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The Next Day The Next Day

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David Bowie – The Next Day

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Hace un par de años, The Flaming Lips y Neon Indian sacaron un EP juntos (“The Flaming Lips With Neon Indian”, 2011) donde su canción más interesante lleva por título “Is David Bowie Dying?”. El misterio de la atmósfera del tema poco tenía que ver con el colorido imaginario del “duque blanco”, y esa pregunta pasó colada porque Bowie ya llevaba 8 años desaparecido de la escena. Entonces, si estuviera muriendo o no, sería poco relevante en tanto ya se había retirado de la música, por lo que su muerte física estaba precedida de su suicidio simbólico en un presente. Pero Bowie no estaba moribundo como se dijo un par de veces en la última década, ni tampoco su genio se apagó. Nada de eso. De sorpresa, el 8 de enero (el día de su cumpleaños N° 66) Bowie anunció su regreso a la música, el más importante del último tiempo, y no para arropar la nostalgia y vivir de la gloria ya obtenida, sino que para lanzar un nuevo disco que había sido grabado en secreto durante dos años con su colaborador de siempre, Tony Visconti.

DAVID BOWIE 03“The Next Day”, su primer disco en una década y 24° álbum de estudio, es un batatazo a una industria acostumbrada a campañas de marketing cada vez más masivas y tendencia a los preview, y los conceptos chocantes y las filtraciones. Nada de eso pasó con Bowie. Todo lo contrario: la lealtad de sus colaboradores y el cuidado con el que fue armado el disco hizo que la sorpresa no sólo fuera mayúscula, sino que también todo cuajara de manera casi perfecta. “Where Are We Now?” fue presentada mediante un video cuyo concepto denotaba lo mismo que la música: la nostalgia por primera vez era algo que Bowie consideraba, pero mirando hacia adelante por sobre los pasos ya marcados en la tierra. Sobre esas huellas observa y arma relecturas, resultando una balada llena de intención y de referencias a la época de Berlín (“Heroes”, “Low”, “Lodger”), más oscura pero también más directa, mostrando a Bowie de cuerpo entero con menos teatralidad, pero más transparencia en las letras. Esto ocurre también con “The Next Day”, más cercana al espíritu de “Sound And Vision” (“Low”, 1977) o “Blackout” (“Heroes”, 1976), pero con un swing mucho más fiestero, como si Bowie llegara a la fiesta tarde, pero eso da lo mismo, igual todos se voltean a mirarlo y le meten conversación. Una canción rockera, bailable, donde no sólo la guitarra y su riff se destacan, sino que también las cuerdas que consiguen que el inicio del disco sea un clímax constante.

Tras el glam-alt-rock lleno de sensualidad y compases superpuestos de “Dirty Boys”, llega la primera gran explosión del álbum, que también fue single y cuyo video nos dio más antecedentes de la totalidad de “The Next Day”, “The Stars (Are Out Tonight)”. No sólo se trata de un rock ortodoxo e irresistible, sino que también una composición que pareciera desarrollarse sin esfuerzo, con un gran momentum y cada instrumento al ataque, pero de forma hermosa. Una joya de canción. Aunque, para ser justos –spoiler alert-, este disco en su totalidad lo es. Por eso no es rara la existencia de un track tan sólido como “Love Is Lost” a continuación, donde Bowie relata la confusión que el amor produce y cuán desorientada puede estar una persona que siente amor. Para ello no escatima en sonoridades. Los casi cuatro minutos que dura esta canción suena un órgano, a veces dominante, a veces expectante desde el fondo, que no cambia mientras el resto de los instrumentos se tornan cada vez más estridentes, en un in crescendo cuyo desenlace es pura potencia. Si alguna vez se diera el milagro de que Bowie haga un show en vivo, esta canción sonaría como cañón.

