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American Utopia American Utopia

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David Byrne – “American Utopia”

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Una verdadera sorpresa terminó siendo el regreso musical de David Byrne, quien había estado silencioso en cuanto a nuevo material de estudio desde “Love This Giant” (2012), álbum realizado en conjunto con St. Vincent. No obstante, el músico no entrega un título como solista desde “Grown Backwards” (2004), por lo que su alianza con Brian Eno para producir “American Utopia” era algo para tener en consideración desde su anuncio. Y es que Byrne no es un tipo que busque inspiración en los tópicos oscuros o lúgubres de la vida, sino que intenta ver el lado positivo de las cosas, esa parte media llena de un vaso que no parece estar en sus mejores condiciones. Mientras otros le cantan a los agitados tiempos políticos y sociales que ocurren en el mundo, el ex Talking Heads prefiere revisar todo el panorama buscando las razones para estar alegre, contando historias simples en la lírica, pero complejas en la instrumentalización.

Independiente del tipo de temas que Byrne pueda abordar en sus canciones, el hilo conductor del disco se va desarticulando mediante diferentes ritmos, saliéndose de lo habitual en cuanto a la estructura y presentación del relato. Desde el comienzo vemos una tendencia a los ritmos más moderados, pero generando una proliferación del rompimiento de cánones, de hacer las cosas no como las haría el resto, de intensificar esa búsqueda que en toda su vida artística lo ha tenido explorando diferentes ritmos y formas de expresión. Si se hace un paralelo en el crecimiento musical de Byrne, hay que ser objetivos que su talento sonoro es algo que nació en grande, quedando demostrado desde el momento que aprendió, desmanteló y reinterpretó los sonidos de Latinoamérica con “Rei Momo” (1989). En este caso, no se evidencia una evolución de su sonido, por el contrario, se ve un cambio en la forma en que el artista mira las cosas, teniendo un enfoque reflexivo en cada una de las temáticas que van desfilando por el álbum.

No es un misterio que David Byrne quedó encantando con los sonidos latinos, mostrando desde el primer minuto la incorporación de ellos en su obra. La razón de aquello no es algo al azar, ya que enriquecen y fortalecen una paleta sonora que de por sí ya gozaba de una robustez muy completa. Como ejemplo está la robótica “I Dance Like This”, que abre el disco con un tono un poco más bajo y reflexivo, avanzando con un ritmo oscuro y tribal a cargo del birimbao. La más animosa “Every Day Is A Miracle”, en cambio, se enfoca en mostrar un lado de la vida más alegre y optimista, tal como reza su título, integrando una variedad de instrumentos en torno a la particular voz de Byrne. Cada canción se presenta como un capítulo diferente, pero demuestran la virtud más importante de su obra: la gran capacidad narrativa que posee. Desde “This Is That” hasta “Bullet”, todas las canciones tienen algo que mostrar, expresándose sin pasar a llevar al resto.

El elemento más predominante sin duda es la percusión, algo que Byrne llevó a otro nivel al incorporarlo en su gira, componiendo nuevos arreglos a su catálogo clásico para cobijarlos dentro del código sonoro que representa su estado actual. Todas las canciones van desplazándose de manera diferente, mostrando los mismos instrumentos, pero siendo interpretados de otra forma. Tal como su presentación en vivo, la obra en sí ya es un relato teatral, lo que funciona muy bien al unir el álbum como un todo, mostrando cómo diez canciones prácticamente independientes pueden funcionar de muy buena manera como una sola. “Everybody’s Coming To My House” es un ejemplo de ello, con todos los instrumentos sonando a la par, mediante un ritmo de batucada que va desfilando hasta una salida que con “Here”, ultimo track del disco, encontrando su conclusión de una manera solemne y elegante, sello de excelencia en el hombre de las mil facetas.

Diez canciones diferentes, con ritmos y relatos distintos, pero uniéndose todas juntas dentro de una historia muy necesaria de contar. En tiempos donde todo parece incierto, sobre todo en la agitada vida americana, David Byrne nos recuerda sobre todas las cosas buenas de la vida, todas esas razones para estar alegre que son muy importantes en días tan difíciles como estos. El ejercicio de mirar alrededor, pensar en la vida que vivimos, reflexionar sobre ella y ver cómo podemos cambiarla, es algo necesario y urgente en cierto modo, por lo que el llamado de Byrne a realizar este cambio de mirada con nuestro entorno es una advertencia para tener en consideración. El ejercicio de preguntar supone un paso muy importante, que no debe ser abandonado hasta que llegue a un punto de conclusión en cuanto a la búsqueda de respuestas. En días donde las interrogantes abundan y las respuestas escasean, la observación y análisis del entorno representa la única vía posible para mejorar la realidad, para conseguir ese cambio de paradigma que podría hacer las cosas quizás no más fáciles, pero sí más llevaderas que de costumbre.


Artista: David Byrne

Disco: American Utopia

Duración: 37:17

Año: 2018

Sello: Nonesuch / Todo Mundo


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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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