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American Utopia American Utopia

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David Byrne – “American Utopia”

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Una verdadera sorpresa terminó siendo el regreso musical de David Byrne, quien había estado silencioso en cuanto a nuevo material de estudio desde “Love This Giant” (2012), álbum realizado en conjunto con St. Vincent. No obstante, el músico no entrega un título como solista desde “Grown Backwards” (2004), por lo que su alianza con Brian Eno para producir “American Utopia” era algo para tener en consideración desde su anuncio. Y es que Byrne no es un tipo que busque inspiración en los tópicos oscuros o lúgubres de la vida, sino que intenta ver el lado positivo de las cosas, esa parte media llena de un vaso que no parece estar en sus mejores condiciones. Mientras otros le cantan a los agitados tiempos políticos y sociales que ocurren en el mundo, el ex Talking Heads prefiere revisar todo el panorama buscando las razones para estar alegre, contando historias simples en la lírica, pero complejas en la instrumentalización.

Independiente del tipo de temas que Byrne pueda abordar en sus canciones, el hilo conductor del disco se va desarticulando mediante diferentes ritmos, saliéndose de lo habitual en cuanto a la estructura y presentación del relato. Desde el comienzo vemos una tendencia a los ritmos más moderados, pero generando una proliferación del rompimiento de cánones, de hacer las cosas no como las haría el resto, de intensificar esa búsqueda que en toda su vida artística lo ha tenido explorando diferentes ritmos y formas de expresión. Si se hace un paralelo en el crecimiento musical de Byrne, hay que ser objetivos que su talento sonoro es algo que nació en grande, quedando demostrado desde el momento que aprendió, desmanteló y reinterpretó los sonidos de Latinoamérica con “Rei Momo” (1989). En este caso, no se evidencia una evolución de su sonido, por el contrario, se ve un cambio en la forma en que el artista mira las cosas, teniendo un enfoque reflexivo en cada una de las temáticas que van desfilando por el álbum.

No es un misterio que David Byrne quedó encantando con los sonidos latinos, mostrando desde el primer minuto la incorporación de ellos en su obra. La razón de aquello no es algo al azar, ya que enriquecen y fortalecen una paleta sonora que de por sí ya gozaba de una robustez muy completa. Como ejemplo está la robótica “I Dance Like This”, que abre el disco con un tono un poco más bajo y reflexivo, avanzando con un ritmo oscuro y tribal a cargo del birimbao. La más animosa “Every Day Is A Miracle”, en cambio, se enfoca en mostrar un lado de la vida más alegre y optimista, tal como reza su título, integrando una variedad de instrumentos en torno a la particular voz de Byrne. Cada canción se presenta como un capítulo diferente, pero demuestran la virtud más importante de su obra: la gran capacidad narrativa que posee. Desde “This Is That” hasta “Bullet”, todas las canciones tienen algo que mostrar, expresándose sin pasar a llevar al resto.

El elemento más predominante sin duda es la percusión, algo que Byrne llevó a otro nivel al incorporarlo en su gira, componiendo nuevos arreglos a su catálogo clásico para cobijarlos dentro del código sonoro que representa su estado actual. Todas las canciones van desplazándose de manera diferente, mostrando los mismos instrumentos, pero siendo interpretados de otra forma. Tal como su presentación en vivo, la obra en sí ya es un relato teatral, lo que funciona muy bien al unir el álbum como un todo, mostrando cómo diez canciones prácticamente independientes pueden funcionar de muy buena manera como una sola. “Everybody’s Coming To My House” es un ejemplo de ello, con todos los instrumentos sonando a la par, mediante un ritmo de batucada que va desfilando hasta una salida que con “Here”, ultimo track del disco, encontrando su conclusión de una manera solemne y elegante, sello de excelencia en el hombre de las mil facetas.

Diez canciones diferentes, con ritmos y relatos distintos, pero uniéndose todas juntas dentro de una historia muy necesaria de contar. En tiempos donde todo parece incierto, sobre todo en la agitada vida americana, David Byrne nos recuerda sobre todas las cosas buenas de la vida, todas esas razones para estar alegre que son muy importantes en días tan difíciles como estos. El ejercicio de mirar alrededor, pensar en la vida que vivimos, reflexionar sobre ella y ver cómo podemos cambiarla, es algo necesario y urgente en cierto modo, por lo que el llamado de Byrne a realizar este cambio de mirada con nuestro entorno es una advertencia para tener en consideración. El ejercicio de preguntar supone un paso muy importante, que no debe ser abandonado hasta que llegue a un punto de conclusión en cuanto a la búsqueda de respuestas. En días donde las interrogantes abundan y las respuestas escasean, la observación y análisis del entorno representa la única vía posible para mejorar la realidad, para conseguir ese cambio de paradigma que podría hacer las cosas quizás no más fáciles, pero sí más llevaderas que de costumbre.


