pese a no edificar grandes cimientos, tiene gigantescas terminaciones. De todas maneras, un triunfo.

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Lee Ranaldo – “Electric Trim”

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La reinvención siempre estará acompañada de un proceso de búsqueda, un viaje donde se pueda llegar al centro del asunto y así esclarecer las ideas para dar el siguiente paso. Bajo ese escenario, Lee Ranaldo optó por alejarse de todo lo que ya había hecho, intentando encontrar un sonido más acústico y dándole un pequeño giro a su proyecto Lee Ranaldo And The Dust. Así fue como el músico lanzó “Acoustic Dust” (2014), donde versionó de un modo más desnudo las canciones de “Last Night On Earth” (2013), único LP de este proyecto. Ese último período supuso un tiempo en España, donde el ex guitarrista de Sonic Youth comenzó a trabajar con el productor Raúl Fernández para trazar las líneas de su siguiente trabajo de estudio, “Electric Trim”, que refleja todo lo aprendido durante este viaje musical.

El sentido introspectivo y personal se siente de inmediato: canciones como “Moroccan Mountains”, “Uncle Skeleton” o “Let’s Start Again” demuestran la melancolía característica en la música del cano guitarrista, quien se apoyó en muchos de sus amigos y colaboradores recurrentes para concebir este trabajo de estudio. Una de esas colaboradoras es la cantante Sharon Van Etten, quien acompaña a Lee en la canción “Last Looks”, con una armonía natural que fluye muy bien, recordando mucho el intercambio que Lou Reed y Nico realizaban en The Velvet Underground. Esto último no es al azar, el propio Ranaldo ha establecido al autor de “Perfect Day” como una de sus inspiraciones más grandes a nivel musical y artístico.

Pese a muchos significados, el título del álbum se puede traducir como “ajuste eléctrico”, algo que refleja muy bien lo que realiza Lee mediante estas composiciones. “Circular (Right As Rain)”, “Electric Trim” y “Purloined” se entreven como un ajuste de la furiosa y estridente composición que el músico deja caer regularmente dentro de sus canciones. Ranaldo siempre fue la parte más “limpia” de Sonic Youth, más melódico y calmo que su compañero Thurston Moore, pero cuando se trataba de meter ruido, lo hacía sin mayores problemas, y lo siguió haciendo también en “Between The Times And The Tides” (2012), el que es, técnicamente, el trabajo que antecede a “Electric Trim” dentro de su carrera solista.

Con un cierre a la altura, “Thrown Over The Wall” se presenta como una canción tranquila y bien estructurada, que va progresando hasta un estado más psicodélico y místico, dando el paso perfecto a la más convencional “New Thing”, donde cada integrante luce perfectamente en lo suyo, con cierto toque de emotividad por su bajo ejecutado por el fallecido Tim Lüntzel, compañero de Ranaldo tanto en The Dust como en su faceta solista. Esta “nueva cosa” puede tener muchos significados, pero lo cierto es que lo referente a internet y los nuevos tiempos en que vivimos es el mensaje principal de una composición que se adorna hermosamente de la voz de Sharon Van Etten, el toque más delicado y dulce dentro de toda esta tempestad tecnológica.

El viaje para auto encontrarse de Ranaldo logra llegar a buen puerto finalmente, ya que se nota claro, seguro y muy conciso en el relato que desarrolla durante el álbum. La madurez musical es evidente y, a pesar de que su trayectoria ya acumula varias décadas, es bueno notar cómo todavía es capaz de hacer fluir su creatividad mediante sus composiciones. Quizás este sea el inicio de un período más melódico y elaborado del músico, dejando un poco atrás el ruido y distorsión de las guitarras afiladas que suele interpretar. No obstante, el resultado es consistente y muy bien estructurado, tanto así, que Ranaldo demostró poder salir de su zona de confort explorando nuevas vías y reglas para entregar su música.

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