DAVID BOWIE 02De inmediato, sin dar pausa alguna, llega “Where Are We Now?” y su hermosura, siendo este el tema más “diferente” al resto de la placa, un manjar lleno de emoción y nostalgia, como pocas veces se le ha notado a Bowie, quien se sacude de inmediato con “Valentine’s Day”, canción romántica, ágil, llena de luz y un excelente prospecto de single o de canción para musicalizar una comedia romántica, sin perder ese sello que el autor de “Starman” le es capaz de poner a todo lo que hace, en cuotas similares de estilo y pundonor. Y si de agilidad se trata, los beats tipo drum ‘n bass y los arreglos orquestales llenos de onda épica le dan un tinte único a “If You Can See Me”. Ya a esta altura del disco queda claro que no hay reciclaje ni mucho menos autoplagio, sino que Bowie se renovó como pocos lo hacen, de hecho, recoge sonoridades que no le son tan propias, como las guitarras Verve-ianas de “I’d Rather Be High” o la estructura de “How Does The Grass Grow” que parece canción de Kasabian mezclada con el “Love This Giant” de St. Vincent & David Byrne (2012) por el uso de vientos para convertir al track en una avalancha sonora. “Boss Of Me” es movida y perfecta para un soundtrack, aunque un poco simple para el resto del registro, así como la breve pero llena de groove “Dancing Out Of Space” usando uno de los temas más recurrentes del disco: el espacio exterior y el cielo, seguida de la terrenal y muy “Lodger” (1979) “How Does The Grass Grow?”. De hecho, retrata de cuerpo entero una canción de ese disco, “Boys Keep Swinging”, referencia que cada review sobre este disco ha hecho por lo obvia que resulta, y lo bien que funciona.

Con “(You Will) Set The World On Fire” el rock se toma los parlantes en un track Kinks-esco enérgico y lleno de hambre, esa que Bowie tiene en demasía. No sólo es bonita, sino que la carátula tapa su propio rostro y le pone un cuadrado blanco con letras negras. Un mensaje directo: tapar la propia obra, no desconocerla, pero sí darle más importancia a lo actual. Un tapaboca para muchos que lo daban por muerto. Por eso el clímax con la balada “You Feel So Lonely You Could Die” al swing del vals es tan desolador como hermoso. La obra de un disco de arte, no de música, de Arte con mayúscula, que es capaz de instalar el imaginario de un artista, pasando por la paranoia, la historia, la observación a sí mismo y las historias que ha recopilado en su trecho por la música. Si bien el final con “Heat” es demasiado gris y pensativo para el resto del disco, sí refleja que, pese a todo lo que puedas querer dejar atrás el pasado y las sensaciones de este, de todas formas no se puede olvidar por completo y el vacío puede ser peor que lo que se quiere olvidar. La lúgubre melodía es un desenlace espléndido para “The Next Day”.

DAVID BOWIE 01“The Next Day” es un disco complejo, pese a la aparente simpleza de sus canciones. Exige atención y devoción de cada uno para leerlo como debe ser, que es como una obra de arte y no como un mero álbum. Hay más experimentación que la que se cree y hay más estilos mezclados que lo que se espera. Si uno quiere escuchar, este disco tiene la capacidad de generar un montón de posibles lecturas, así como también simplemente pasar un buen rato. Es fácil pensar que Bowie tiene poco que entregar tras tanto tiempo siendo uno de los artistas más creativos de nuestra era. También es sencillo esperar poco de un tipo que estuvo una década sin novedad alguna. Y, obvio, nadie diría que ese disco deba ser vital, sino que debiera ser reflejo de un hombre de 66 años que ya viene de vuelta.

Al revés, es el mejor disco de Bowie desde “Scary Monsters (And Super Creeps)” de 1980 y probablemente se convierta en el mejor de este año porque es más que un gran disco, es un acontecimiento, un hecho histórico y que sea así, con el siguiente día en mente y viviéndolo como tal, da para celebrar, y David Bowie lo hace como sabe: con música. ¿Está muriendo David Bowie? No, está más vivo que nunca y se erige como una imagen fresca para toda una nueva generación. Épico retorno.


The Next DayArtista: David Bowie

Disco: The Next Day

Duración: 53:17

Año: 2013

Sello: ISO / Columbia


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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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