Artista: David Byrne

Disco: American Utopia

Duración: 37:17

Año: 2018

Sello: Nonesuch / Todo Mundo


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Discos

Shame – “Songs Of Praise”

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Songs Of Price

Pocas veces tenemos la fortuna de presenciar el nacimiento de una gran banda de la mano de su primer larga duración. Dentro de aquella selecta lista encontramos a Shame, parte de ese siempre anhelado recambio del rock inglés. En colaboración con Nathan Boddy –quien ha trabajado junto a Gary Numan– y Dan Foat en producción y mezclas, la propuesta musical del quinteto londinense deja aflorar toda la influencia que inculcaron en ellos agrupaciones que brillaron en la década pasada dentro de las islas británicas (nombres que ya son clásicos contemporáneos, como Arctic Monkeys o Interpol). De esta colaboración nace un álbum grandioso de principio a fin, que ya empieza a posicionarse en las listas de lo mejor del año con argumentos de sobra.

Las canciones tienen su precio y se lo toman a pecho; si el tiempo es dinero, no hay segundo por perder, y eso significa arrojar toda la caballería desde un comienzo. Esa es la sensación que nos invade en “Songs Of Praise” al escuchar “Dust On Trial”, con guitarras estridentes y vertiginosas, que amenizan el magistral fraseo “Just – One – Step – Closer to me”. Cargado hacia el post-punk, “Concrete” es un tema que juega con la velocidad de los instrumentos y la pacífica interpretación vocal de Charlie Steen, quien explota en un potente coro vociferando: “Tengo esperanza de que me escuches”, y vaya que se hace escuchar. Por su parte, “One Rizla” nos hace disfrutar a la vez que nos preguntamos cómo lo hace una banda de pubs para sonar como cabeza de cartel de festival europeo. Las guitarras pegajosas de Sean Coyle-Smith y Eddie Green junto con un potente coro, son elementos suficientes para aseverar que este es uno de los mejores tracks del álbum.

En “The Lick” escuchamos la sensual voz de Steen –quien se empieza a candidatear como uno de los grandes frontman de la década que está por llegar–, mientras el bajo de Josh Finerty repite una y otra vez un riff hipnótico, armonizado por las guitarras. Acá la banda nuevamente aplica la fórmula de los coros potentes y bien delimitados. “Tasteless” y “Donk” siguen el cauce de lo que hasta ahora hemos logrado apreciar. El primero, es un tema cargado en reverberaciones que cuestiona a todos aquellos que señalan que las guitarras ya no tienen cabida en el rock. El segundo, un poco más agresivo que su antecesor, presenta a un descomunal Charlie Forbes golpeando sin parar la caja de su batería. Luego de esa exuberante demostración de energía, nos encontramos con otro de los grandes momentos del álbum. “Gold Hole” es de esos temas llamados a ser uno de los himnos de la banda, gracias a un potente coro que repite una y otra vez “shake me up, shake me up”. Además, las variaciones de intensidad y el caos del final son sin duda increíbles.

Un poco más calmada, “Friction” muestra la buena dupla que realizan los guitarristas. Además, acá se logra apreciar una especial conexión con el britpop gracias a las psicodélicas segundas voces de los coros, entregando un aura de armonía mucho mayor que en otros tracks. Llegando al cierre, “Lampoon” ofrece un punk más clásico, totalmente británico, que desborda una gran cantidad de energía, entre bailable y aguerrida. Como punto final, “Angie” cierra con serenidad el excelente debut de Shame. Con buenos quiebres, además de un pulcro juego melódico entre diversos timbres vocales, esta última canción nos enseña que la banda da para explotar diferentes variantes de su género.

Quién no quisiera debutar con un álbum como este, sin puntos bajos, totalmente redondo. Hay una predominancia de temas de estructuras sencillas, pero con grandes arreglos y, no menos importante, con un sentido melódico contagioso que se agradece. A su vez, esas notorias cuotas de oscuridad y pinceladas de violencia le entregan versatilidad de colores al relato. Por otro lado, hay un constante dialogo con la tradición indie británica, lo que significa rememorar viejos estandartes, como Gang Of Four o The Stone Roses, bandas que se dejan sentir, pero sin opacar el sonido de los oriundos de South London. ¿Alguien quería recambio? Acá está. Negarlo debería avergonzarnos y no hay por qué hacerlo.


Artista: ShameSongs Of Price

Disco: Songs Of Praise

Duración: 44:55

Año: 2018

Sello: Dead Oceans


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